17. stoljeće: klasicizam i barok, Rembrandt i Rubens
Bar oh kko- glavni pravci u umetnosti i književnosti XVII veka, koje je obeležilo uspostavljanje apsolutizma u Francuskoj i Španiji, kontrareformacija i Tridesetogodišnji rat u Nemačkoj, prve buržoaske revolucije u Holandiji i Engleskoj. Ovi događaji su se odrazili u drami i poeziji, u prozi i likovnoj umjetnosti. Međutim, pisci i pjesnici sedamnaestog stoljeća relativno su rijetko ilustrovali politički život svog doba, radije govoreći o modernosti, pribjegavajući povijesnim asocijacijama i mitološkim aluzijama.
Klasicizam i barok nastali su u dubinama renesanse. Classicus je uzoran i dostojan učenja u učionici. U 17. veku Djela antičkih autora, posebno Vergilija i Horacija, koji su veličali Oktavijana Augusta, smatrana su klasičnim. U odnosu na djela 17. stoljeća, nastala u skladu s kanonima klasicizma, koristi se definicija "klasicista" ili "klasicista".
Oponašajući antičke umjetnike i pjesnike, pobornici klasicizma, za razliku od renesansnih humanista, od antičkog naslijeđa posudili su ne toliko sadržaj koliko umjetnička načela, koja su shvaćena sasvim formalno. Dakle, na osnovu činjenice da su se u antičkim tragedijama događaji odvijali ispred palate od izlaska do zalaska sunca, i da su sve linije radnje bile međusobno povezane, postavlja se čuveni zahtev tri jedinstva: jedinstva mesta, vremena i radnje, kojoj je dramaturg bio dužan da se povinuje.
Svoje najpotpunije utjelovljenje klasicizam je pronašao u francuskoj umjetnosti, što se pokazalo vrlo u skladu s idejom služenja suverenu i državi. U Francuskoj na Louis XIII (1610-1643) de facto vladar zemlje bio je kardinal Richelieu, koji je uspio poraziti Frondu - proteste plemstva protiv centralizirane vlasti, što se kasnije odrazilo u povijesnim romanima Alexandrea Dumasa. U isto vrijeme, etika se oblikuje na temelju podređenosti privatnih interesa državnim, te se stoga prioritet daje dužnosti, a ne osjećajima. Junak klasicista bio je dužan da pokori svoje strasti snagom razuma, što se odrazilo u čuvenom Descartesovom aforizmu: „Mislim, dakle postojim“. Prisjetimo se još jedne poznate maksime. Kralj Luj XIV (1643-1715) izjavio je: „Ja sam država“. Kralj Sunce je bio u pravu na svoj način, jer je monarh postao simbol konsolidovane nacije; služenje kralju značilo je ispunjavanje nacionalne dužnosti.
Politička centralizacija utjecala je na umjetnost: palače i parkovi su imali simetričnu strukturu, pogled gledatelja bio je usmjeren ka centru. U tragediji u pet činova, treći čin je uvijek bio vrhunac. U kraljevskoj rezidenciji u Versaju uređen je redovan park, ukrašen fontanama i kopijama antičkih skulptura. Krošnje drveća bile su podrezane u obliku čunjeva i kuglica, što takođe nije bila slučajnost. Prema riječima arhitekata vrta i parka, prirodi je bila potrebna transformacija, trebalo joj je dati ispravan oblik.
Francusko društvo se zasnivalo na klasnim principima, koji su se prenijeli u sferu umjetnosti, koja se dijelila na visoke i niske.
Najviši žanrovi - ep, oda, tragedija - oličavali su sudbine monarha i njihove pratnje. Niži žanrovi - komedija, satira, basna - odražavali su svakodnevni život običnih ljudi.
Glavne principe klasicističke umjetnosti odredila je Francuska akademija koju je stvorio Richelieu. Članovi Akademije, zvani „besmrtnici“, ili, tačnije, trebalo bi ih nazvati stalnim, morali su voditi računa o tome da svi pisci održe jedinstvo i podijele žanrove na tragične i komične. Otpadnici su strogo kažnjavani, uskraćujući im subvencije koje su dobijali svi vjerni stvaraoci.
Estetika klasicizma se konačno formirala u raspravi Nicolas Boileau (1636-1711)"Poetska umjetnost". Sin pravosudnog službenika na početku svoje stvaralačke karijere djelovao je kao satiričar. Predstavljen kralju, ubrzo postaje dvorski istoriograf. U “Poetskoj umjetnosti” (1674), napisanoj u stihovima, on formuliše zvaničnu doktrinu klasicističke umjetnosti, i to talentirano, uvjeren da su principi koje on brani uvijek postojali i da će zauvijek ostati.
Boileauova “poetska umjetnost” je holistički estetski sistem koji ocrtava ciljeve umjetnosti – veličanje monarhije – i poetska sredstva za postizanje željenog efekta. Prvi književni teoretičar modernog vremena u prvi plan stavlja racionalnost, svrsishodnost i uvjerljivost, tuđe imitaciji. Međutim, da biste stvorili pravo umjetničko djelo, to nije dovoljno; potreban vam je i ukus i talenat:
Gledajući Parnasa, uzalud rimuje
U pjesničkoj umjetnosti zamišlja se dostizanje visina,
Ako nije obasjano sa neba nevidljivom svetlošću,
Kad se ne rodi pesnik po sazvežđima:
Sputan je nedostatkom talenata svaki sat,
Phoebus ga ne obazire na njega, Pegaz odbija.
Kao pjesnik, N. Boileau daje izražajne karakteristike lirskim žanrovima: idilu, eklogu, odu, savjet, govori o nastanku tragedije i komedije iz dionizijskih napjeva, divi se talentu renesansnih pjesnika C. Marota i P. Ronsara.
Godina rođenja Boileaua bila je i godina kada je nastala najveća tragedija francuskog teatra. “The Cid” je napisao nepoznati advokat iz Rouena, Pierre Corneille (1606-1684). Istina, “The Cid” nije bio Corneilleov debi, već je bio autor tragedije “Melita” i “Comic Illusion”. Međutim, “Šid” je doneo uspeh i istovremeno izazvao skandal. Radnja tragedije nije preuzeta iz antičke istorije, već iz događaja srednjovjekovne španske Rekonkviste. To je već bio izazov, budući da su francuski vladari imali napete odnose sa Španijom. Junak tragedije je Rodrigo Diaz de Bivar, kome je posvećen srednjovekovni španski herojski ep „Pesma o Cidu“. Istovremeno, P. Corneille se okrenuo mladosti Šida, kada je bio mlad i strastveno zaljubljen u Donu Jimenu. Ništa ne sprečava buduću sreću ljubavnika, ali svađa njihovih očeva uništava harmoniju. Voleći Jimenu, Sid izaziva njenog oca na dvoboj, koji je uvredio časnog starca - Sidovog oca. Rodrigo je u dvoboju ubio oca svoje voljene. Za Šida nije od najveće važnosti strast, već čast i dužnost. Osvetivši se, ispunio je svoju sinovsku dužnost. Ali sada Doña Jimena, još uvijek zaljubljena u Sida, traži osvetu i njegovu smrt - to je njena sinovska dužnost.
Drama P. Corneillea je vrlo jasno strukturirana. Cid je na početku ispunjavao svoje lične moralne dužnosti, ali je mnogo značajnije da, povinujući se kraljevoj volji, odlazi u borbu protiv Maura i pobjeđuje nevjernike. Prema P. Corneilleu, kralj djeluje kao arbitar najviše pravde. Naređujući im da zaborave na svađu koja se dogodila, on ujedinjuje ljubavnike.
Pjer Kornej je prekršio mnoge zahteve klasicizma, za koje on, provincijalac, nikada nije ni čuo. Možda je to istina, ali nas primjer Corneillea uvjerava da je genijalnost uvijek iznad pravila. Autoru “Šida” su zamerili da je narušio tri jedinstva, osudili da je svojoj tragediji dao srećan kraj i optužen za plagijat. Sve ove insinuacije dolazile su iz Francuske akademije i bile su inspirisane kardinalom Rišeljeom, koji je i sam pisao drame i bio ljubomoran na uspeh P. Corneillea. Produkciju "Cid" pratio je trijumf; francusko aristokratsko društvo je u heroju videlo svoj ideal, koji je želelo da oponaša. Nicolas Boileau je naknadno odgovorio na uspjeh “The Cida” sljedećim riječima: “Uzalud ministar koji pravi ligu protiv “Cida”, cijeli Pariz gleda na Ximenu Rodrigovim očima.”
Dramaturg je svoju slavu potvrdio tragedijama koje su uslijedile nakon "Cida": "Horac" (1639), "Cyina, ili Avgustova milost" (1640), "Nikomed" (1651), u kojima je veličao patriotsku službu otadžbine, ma kakve žrtve zahtevala. Međutim, pad talenata je s godinama postajao sve primjetniji. Krajem šezdesetih pojavile su se dvije tragedije sličnog imena i zapleta. Francuska publika je bezuslovno dala palmu mladom takmičaru Pjera Korneja, u neočekivanom takmičenju pobedila je „Berenika” Ž. Rasina u kojoj je neponovljivom veštinom pokazao kako se bore ljubav i dužnost u dušama junaka.
Jean Racine (1639-1699) - drugi veliki dramski pisac francuske klasične scene, "pjevač zaljubljenih žena i kraljeva", kako je za njega rekao A.S. Pushkin. U Racineovom djelu u francusku dramaturgiju ulazi novi kvalitet – psihologizam. Corneille je malo mario za psihološke motive ponašanja likova. Racine se fokusira na prikaz unutrašnjeg života heroja koji su uronjeni u sebe, a uopće nisu fokusirani na mahinacije svojih protivnika. Racine je postao nenadmašan majstor prikazivanja ljudskih strasti. U prvom remek-djelu J. Racinea, Andromahi, Hektorova udovica i majka njegovog sina okružene su neprijateljima koji se boje da će odrasli Astjanaks osvetiti očevu smrt.
Andromaha je fokusirana na to kako najbolje ispuniti svoju majčinsku dužnost. Oko nje ključaju strasti. Epirski kralj Pir, koji ju je zarobio, postao je njen zarobljenik, Pirovu verenicu Hermionu je odbacio, Orest je beznadežno zaljubljen u Hermionu... Fatalne strasti su razorne, svi junaci umiru, Andromaha pobeđuje, ne dozvoljavajući sebi da bude zapanjena strastima i racionalnim postupkom u najbeznadnijoj situaciji.
Sudbina Fedre u istoimenoj tragediji (1677) je drugačija. Žena atinskog kralja Tezeja doživljava destruktivnu strast prema svom posinku Hipolitu. Konflikt je u početku nerazrješiv. Fedrina bolest uzrokuje patnju. Kraljičino priznanje, koje je istrgnula sobarica, pogoršava tragični sukob. Saznavši od sluge o sramnoj privlačnosti njegove maćehe prema njemu, Hipolit doživljava strast kao uvredu. Tada Fedra dolazi na ideju da se osveti svom posinku, koji ne vjeruje u iskrenost osjećaja svoje maćehe, sumnjajući da se iza njene lažne strasti kriju spletke i prijevare. Oklevetan, umire. Fedra također umire, ali njena smrt je veličanstvena; Racinova heroina je uzdignuta strašću i strahom koje je iskusila, i pokajanjem koje ju je snašlo na kraju tragedije.
U nastojanju da zaštiti svoju heroinu, Jean Racine je tvrdio: „Zaista, Fedra nije ni potpuno zločinačka ni potpuno nevina. Sudbina i bijes izazvali su u njoj grešnu strast, koja prije svega užasava samu sebe. Ulaže sve napore da prevaziđe ovu strast. Više voli da umre nego da otkrije svoju tajnu. A kada je prisiljena da se otvori, doživljava konfuziju koja sasvim jasno pokazuje da je njen greh pre božanska kazna, čiji je čin njena sopstvena volja.”
Jean Baptiste Moliere 
(1622-1673)
, koji je karijeru započeo kao glumac, postavio je tragedije P. Corneillea i J. Racinea. Međutim, vremenom je napustio tragični repertoar i posvetio se žanru komedije. 
, 
Njegovo pravo ime bilo je Poquelin, dramaturg je bio sin uglednog kraljevskog tapetara i stekao je dobro obrazovanje na Clermont koledžu. Ocu nije smetalo da njegov sin, nakon što je napustio nasljednu karijeru, postane advokat, ali Jean Baptiste je sanjao o pozornici. On je 1643. godine zajedno sa svojim prijateljima - porodicom Bejart - organizovao trupu "Briljantno pozorište", čije su prve predstave bile sjajan neuspeh. Moliere i njegovi prijatelji nisu imali izbora osim da krenu na putovanje koje je trajalo trinaest godina. Moliere i njegova trupa putovali su po cijeloj Francuskoj.
U južnim provincijama italijanski glumci često su nastupali istovremeno sa Molijerovom trupom, izvodeći komediju maski - commedia dell'arte. Tekst predstave je bio improvizovan, likovi su bili obdareni jednom, ali svetlom karakternom crtom. Moliere je pozajmio bufonske tehnike od Italijana i sam počeo da komponuje komedije, dovodeći na scenu škrtice, ljubomorne ljude, šarlatane.
Godine 1658. Moliere i njegovi prijatelji pojavili su se u Parizu. Dozvoljeno mu je da igra tragediju P. Corneillea "Nycomed" u Luvru. Nastup je bio umjerenog uspjeha. Tada je Moliere rizikovao: ponudio je Njegovom Kraljevskom Veličanstvu da pokaže stripski skeč „Zaljubljeni doktor“. Farsa ga je proslavila, a sam Moliere je konačno shvatio svoj poziv: on je komičar i pisac komedije.
Tokom svog kratkog života, Moliere je napisao tridesetak komedija. Unatoč činjenici da je njihov sadržaj bliži stvarnosti u odnosu na tragedije, autor, u osnovi, ostaje vjeran normama klasicizma. Prednost daje poetskoj komediji, gotovo uvijek promatra tri jedinstva, a likovi - škrti i rasipnici, hvalisavci, lažovi i prevaranti, mizantropi i licemjeri - odani su jednoj strasti, što izaziva podsmijeh drugih i smijeh publike.
Njegove prve komedije su relativno bezopasne, ali ciljane. Tako je u komediji “Smiješni jaglici” ismijao salon Madame Rambouillet u kojem su se okupljali poznavaoci takozvane precizne (francuski précieuse – dragocjena) književnosti. U njenom plavom salonu sastajale su se dame i gospoda da razmenjuju izuzetne komplimente, komponuju i slušaju madrigale, jednom rečju, ponašaju se kao što su se ponašali profinjeni junaci romana Madlen Skuderi „Klelija ili rimska istorija“. Ovako M.A. karakterizira remek-djelo preciznosti. Bulgakov: „Roman je bio galantan, lažan i pompezan do najvišeg stepena. Parižani su bili oduševljeni njome, a za dame je jednostavno postao referentna knjiga, pogotovo što je prvi tom bio popraćen takvim oduševljenjem kao što je alegorijska Karta nežnosti, koja je prikazivala Reku nagiba, Jezero ravnodušnosti, Sela ljubavnih pisama i tako dalje.”
U komediji „Smešne jaglice“ (1659), Molijer je ismevao dve mlade devojke koje teže da imitiraju aristokratsku modu. Odbacivši dostojne udvarače, zamalo su iskočili da se udaju za svoje sluge samo zato što su se oni oblačili kao kicoši i govorili pompezno i pristojno, kao u salonu madam Rambuje. Nepotrebno je reći da su se oni “dragocjeni” prepoznali u crtiću, gajili ljutnju i izigrali prljave trikove sa komičarom koji ih je uvrijedio.
U Molijerovom delu satira je kombinovana sa didaktikom. U narednim komedijama „Škola za muževe“ (1661), „Škola za žene“ (1662) i „Učene žene“ (1662), dramaturg nastoji da da korisna uputstva o porodičnim odnosima.
Niti jedna Molijerova komedija mu nije donijela toliko patnje, ali i dugotrajnog uspjeha kao Tartuffea. 
(1664-1669). Pet godina se dramaturg borio za njenu produkciju, ispravljajući tekst, ublažavajući kritički fokus komedije. Moliere je svoj napad usmjerio na tajnu vjersku organizaciju "Društvo svetih darova", koja se bavila nadzorom nedobronamjernih sugrađana i otpadnika. Uklanjanjem konkretnih aluzija na djelovanje Društva Presvetog Sakramenta, postigao je više pokazujući kako vjerski fanatizam sakati duše vjernika. “Tartuffe” je na kraju postao parabola o tome kako gorljiva pobožnost lišava osobu zdravog uma. Prije nego što je upoznao Tartuffea, Orgon je bio brižan otac porodice, ali ga je fanatik i licemjer hipnotizirao razmetljivim asketizmom tako da je plemeniti plemić bio spreman da prevarantu da sve što posjeduje. Orgona, koji se našao u neprijatnoj situaciji, spašava kralj, koji sve vidi, zna i brine o dobrobiti svojih podanika. Tartuffe nije uspio da se dočepa Orgonovog imanja, ali je gledalac bio zabrinut jer je Orgon, koji je podlegao čarima imaginarnog sveca, zamalo otišao u zatvor, i obradovao se kada je policajac u finalu prijavio da je kralj naredio hapšenje prevaranta.
Ali da bi komedija stigla do gledatelja, Moliere je morao pet godina da se bori protiv moćnih crkvenih vlasti. Zabrana Tartuffea zadala je udarac Molijerovom repertoaru. Dramaturg užurbano komponuje komediju Don Juan (1665) u prozi, ignoriše klasicistička pravila i stvara remek-delo.
Seviljski plemić Don Huan da Tenorio, koji je živeo u 14. veku, postao je junak popularne legende, koju je preveo i obradio španski dramaturg Tirso de Molina u drami „Seviljski nestašluk, ili Kameni gost” ( 1630). Don Žuan (ili Don Žuan - kod Molijera, kod Puškina - Don Guan) je opsednut potragom za senzualnim zadovoljstvima. Prevarant žena, rugajući se mužu jedne od svojih žrtava, poziva na večeru nadgrobni spomenik - statuu komandanta. Poziv se pretvorio u smrt heroja; libertina su ukrale sile nebeske.
Moliere se nije slučajno okrenuo legendi o Don Huanu. Očigledno je zaplet crpeo iz nastupa italijanskih komičara, dajući mu duboko, viševrednosno značenje. Satiričar prije svega razotkriva rasipanje aristokrata; njegov junak vuče se za svakom damom, zadovoljavajući ne toliko svoju želju koliko svoju taštinu. Ali u isto vrijeme, Molijerov junak je hrabra i slobodoumna osoba. Njemu je strana svaka vrsta religioznosti. Ali nedostatak vjere ga dovodi do gubitka morala, a to opet izaziva razočaranje u životne vrijednosti, što u konačnici dovodi do uništenja pojedinca. Umoran od života od bezbrojnih pobeda, dobrovoljno juri ka odmazdi.
U ovoj komediji Moliere izuzetno nadilazi granice klasicističke estetike.
Jedan od najomiljenijih žanrova u aristokratskoj javnosti bila je komedija-balet. Jednostavna radnja bila je isprepletena pantomimom i plesom. Stvarajući zabavnu predstavu, Moliere je znao kako da je ispuni ozbiljnom idejom. U komediji "Buržuj u plemstvu", muziku za koju je napisao poznati kompozitor Lully, Moliere je portretirao bogatog buržuja Jourdaina, koji je sanjao o aristokratskoj tituli. Potpuno svakodnevna priča poprima psihičku složenost. Pokušaj proboja iz granica klasnog postojanja bio je prepun mnogih gubitaka. I učitelj, koji ga uči lijepom ponašanju i nauci, i plemeniti lupeži, koji izvlače novac od njega za vrlo nejasna obećanja, profitiraju od želje da postane aristokrata. Izgubivši svoj klasni način života, Jourdain gubi i zdrav razum. Sam Moliere djeluje kao mentor trećeg staleža, u komičnoj formi usađujući ideju da treba biti ponosan na svoju klasu i ljudsko dostojanstvo; aristokratska arogancija njegovog junaka ne vodi dobru.
Molijerov posljednji nastup bio je Imaginarni invalid. On je, budući da je i sam bio neizlječivo bolestan, zabavljao publiku glumeći čovjeka koji pati od bolesti koje je sam izmislio. sta je to bilo? Pokušaj prevare bolesti? Prisiliti sebe da vjeruje da će pobijediti svoju bolest? Moliere je preminuo nakon izvođenja predstave "Zamišljeni invalid". Bolest je uzela danak, a onda je na red došla i crkva. Velikom piscu je uskraćena prava hrišćanska sahrana. Samo je kraljevo posredovanje pomoglo njegovom miljeniku da pronađe mir prema kršćanskom obredu.
Klasicistički koncept pokrivao je sva područja umjetnosti u Francuskoj, uključujući arhitekturu i slikarstvo.
Nicolas Poussin (1594-1665)- najveći klasicistički slikar u skali sve evropske umetnosti. Naziv egzaktnih nauka i poznavanje antičkih spomenika omogućili su mu da jasno formuliše i sprovede u delo ideje skladno jasne umetnosti. „Umjetnik mora pokazati ne samo sposobnost da formuliše sadržaj, već i moć misli da bi ga shvatio“, tvrdio je Nicolas Poussin.
Poussin je dugo godina živio u Italiji. Umjetnik je dobro poznavao renesansni stil svojih prethodnika Leonarda i Rafaela, uočio je opću fascinaciju baroknom umjetnošću svog suvremenika Giovannija Lorenza Berninija (1598-1689), koji je završio izgradnju katedrale sv. Petra u Vatikanu i ukrasio ga veličanstvenim skulpturalnim ukrasom. Poussin je ostao ravnodušan prema dostignućima baroka, ostajući vjeran strogoj klasici. Podjednako se obraćajući razumu i osjećaju, stvara platna poput "Rinaldo i Armida" na osnovu radnje jedne od epizoda pjesme Torquata Tassa "Oslobođeni Jerusalim" i "Tankred i Erminija", čija je radnja također posuđena iz Tassoa. . Poussin je ušao u povijest umjetnosti kao nenadmašni majstor epskog pejzaža. Na slikama “Pejzaž s Polifemom” i “Pejzaž s Herkulom” priroda je velikih razmjera i veličanstvena, a istovremeno je dopunjena očekivanjem nekog herojskog djela koje će se dogoditi u pozadini grandioznog pejzaža. Poussinove kasne slike "Četiri godišnja doba" (1660-1665) odražavaju četiri doba u ljudskom životu.
Bar oh kko(port. barrocco - biser nepravilnog oblika) - u suprotnosti sa klasicizmom. Barok je suprotstavio klasicistički racionalizam povećanom emocionalnošću i sjajem oblika. Barokne umjetnike karakterizira vjerski misticizam, stvarnost im se čini iluzornom. S tim u vezi, naziv drame najvećeg dramskog pisca barokne epohe, Španca Pedra Kalderona, „Život je san“ (1634), u kojoj princa Segismunda baca u tamnicu njegov otac, poljski kralj Basilio, je vrlo indikativno. Nasljednik neće postati kralj, jer je bilo predviđeno: Segismundo će biti okrutni, krvavi vladar. Ali da li je otac-kralj u pravu, koji je u ime dobra svojih podanika osudio svog sina na poluživotinjski život? Basilio odlučuje da ispravi grešku, Segismundo privremeno postaje vladar zemlje. On vlada kraljevstvom s pretjeranom okrutnošću, osvećujući pritužbe iz prošlosti. Dakle, da li je proročanstvo zalutalo? Segismundo je ponovo bačen u zatvor. Njegov um je zamagljen, nije u stanju da razlikuje stvarnost od sna. Pomirivši se sa svojim postojanjem, pronalazi mir. Kada ga je pobunjeni narod proglasio kraljem, on je prihvatio vlast i počeo da vlada u skladu sa pravednim zakonima.
Sudbina Segismunda je parabola ljudske egzistencije koju tumači duboko religiozan dramatičar. Calderon vjeruje da božanske tajne postojanja ne mogu biti shvaćene ljudskim umom. Ljudski život je san u večnosti. Samo je vjera spasonosna, najviša pobjeda čovjeka je pobjeda nad samim sobom, poniznost miri vjernika sa svemirom. Ova ideja je izražena u Calderonovim dramama „Poklonstvo krstu“, „Postojani princ“ itd.
Likovna umjetnost Španjolske primjetno je gravitirala ka baroknim trendovima. Španski slikari su veoma skloni prikazivanju stradanja svetaca, kao i Hristovih stradanja na krstu, koje se savladavaju snagom duha. Za katoličku Španiju, koja se vekovima borila sa Maurima, gde protestantski pokret nije naišao na podršku, autoritet vere je ostao nepokolebljiv i inspirisao je umetnike da veličaju podvig u slavu Hristovu.
Mnogo slika poznatog slikara Jusepe de Ribera (1588. ili 1591.-1652.) posvećena životima svetaca koji su podvrgnuti mučenju kojima ih pagani podvrgavaju. To su njegove slike „Muka svetog Bartolomeja“, „Sebastijan i Irena“, „Oplaćanje“, „Trojstvo“, brojni crteži koji prikazuju mučeništvo sv. Sebastijan, sv. Albert, apostol Vartolomej. Ribera je uvijek radio na dramatičnom kontrastu: što je svečeva patnja bolnija, to je jača njegova vjera u Spasitelja.
Još jedan barokni zaplet vezan je za čudo. Čudo se pojavljuje kao rezultat prave vjere. Ovo je jedna od njegovih najpoznatijih slika „Sv. Inesa" 
: „Inesa, zlostavljana zbog odanosti hrišćanstvu, kleči na kamenom podu. Naga, izložena je sramoti pred gomilom, koja bi trebalo da bude ispred platna, na istom mestu gde je i gledalac. Ali duga raspuštena kosa skrivala je njenu golotinju, a anđeo, prikazan u zasjenjenom gornjem uglu slike, donio je bijeli pokrivač, na kraj kojeg se Inesa umotala. Ruke su joj sklopljene u molitvi, a oči uperene prema gore sa izrazom zahvalnosti.”
Na mnogim Riberinim slikama može se naslutiti njihova teatralnost: oštar kontrast, ekspresivna mizanscena, goli psihologizam. A radnja njegovih slika često je bliska čudesnom.
Uticaj načina razmišljanja i estetike baroka na rad najvećeg španskog umetnika 17. veka nije bio toliko očigledan. Diego Velazquez (1599-1660). Većina njegovih djela, izvedenih u realističkom maniru visoke renesanse, oduševljava ljepotom i savršenstvom. Takvi su njegovi dečiji portreti, italijanski pejzaži i grandiozno platno „Las Meninas” (1657). Prvobitno se platno dimenzija 318x276 cm zvalo “Porodica Filipa IV”, a potom je preimenovano u “Las Meninas” 
- "Dvorske dame." Na platnu je prikazana umjetnikova radionica i on sam 
radi na slici. Osim toga, u prostoriji visi ogledalo, sve to stvara osjećaj međusobnog odraza, stvarnost se umnožava. Cela slika udahnjuje život, infanta je okružena ružnim dvorskim damama. Bonton je predstavljen u svim specifičnim detaljima, a istovremeno postoji nešto sablasno, gotovo mistično u odrazima koji to ponavljaju u sumraku sale.
Žanrovska raznolikost Velaskezovih slika je neverovatna. Slikao je svečane portrete kraljeva, kraljica i dojenčadi ( 
), uključujući konjaničke portrete Filipa IV, prve žene Donje Izabele i druge - Marijane od Austrije 
, Grof Olivaros, Princ Baltasar Karlos, Uzgajanje konja na kojima samouvereno sjede jahači, a sve to na pozadini srebrno sivog dubokog pejzaža koji svjedoči o prolaznoj mladosti i moći. A već to portretista približava baroknim idejama o krhkosti zemaljskog života.
Kao i njegovi sunarodnici, Velazquez se okrenuo slikama iz evanđelja. U Madridu, u muzeju Prado, gdje je pohranjen najznačajniji dio Velázquezove zaostavštine, religiozno slikarstvo majstora predstavljeno je kroz teme kao što su vjenčanje Majke Božje, Rođenje Hristovo i darovi mudraca i tragično bolno raspeće (vidi. 
, 
, 
). Kao što je bilo tipično za barokne umjetnike, Velazquez se zadržava na svim vrstama zanimljivosti prirode, ne prezirući da prikaže ružno i zastrašujuće. Takvi su njegovi brojni groteskni prikazi ludaka i patuljaka.
Ali, možda je majstorova velika slika "Predilica" (1657) najbliža baroknom svjetonazoru. Na prvi pogled, ovo je obična žanrovska slika, na platnu su prikazane žene koje se bave iscrpljujućim radom. No, na platnu su dvije ravni - stvarna i simbolična, što je naglašeno tapiserijom u pozadini. Očigledno, ovo je rezultat njihovog dugog rada. Tapiserija oslikava svijet pun harmonije i savršenstva. Ono što su spineri stvorili tjera nas da drugačije gledamo na naizgled obične zaposlene žene. Svaka od njih u rukama drži nit - nit sudbine, nit istorije, nit budućnosti. Vreteno vremena se vrti, ali je nit na njemu toliko tanka i krhka da se može pokidati, i tada će postati jasno: život je samo san, ponekad blistav, ali tužan.
U Madridu je Velazquez upoznao Rubensa, koji je imao značajan utjecaj na njegov rad.
Paul Rubens (1577-1640)- najveći umjetnik baroknog doba. Njegovu zaostavštinu čini više od hiljadu slika, a pored njih i nebrojene skice, gravure, freske, oltarne slike i tapiserije satkane po njegovim nacrtima.
Umjetnik je bio izuzetan teoretičar umjetnosti i diplomata. Njegovi protestantski roditelji bili su porijeklom iz Amsterdama, ali su se preselili u Njemačku kako bi izbjegli španski teror vojvode od Albe. Rubens je rođen u malom njemačkom gradu Siginu. Nakon smrti muža, majka je prešla u katoličanstvo i nastanila se sa sinovima u Antwerpenu, gdje je budući umjetnik počeo učiti crtanje. Godine 1600. putuje u Italiju, tamo provodi sedam godina, proučavajući radove renesansnih majstora. Razvija sopstveni stil: uzvišen, svečan, alegorijski. Stvara mnoge reprezentativne ceremonijalne portrete svojih savremenika, uključujući i autoportrete. Portret je jedno od neospornih remek-djela 
sam umjetnik zajedno sa suprugom Izabelom Brant (1609).
Rubensove slike zadivljuju prije svega razmjerom svojih slika. Ogromne su, obično prikazuju radnju u kojoj učestvuju mnogi likovi koji napeto proživljavaju buran događaj, koji svoj izraz nalazi u dinamici višefiguralne kompozicije. Rubens, kao duboko religiozan čovjek, okrenuo se biblijskim temama, često prenoseći mistični osjećaj. Unatoč svjetlini i sjaju slike, ona nije bez iluzornog i iluzornog kvaliteta. To je posebno uočljivo na njegovim slikama "Uzdizanje križa" ( 
, 
) i "Silazak sa krsta" ( 
, 
). Rubens je u istoriji umetnosti ostao neprevaziđeni majstor borbenih epizoda i scena lova. U filmu “Sveti Đorđe sa zmajem” 
(1606-1610) on prenosi nasilno kretanje suprotstavljenih likova. Konj koji se diže, mahanje naoružane ruke, uplašeno čudovište - sve je podređeno brzom kretanju, što je u suprotnosti sa smirenošću princeze, zbog koje je Džordž ušao u bitku.
Niko nije znao kako prenijeti ekstatično kretanje ljudi i životinja u brutalnim tučama. To potvrđuju tako grandiozne slike kao što su "Lov na tigrove i lavove" i "Lov na nilskog konja", u kojima majstor zadivljuje raznim vrstama čuda prirode i žestinom ljudskih strasti.
Ideje baroka bile su utjelovljene u slikarstvu, ali slike baroknih umjetnika nisu toliko tužne u odnosu na književna djela, posebno Rubensa. vidi takođe 
, 
, 
.
Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669) trideset godina mlađi od Rubensa, a Leiden, u kojem je Rembrandt rođen, nije tako daleko od Brisela, gdje se nalazila Rubensova radionica. Ali sudbine dva genija su toliko različite, a njihova umjetnička ostvarenja toliko različita, da se stvara iluzija da pripadaju različitim epohama.
Rembrandt je rođen u mlinarevoj porodici, najstariji brat je naslijedio očev posao, srednji brat je postao obućar, najmlađi je bio predodređen da postane umjetnik. Po završetku latinske škole, upisao se na Univerzitet u Lajdenu, ali je, osetivši žudnju za slikanjem, napuštajući humanističke nauke, postao šegrt kod istorijskog slikara Pitera Lastmana, koji je radio u Amsterdamu.
Osamnaestogodišnji Rembrandt je prekinuo studije i odbio da ode u Italiju da završi školovanje. Tokom svog života, tvorac "Danae" nikada nije napustio Holandiju. Dok nije bilo narudžbi, slikao je portrete svojih roditelja i autoportrete, ostavljajući više od šezdeset slika sebe od mladosti do starosti.
Od 1631. Rembrandt živi u Amsterdamu. Istovremeno je naručena slika „Anatomija doktora Tulpe“. 
, u kojoj se mladi umjetnik pojavljuje kao realist. Tijelo pokojnika je pomno prikazano, postajući centar kompozicije. Neutralan izraz lica patologa koji daje objašnjenja u suprotnosti je sa licima sedmorice slušalaca koji s intenzivnom pažnjom prate objašnjenja. Štaviše, svačija reakcija je čisto individualna. Već u ovom radu Rembrant je pokazao svoju nevjerovatnu igru chiaroscurom: sve nevažno je prigušeno tamom, sve bitno je istaknuto.
Prva narudžba je prvi veliki uspjeh, a nakon nje nove narudžbe. Ovo je bio sretan period u Rembrantovom životu, o čemu se može suditi po čuvenom autoportretu sa Saskiom u krilu 
(1634): talentovan je, bogat, voljen. Saskia van Uylenburg je bogata burgomasterska nasljednica koja je nedavno ostala siroče. Mladi par kupuje prostranu kuću, umjetnik skuplja orijentalne tepihe, tkanine i posuđe koje potom rekonstruira na platnima slikanim po biblijskim motivima. Rembrandt se više puta poziva na sliku Spasitelja. Istraživači njegovog rada napominju da se kroz djela slavnog Holanđanina može pratiti čitavo tridesettrogodišnje zemaljsko putovanje Krista od rođenja do Golgote ( 
).
Rembrandt se često obraćao starozavjetnim temama. Slika Ermitaža „David i Urija“ rekonstruiše dramatičnu epizodu: David, koji se zaljubio u Urijinu ženu Bat-Šebu, šalje svog vojskovođu u sigurnu smrt. Davida muči savjest, ali strast pobjeđuje - što bi, inače, bilo nemoguće u djelima klasiciste. Ermitaž prikazuje i druga Rembrantova remek-djela: “Flora”, “David i Jonathan”, “Sveta porodica” 
, "Povratak izgubljenog sina" 
, nekoliko portreta staraca i, konačno, “Danae” (1636), nedavno restaurirana. Radnja slike preuzeta je iz drevnog mita. Danaja je ćerka argivskog kralja Akrizija. Kralju je bilo predviđeno da će poginuti od ruke svog unuka. Kako ne bi oženio svoju lijepu kćer, sakrio ju je u tamnicu. Ali Zevs, zaveden njome, ušao je u tamnicu u obliku zlatnog pljuska, nakon čega je Danaja rodila Perseja, koji je slučajno ubio njegovog djeda bacajući disk. Predskazanje bogova se obistinilo.
Ovom temom se prije Rembrandta bavio Tizian 
, Tintoretto, Tiepolo, Poussin, itd. Rembrandtova slika Danae obasjana je očekivanjem sreće. Nije tako mlada i lijepa kao što su bile njene prethodnice. Ali Rembrantova "Danae" prenosi rijetko jedinstvo tjelesnog i duhovnog. Slika je posebno oplemenjena odsjajima zlatne svjetlosti na prekrivaču, zavjesama i stolnjaku, i što je najvažnije, heroinino lice uokvireno zlatnom kosom.
Sretan period u Rembrandtovom životu nije dugo trajao. Godine 1642. Saskia je umrla, ostavljajući devetomjesečnog sina Tita u očevom naručju. Majka mu je bila majka, a ženu njegovog oca zamijenila je bivša sobarica Hendrikje Stoffels. Više puta piše o svojoj novoj porodici ( 
, 
), ali u kuću dolazi siromaštvo, pa siromaštvo. Nema naređenja. „Noćna straža. Kompanija kapetana Fransa Banninga Cocka i poručnika Willema van Ruytenburcha" (1642) izazvala je skandal. Kupci su bili nezadovoljni načinom na koji ih je majstor slikao: potpuno je ignorisao ko je koliko platio, odsutno crtajući u pozadini one koji su platili veliki honorar.
Bilo mu je suđeno da nadživi sina i drugu ženu. Tragedija njegovog pogleda na svet se pojačavala. Na poslednjem autoportretu, kroz mrak se jedva vidi starčevo lice, njegov zbunjeni osmeh i nijemo pitanje: „Zašto su sudbina i savremenici bili tako nemilosrdni prema mom geniju?“
Još jedan briljantni slikar nije prepoznat za života Jan Wermeer od Delfta (1632-1675). Krajem pedesetih, Vermer je naslikao pejzaž "Pogled na Delft", zatim je na drugoj slici naslikao mirnu ulicu grada u kojem je rođen i živeo, ne napuštajući ga. U istoriju umetnosti ušao je kao pisac svakodnevnog života jednog građanskog grada. U Holandiji su vrijedni stanovnici gradova prvi stvorili vlastitu buržoasku kulturu sa nepromjenjivim vrijednostima: porodica, ugodan dom, svakodnevni posao koji donosi radost i blagostanje. U holandskoj umjetnosti postoji veliko interesovanje za materijalnu kulturu. Otuda pažljiva detaljna dekoracija kuće, crveno-smeđi tepih stolnjaci, plavi delft fajans, stroga geometrija pločica uredno položenih na pod.
Vermeerovo naslijeđe je malo - svega trideset pet slika. Do sada niko nije uspeo da otkrije nepoznata remek dela majstora Delfta, a pojavljivanje njegovih slika na antikvarnom tržištu svaki put je rezultiralo razotkrivanjem lažnjaka.
Vermeer je napravio naizgled neupadljiv, ali suštinski revolucionaran korak u istoriji umetnosti. Ranije su slikane slike za palate i hramove. Vermeer je bio jedan od prvih koji je stvorio slike za dom i porodicu. Naslikao je na platnima neprimjetan privatni život za privatne klijente, koji, po svemu sudeći, nisu bili iznad likova na njegovim slikama, već su dijelili njihove aktivnosti i interesovanja.
Wermeerove slike su po pravilu male veličine, ali je njihova kompozicija matematički provjerena.
Vermeerova slikovita remek-djela su jednostavna u zapletu. Pisao je najčešće damama koje pišu ili čitaju pisma, sviraju muziku, crtaju, rade ručne radove ( 
, 
, 
, 
). Slikao je građanske intelektualce - geograf, muzičar, umjetnik, astronom djelovali su ne samo kao majstori svog zanata, već su i personificirali svoje profesije.
Bitna karakteristika Vermeerovih slika je da, kao žanrovske, nose određeno tajanstveno značenje.
Na primjer, na slici “Žena drži vagu” dama u bogatoj kućnoj odjeći mjeri zlato ili bisere. Šta tačno nije jasno. Jednostavna radnja poprima simbolično značenje, jer biseri predstavljaju čistoću i nevinost, a dama je, sudeći po kroju haljine, trudna. Scena dobija dodatno značenje zbog činjenice da na zidu visi slika koja prikazuje Strašni sud. Svi ovi detalji pružaju prostor za širok spektar interpretacija svakodnevne scene. Ali to je umjetnička originalnost Vermeerovog slikarstva, koji je umio da verodostojnost pretoči u filozofski koncept života.
Barokni vodeći trendovi u umjetnosti i književnosti 17. stoljeća. Međutim, u ovom vijeku, tako bogatom talentima, bilo je umjetnika koji su bili ispred svoje epohe, necjenjeni od svojih savremenika, a koji su anticipirali pojavu novih tokova u kulturi narednih stoljeća. No, vratimo se baroknoj književnosti, koja se jasno manifestirala u Njemačkoj.
Barokni pjesnici polaze od pretpostavke da je ljudska egzistencija svjetlo u tami, svijet je dolina patnje, a jedino je vjera u Svemogućeg spasonosna. Ove ideje bile su tipične za nemačke tekstopisce koji su pisali tokom Tridesetogodišnjeg rata 1618-1648, beskrajne bitke između katolika i hugenota, u koju su bili uvučeni narodi Češke, Šleske, Švedske, Danske i Nemačke. Najveći njemački pjesnik iz perioda Tridesetogodišnjeg rata Martin Opitz piše pjesmu “Riječ utjehe usred ratnih katastrofa”. Vidjevši rasprostranjenu pustoš i devastaciju, pad morala i rastuće nasilje, na koji način pokušava pronaći oslonac u životu? Samo u religiji.
Odjekuje mu još jedan savremeni pesnik, Kristijan fon Hofmansvaldau, kome se svet, zahvaćen ratnim plamenom, čini kao varljivi duh:
Šta je ovo svijet i brujanje krilatih glasina?
Šta je ovaj svijet i sva njegova ljepota?
Pogrešan zrak, sabijen slijepom klisurom,
Na trenutak je pećina zaiskrila u tami;
Procvjetao med, isprepleten trnjem,
Elegantna kuća, koja krije žalosni jecaj,
Sklonište za robove, otvoreno za sve podjednako,
Grobna trulež koja je u mramor obučena, -
Ovo je pogrešna osnova za naše poslove,
Idol koji je meso naviklo da uzdiže.
A ti, dušo, za uski krug zemaljskog
Uvek nastojte da izgledate neustrašivo.
(Preveo B.I. Purishev)
Hans Jakob Christoph von Grimmelshausen najveći je prozni pisac baroknog pokreta ne samo u njemačkoj, već iu cijeloj evropskoj kulturi. Njegov roman o učesnicima Tridesetogodišnjeg rata “Zamršeni Simplicissimus” (1669.) karakteriziraju pretjerana fantazija, basnoslovne hiperbolične slike zlikovaca i nevjerovatnost dobroćudnih likova.
Hans Grimmelshausen ušao je u istoriju njemačke i svjetske književnosti kao tvorac jednog od prvih poučnih romana. Simplicissimus ulazi u život potpuno nepomućene svijesti. Njegov um je prava tabula rasa, ali na praznu ploču društvo piše svoje zakone, pravila i norme, kojima se fizička osoba postepeno navikava da ih poštuje.
Simplicissimus se ponaša kao pripovjedač. Prilikom pisanja autobiografije nije propustio da istakne svoje aristokratsko porijeklo. Moj otac je, kažu, svojim rukama dao izgraditi palatu. Nema veze što je bila pokrivena slamom, ali su je grijali na crno. Koliba je imala čitav arsenal oružja, koji se sastojao od lopata i motika. Simplicissimus prihvata čin pastira, čuvajući očeve svinje i koze od malih nogu. Pa i ovo je sasvim časno zanimanje, od kojeg se nisu klonili ni junaci mitova i legendi.
Mirni tok seoskog života prekida invazija Landsknechta, koji su u potpunosti opljačkali siromašne ljude i spalili kuću. Tako je Simplicissimus prvi put saznao šta je rat. Čudom je uspeo da pobegne.
Grimmelshausen, u neprestanim lutanjima Simplicissimusa, otkriva apsurd i ludilo svijeta zaglibljenog u krvoproliće, pohlepu i poroke.
Kretanje lika odvija se spiralno. Simplicissimus mu periodično dolazi, odakle je otišao, što elokventno naglašava uzaludnost ljudskih napora.
Slika glavnog lika u romanu prolazi kroz evoluciju. Od prostaka, Simplicissimus se pretvara u lukavog. Čuva naivnost kao masku, ali u sebi krije izuzetnu inteligenciju.
Tokom vojnih operacija Simplicissimus je promijenio šest zapovjednika, obavljao nekoliko položaja, snabdijevao vojsku stočnom hranom i namirnicama i više puta je bio na ivici smrti, ali je ostao zdrav i zdrav.
Lukavstvo jučerašnjeg prostakluka samo je korak do sledećeg nivoa svesti. Pod uticajem svega što je doživeo, Simplicissimus stiče zdrav razum, koji mu omogućava da na ono što se dešava gleda donekle sa strane, vodeći pre svega o sopstvenom blagostanju.
Simplicissimus se iz opljačkanog pretvara u pljačkaša. Krao je stoku od okolnih seljaka, krao iz riznice, sreća je bila sa njim.
Plemstvo stečeno pokroviteljstvom postaje simbol Simplicissimusovih uspjeha; on za sebe sastavlja rodoslov i smišlja grb. Tako ukradeno bogatstvo jučerašnjeg poštenog skitnicu pretvara u plemića.
Međutim, na vrhuncu uspjeha, junaka svaki put čeka katastrofa; ovaj put je slučajno zarobljen.
Zatim će posjetiti Francusku, Mađarsku, pa čak i Rusiju, stvoriti vlastito utopijsko ostrvo, a zatim otići da otkriva nove zemlje. Barokno pripovijedanje karakterizira kontinuitet, pričljivi autor ne može stati, a još manje se rastati od junaka.
Poezija i proza Tridesetogodišnjeg rata pokazala se vrlo relevantnom u Njemačkoj tokom borbe protiv fašizma.
Artamonov S.D. Istorija strane književnosti 17-18 veka. - M., 1978.
Whipper Yu.B. Poezija baroka i klasicizma // Vipper Yu.B. Kreativne sudbine i istorija. - M., 1990.
Golenishchev-Kutuzov I.N. Književnost Španjolske i Italije barokne ere // Golenishchev-Kutuzov I.N. Ljubavne književnosti. M., 1975.
Oblomievsky D.D. Francuski klasicizam. M., 1968.
Silunas Vidas. Životni stil i umjetnički stilovi. Špansko pozorište manirizma i baroka. Sankt Peterburg, 2000.
Morozov A. „Manerizam” i „barok” kao termini književne kritike // Ruska književnost. - 1966. - br. 3.
Ortega y Gasset J. Velazquez. Goya. - M., 1997.
Univerzitet Ruske akademije obrazovanja
Karakteristike baroka i klasicizma.
Glavni stilovi u umetnosti 17. veka.
Završio: student 2. godine
Odsjek sa punim radnim vremenom
Specijalne kulturološke studije
Yakubova K.N.
Nastavnik: Mareeva N.S.
Moskva 2010
Uvod…………………………………………………………………………………………………3
1. Karakteristike kulture 17. vijeka………………………………………………………………4
2. Barok kao umjetnički pokret 17. stoljeća…………………………..5
2.1. Preduvjeti i karakteristike baroka……………………………………………..5
2.2. Barok u arhitekturi………………………………………………………………………..6
2.3. Barok u književnosti……………………………………………………………………..8
2.4. Barok u slikarstvu i skulpturi………………………………………..9
3. Klasicizam kao umjetnički pokret 17. stoljeća……………………..10
3.1. Preduvjeti i odlike klasicizma………………………………….….10
3.2. Klasicizam u književnosti……………………………………………………………..11
3.3. Klasicizam u arhitekturi i slikarstvu…………………………………12
3.4. Klasicizam u skulpturi………………………………………………………….….13
Zaključak……………………………………………………………………………………………….14
Reference…………………………………………………………………………..15
Uvod
Tema mog testa je “Klasicizam i barok u evropskoj kulturi 17. stoljeća: ideje i implementacije”. Ova tema je odabrana iz više razloga:
Prvo, barok i klasicizam su dva najrasprostranjenija i najutjecajnija umjetnička pokreta tog doba.
Drugo, ove oblasti su složene i dvojne prirode, što ovo pitanje čini jednim od najhitnijih u kulturnom znanju.
Treće, barok i klasicizam predstavljaju izuzetan doprinos svjetskoj riznici umjetnosti, što pobuđuje još veći interes za njihovo znanje.
Svrha mog rada je proučavanje takvih tokova u umjetnosti 17. stoljeća kao što su klasicizam i barok.
Da bih postigao ovaj cilj, moram riješiti niz problema:
· Sagledati opšte obrasce razvoja evropske kulture 17. veka;
· Istražite karakteristike baroka i klasicizma kao glavnih umjetničkih pokreta ovog perioda.
1. Karakteristike kulture 17. vijeka
17. vek je vek Dekarta i Port-Rojala, Paskala i Spinoze, Rembranta i Miltona, vek hrabrih mornara, migracija u prekomorske zemlje, smele trgovine, procvata prirodnih nauka, moralizirajuće književnosti - i... vek perike, koja je svoju najveću pompu dostigla 60-ih godina, periku koju su nosili svi - od kralja, admirala do trgovca.
Nije slučajno da 17. vek otvara period Novog vremena: to je zaista bio vek novog čoveka, nove nauke, nove umetnosti.
U Evropi se New Age otkriva u formiranju i jačanju kapitalističkih tendencija, a u Engleskoj se kapitalizam najjasnije uspostavlja u stvarnosti. To isto vrijeme je period prve buržoaske revolucije, koja je otkrila tragediju i nehumanost nasilnih promjena u društvu i okrutnost njenih organizatora.
Racionalistički pristup stvarnosti se pojavio i ojačao, razum počinje igrati glavnu ulogu u svijetu. To je prije svega došlo do izražaja u formiranju nove nauke, eksperimentalne i teorijske. Naučna dostignuća 17. veka stvaraju preduslove za dalji razvoj fundamentalnih nauka do današnjih dana i čine temelje novog filozofskog pogleda na svet.
17. vijek je početni period u formiranju buržoaskog načina proizvodnje. Ovo je izuzetno teško i kontradiktorno doba u životu evropskih država. Doba ranih buržoaskih revolucija i uspon apsolutističkih monarhija; vrijeme naučne revolucije i završne faze kontrareformacije; doba grandioznog, ekspresivnog baroka i suvog, racionalnog klasicizma.
2. Barok kao umjetnički pokret 17. stoljeća
2.1. Pozadina i karakteristike baroka
Barok (tal. Barosso - čudan, bizaran) je jedan od glavnih stilskih pravaca u umjetnosti Evrope kasnog 16. - sredine 18. stoljeća. Nastao je u Italiji i proširio se na većinu evropskih zemalja. Utjelovljujući nove ideje o vječnoj promjenjivosti svijeta, Barok gravitira spektakularnim spektaklima, snažnim kontrastima, spoju iluzornog i stvarnog, te spoju umjetnosti (gradski i dvorski i parkovni ansambli, opera, vjerska muzika, oratorijum); istovremeno - težnja ka autonomiji pojedinih žanrova (concerto grosso, sonata, svita u instrumentalnoj muzici).
Barokni stil postao je pretežno raširen u katoličkim zemljama pogođenim procesima kontrareformacije. Protestantska crkva koja je nastala tokom reformacije bila je vrlo nezahtjevna u pogledu vanjske zabavne strane kulta. Zabava je pretvorena u glavnu atrakciju katolicizma, a sama vjerska pobožnost joj je žrtvovana. Barokni stil je svojom gracioznošću, ponekad prenaglašenom ekspresivnošću, patetikom, pažnjom na senzualni, tjelesni princip, koji se vrlo jasno javlja čak i pri prikazivanju čuda, vizija i vjerskih zanosa, savršeno odgovarao ciljevima vraćanja stada u njedra Katolička crkva.
Ali suština baroka je šira od ukusa Katoličke crkve i feudalne aristokracije, koja je nastojala da iskoristi efekte grandioznog i blistavog, karakterističnog za barok, da veliča moć, raskoš i sjaj države i staništa osoba bliskih prestolu.
Barokni stil s posebnom oštrinom izražava krizu humanizma, osjećaj nesklada u životu, besciljne impulse ka nepoznatom. U suštini, on otkriva svet u stanju nastajanja, a svet postajanja je tada bio svet buržoazije. A u ovom svijetu koji se otkriva, buržoazija traži stabilnost i red. Za njega su luksuz i bogatstvo sinonim za stabilnost njegovog mjesta u svijetu. Pokazalo se da barokni stil spaja nespojivo: monumentalnost s dinamikom, teatralnu briljantnost sa solidnošću, misticizam, fantaziju, iracionalnost s trezvenošću i racionalnošću, istinski građansku efikasnost.
Centar za razvoj barokne umjetnosti na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće. bio Rim. Parkske i dvorske cjeline, sakralna arhitektura, dekorativno slikarstvo i skulptura, svečani portreti, a kasnije mrtva priroda i pejzaži postali su glavne vrste i žanrovi barokne umjetnosti.
2.2. Barok u arhitekturi
Baroknu arhitekturu (L. Bernini, F. Borromini u Italiji, B.F. Rastrelli u Rusiji) karakterizira prostorni obim, jedinstvo i fluidnost složenih, najčešće krivolinijskih oblika. Često su prisutne kolonade velikih razmjera, obilje skulpture na fasadama i u unutrašnjosti, volute, veliki broj ograda, lučna pročelja sa podupiračima u sredini, rustirani stupovi i pilastri. Kupole poprimaju složene oblike, često višeslojne, poput onih u katedrali Svetog Petra u Rimu. Karakteristični barokni detalji - telamon (Atlas), karijatida, maskaron.
U italijanskoj arhitekturi najistaknutiji predstavnik barokne umjetnosti bio je Carlo Maderna (1556-1629), koji je raskinuo s manirizmom i stvorio vlastiti stil. Njegova glavna kreacija je fasada rimske crkve Santa Susanna (1603.). Glavna figura u razvoju barokne skulpture bio je Lorenzo Bernini, čija prva remek-djela izvedena u novom stilu datiraju otprilike iz 1620. godine. Bernini je takođe arhitekta. Zaslužan je za dizajn trga bazilike Svetog Petra u Rimu i enterijera, kao i drugih objekata. Značajan doprinos dali su D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. Na Siciliji, nakon velikog zemljotresa 1693. godine, pojavio se novi stil kasnog baroka-sicilijanskog baroka.
Kvintesencijom baroka, impresivnom fuzijom slikarstva, skulpture i arhitekture, smatra se kapela Coranaro u crkvi Santa Maria della Vittoria (1645-1652).
Barokni stil je postao široko rasprostranjen u Španiji, Nemačkoj, Belgiji (tada Flandriji), Holandiji, Rusiji i Francuskoj. Španski barok, ili lokalno Churrigueresco (u čast arhitekte Churriguere), koji se proširio i na Latinsku Ameriku. Njegov najpopularniji spomenik je katedrala u Santiago de Composteli, koja je ujedno i jedna od najcjenjenijih crkava u Španiji. U Latinskoj Americi, barok pomiješan s lokalnom arhitektonskom tradicijom, ovo je njegova najrazvijenija verzija, a naziva se ultra-baroknim.
U Francuskoj je barokni stil izražen skromnije nego u drugim zemljama. Ranije se vjerovalo da se stil ovdje uopće nije razvio, a barokni spomenici smatrani su spomenicima klasicizma. Termin “barokni klasicizam” ponekad se koristi u odnosu na francusku i englesku verziju baroka. Sada se Versajska palata zajedno sa redovnim parkom, Luksemburška palata, zgrada Francuske akademije u Parizu i druga dela smatraju francuskim barokom. Imaju neke klasicističke karakteristike. Karakteristična karakteristika baroknog stila je pravilan stil u pejzažnom vrtlarstvu, čiji je primjer Versajski park.
2.3. Barok u književnosti
Pisci i pjesnici u doba baroka doživljavali su stvarni svijet kao iluziju i san. Realistički opisi često su bili kombinovani sa njihovim alegorijskim prikazom. Široko se koriste simboli, metafore, pozorišne tehnike, grafičke slike (redovi poezije formiraju sliku), bogatstvo retoričkih figura, antiteza, paralelizama, gradacija, oksimorona. Postoji burleskno-satiričan odnos prema stvarnosti.
Baroknu književnost karakteriše težnja za raznolikošću, zbirom znanja o svijetu, inkluzivnošću, enciklopedizmom, koji se ponekad pretvara u haos i sakupljanje radoznalosti, želja za proučavanjem postojanja u njegovim suprotnostima (duh i tijelo, tama i svjetlost, vrijeme i vječnost). Baroknu etiku obilježava žudnja za simbolikom noći, temom krhkosti i nestalnosti, životom kao snom (F. de Quevedo, P. Calderon). Poznata je Calderonova drama “Život je san”. Razvijaju se i žanrovi kao što su galantno-herojski roman (J. de Scudéry, M. de Scudéry) i svakodnevni i satirični roman (Furetière, C. Sorel, P. Scarron). U okviru baroknog stila rađaju se njegove varijante i pravci: marinizam, gongorizam (kulteranizam), konceptizam (Italija, Španija), metafizička škola i eufizam (Engleska).
Radnja romana često se prenosi u fiktivni svijet antike, u Grčku, dvorska gospoda i dame su prikazane kao pastirice i pastirice, što se naziva pastoralnim (Honoré d’Urfe, „Astraea“). Pretencioznost i upotreba složenih metafora cvjetaju u poeziji. Uobičajeni oblici uključuju sonet, rondo, concetti (kratka pjesma koja izražava neku duhovitu misao) i madrigale.
Na Zapadu, u polju romana, izuzetan predstavnik je G. Grimmelshausen (roman “Simplicissimus”), u polju drame P. Calderon (Španija). U poeziji su se proslavili V. Voiture (Francuska), D. Marino (Italija) i Don Luis de Gongora y Argote (Španija). U Rusiji barokna književnost uključuje S. Polockog, F. Prokopoviča i ranog M. Lomonosova. U Francuskoj je tokom ovog perioda cvetala „dragocena književnost“. Tada se uzgajao uglavnom u salonu Madame de Rambouillet, jednom od aristokratskih salona u Parizu, najotmjenijem i najslavnijem.
17. vijek se pokazao iznenađujuće povoljnim za razvoj umjetničke kulture. To je postalo ne samo vek nauke, već i vek umetnosti. Istina, uzimajući u obzir činjenicu da je procvat nauke tek počeo, a umjetnost je već dostigla svoj vrhunac. Ipak, nebo iznad njega je i dalje vedro i bez oblaka. Njegov prestiž u društvu je neobično visok. Po broju velikih umjetnika 17. vijeka, očigledno nadmašuje sve ostale, uključujući i renesansu. Štaviše, ako tokom renesanse Italija nema premca na polju umetnosti, onda u 17. veku. umjetnost je u usponu u svim evropskim zemljama, a Francuska sada izgleda bolje.
Kao i druga područja kulture, umjetnost je iskusila efekte diferencijacije. Njegova izolacija postaje sve izraženija i izrazitija. Čak je i veza s religijom primjetno oslabljena. Kao rezultat toga, vjerski i mitološki subjekti oslobađaju se pretjerane patetike i ispunjavaju se dubokom vitalnošću i prirodnošću.
Druga posljedica diferencijacije je da među umjetnicima nestaju univerzalne ličnosti karakteristične za to doba. bio ne samo briljantan umjetnik, već i veliki naučnik, mislilac i pronalazač. Iako u manjoj mjeri, isto se može reći i za L. Albertija, F. Brunelleschija. Piero della Francesche, F. Rabelais i dr. Sada su takve velike figure sve rijetke. Istovremeno, dolazi do povećanja subjektivnog principa u umjetnosti. Ona se manifestuje u sve većem broju bistrih pojedinaca, u većoj kreativnoj slobodi i hrabrosti, te u širem pogledu na stvari.
Unutar umjetnosti također se odvija proces diferencijacije, mijenjaju se postojeći žanrovi i nastaju novi. IN slikarstvo Pejzaž i portret postaju potpuno nezavisni žanrovi, u kojima se pojačava psihologija. Pojavljuju se mrtva priroda i slike životinja. Sve je veći značaj originalnih kompozicionih rješenja, boje, slikovitosti i okusa.
IN muzika opera je rođena. Tvorac ovog žanra je italijanski kompozitor C. Monteverdi (1567-1643), napisao operu „Orfej“ koja je postavljena na scenu 1607 i postao pravo remek-delo operske umetnosti. Po prvi put muzika u njemu ne samo da dopunjuje poeziju, već je i glavni lik, izražavajući smisao svega što se dešava na sceni. Pored opere, u muzici se pojavljuju i kantate i oratoriji.
Glavni stilovi u umjetnosti 17. stoljeća. Javljaju se barok i klasicizam. Neki istoričari umjetnosti smatraju da se u isto vrijeme realizam pojavio kao poseban stil u umjetnosti, ali je ovo gledište sporno, iako se priznaje postojanje realističke tendencije.
Barok
Barok javlja se krajem 16. veka. u Italiji. Sama riječ “barok” znači “čudan”, “bizaran”. Barokni stil karakteriziraju dinamične slike, napetost, svjetlina, elegancija, kontrast, želja za veličinom, pompom i pompom, sinteza umjetnosti, kombinacija stvarnosti i iluzije, povećana emocionalnost i senzualnost. Barok je bio stil aristokratske elite odlazećeg feudalnog društva, stil katoličke kulture.
Istaknuti predstavnik italijanskog baroka je rimski arhitekta, vajar i slikar L. Bernini (1598-1680). Njegov rad utjelovio je sve najkarakterističnije crte stila - i jake i slabe. Mnoga njegova djela bila su koncentrirana u glavnom spomeniku katoličkog Rima - katedrali sv. Petra. Ispod njegove kupole, koju je podigao veliki Mikelanđelo, uzdiže se grandiozna monumentalna i dekorativna građevina - tridesetmetarska nadstrešnica, a u oltaru se nalazi jednako veličanstvena mermerna Petrova propovjedaonica, ukrašena zlatom i likovima koji prikazuju anđele i kupidone, crkvene oce. i sveci.
Još veličanstvenija Berninijeva kreacija bila je grandiozna kolonada, koja se sastojala od 284 stupa, raspoređenih u četiri reda i uokvirujući ogroman trg ispred katedrale sv. Petra. Najznačajnija Berninijeva skulpturalna djela smatraju se “Apolon i Dafna” i “Ekstaza sv. Tereza."
Najpoznatija figura evropskog baroka je flamanski umetnik P. Rubens (1577-1640). S pravom se može nazvati univerzalnom osobom, koja nije inferiorna po veličini od titana renesanse. Bio je blizak humanistima i volio je klasike antike - Plutarha. Seneka, Horacije, znao je šest jezika, uključujući latinski. Rubens nije bio naučnik ili izumitelj, ali je razumio probleme astronomije i arheologije, pokazivao je interesovanje za satove bez mehanizma, za ideju vječnog kretanja, pratio nove tokove u filozofiji, razumio je mnogo o politici i aktivno učestvovao u to. Najviše je volio sam ljudski život.
Rubens je u svom radu oličio svoju posvećenost humanizmu. Postao je veliki pjesnik života ispunjenog srećom, zadovoljstvom i lirizmom. Ostaje neprevaziđeni pjevač ljudskog – muškog i posebno ženskog mesa, čulne ljepote ljudskog tijela. Samo je Rubens mogao sa takvom hrabrošću i ljubavlju prenijeti ljepotu samog mesa, njegovu nježnu toplinu, meku savitljivost. Uspeo je da pokaže da meso može biti lepo i bez lepog oblika.
Jedna od centralnih tema njegovog stvaralaštva je žena, ljubav i dijete kao prirodan i lijep plod ljubavi. Ova strana njegovog rada se može vidjeti i osjetiti u filmovima kao što su “Venera i Adonis”. "Juno i Argus", "Persej i Andromeda", "Vatšeba".
Dok je bio u Italiji, Rubens je pohađao dobru umjetničku školu. Međutim, njegov flamanski temperament nije preuzeo sve od velikih Italijana. Poznato je da su talijanski majstori preferirali ravnotežu, smirenost i harmoniju, što im je omogućilo stvaranje vječne ljepote. Rubens sve to razbija u korist kretanja. Ljudske figure koje on prikazuje često liče na komprimiranu oprugu, spremnu da se istog trena otvori. U tom pogledu on je najbliži Mikelanđelu, čije su skulpture pune unutrašnje napetosti i pokreta. Njegova djela su također ispunjena snažnom dinamikom. To su, posebno, slike "Bitka Amazonki", "Otmica Leukipovih kćeri", "Lov na lavove", "Lov na vepra".
U Rubensovim djelima boja i slikovitost prevladavaju nad crtežom. Ovdje Tizian služi kao njegov primjer. Rubens ne voli previše jasne konture. Čini se da odvaja materiju od forme, čineći je slobodnom, živom i tjelesnom. Što se tiče boja, umjetnik preferira svijetle, čiste i bogate tonove, ispunjene zdravom vitalnošću. Ne teži toliko njihovoj harmoniji koliko orkestraciji, da stvori simfoniju boja. Rubensa s pravom nazivaju velikim kompozitorom boja.
Klasicizam
Domovina klasicizam postala Francuska. Ako barok daje prednost osjećajima, onda klasicizam počiva na razumu. Najviša norma i idealan primjer za njega je antička umjetnost. Njegovi glavni principi su jasnoća, urednost, logička konzistentnost, harmonija i harmonija.
Prema klasicizmu, predmet umjetnosti treba biti uzvišen i lijep, herojski i plemenit. Umjetnost treba da izrazi visoke moralne ideale, veliča ljepotu i duhovno bogatstvo čovjeka, veliča trijumf svjesne dužnosti nad elementom osjećaja. Sudac umjetnosti nije samo ukus, već i razum.
Klasicizam dijeli osnovne principe racionalizma i, prije svega, ideju racionalne strukture svijeta. Međutim, u razumijevanju odnosa čovjeka i prirode, on se razlikuje od njega, nastavljajući liniju renesansnog humanizma i smatrajući da te odnose treba graditi na principima pristanka i harmonije, a ne dominacije i potčinjavanja. To se posebno odnosi na umjetnost, čiji je jedan od zadataka veličati harmoniju čovjeka sa lijepom prirodom.
Osnivač i glavna figura klasicizma u slikarstvo je francuski umetnik N. Poussin (1594-1665). U svom se radu u potpunosti oslanja na racionalizam R. Descartesa, smatrajući da je osjet uvijek pristrasan i jednostran, a samo razum može obuhvatiti predmet sveobuhvatno i u svoj njegovoj složenosti. Stoga razum mora suditi o svemu.
Poussin je skoro cijeli život proveo u Italiji, ali to ga nije spriječilo da postane istinski francuski umjetnik, koji je stvorio jedan od pokreta očiju u umjetnosti koji postoji do danas. Od italijanskih majstora, Rafael je imao najveći uticaj na njega. čija su djela idealni primjeri potpunog savršenstva, kao i Tizian, od kojeg svi naredni umjetnici poučavaju čistu slikovitost.
Iako Poussin daje prednost razumu, njegova umjetnost se ne može nazvati suhoparnom, hladnom i racionalnom. I sam napominje da je svrha umjetnosti užitak, da su svi napori umjetnika usmjereni na pružanje estetskog zadovoljstva gledaocu. Njegova djela već sadrže dva glavna elementa umjetnosti, kada ona postaje potpuno samostalna i samostalna pojava.
Jedna od njih je povezana sa plastikom, stvorenom čisto likovnim, likovnim sredstvima, kombinacijom linija i boja, što predstavlja izvor posebnog, estetskog užitka. Drugi je povezan s ekspresijom, ekspresivnošću, uz pomoć kojih umjetnik utječe na gledatelja i izaziva u njemu stanje duha koje je i sam doživio.
Prisustvo ova dva principa omogućava Poussin-u da spoji intelekt i osjećaj. Prvenstvo razuma spojeno je s njegovom ljubavlju prema tijelu i senzualnosti. O tome svjedoče njegove slike “Venera i Adonis”, “Uspavana Venera”, “Bahanalija” i druge, gdje vidimo osobu savršenu tijelom i duhom.
U početnom periodu Poussinovog stvaralaštva prevladavala su platna povijesnih i religijsko-mitoloških tema. Djela kao što su “Silovanje Sabinjanke”, “Zarobljavanje
Jerusalim", "Arkadijski pastiri". Tada u prvi plan dolazi tema harmonije između čovjeka i prirode. Predstavljen je na slikama „Trijumf flore“, „Pejzaž sa Polifemom“, „Pejzaž sa Orfejem i Euridikom“ itd. Priroda nije samo mesto za boravak čoveka. Među njima se uspostavlja duboki čulni dogovor, određena zajednica duša, oni čine jedinstvenu cjelinu. Poussin je stvorio prave simfonije čovjeka i prirode.
Poslednjih godina svog života umetnik je svu pažnju posvetio hvaljenju prirode. Kreira seriju poezije "Godišnja doba".
Klasicizam u arhitekturi našla svoje idealno oličenje u Versajskoj palati, sagrađenoj voljom francuskog kralja Luja XIV. Ovaj grandiozni ansambl obuhvata tri veličanstvene palate i ogroman park sa bazenima, fontanama i skulpturama. Ansambl se odlikuje strogim rasporedom, geometrijskim parkovnim alejama, veličanstvenim skulpturama, ošišanim drvećem i grmljem.
Realizam
realan trend u umetnosti 17. veka. predstavlja prvenstveno holandski umjetnik Rembrandt(1606-1669). Počeci ovog trenda su u stvaralaštvu italijanskog slikara Karavađa (1573-1610), koji je imao veliki uticaj na mnoge umetnike.
Rembrandtova umjetnost na neki način zauzima srednju poziciju između baroka i klasicizma. U njegovim radovima mogu se pronaći karakteristike ova dva stila, ali bez ekstrema svojstvenih svakom od njih. Posebno, njegova čuvena "Danae" izgleda veoma senzualno i tjelesno, ali ne u onoj mjeri u kojoj bi je Rubens izveo. Isto je i sa klasicizmom. Neke od njegovih osobina prisutne su u Rembrandtovim djelima, ali u njima nema čiste, idealizirane ljepote, nema ničega veličanstvenog ili herojskog. bez patetike itd. U njima je sve kao da je bliže zemlji, sve je mnogo jednostavnije, prirodnije, istinitije, životnije.
Međutim, glavna originalnost Rembrandtove umjetnosti leži negdje drugdje. Leži u činjenici da je zahvaljujući njemu nastao novi pravac u evropskom slikarstvu - psihologizam. Rembrant je bio prvi koji je ozbiljno odgovorio na čuveni Sokratov poziv: „spoznaj sebe“. Okrenuo je pogled ka unutra i otkrio mu se ogroman i nepoznat unutrašnji svijet, srazmjeran beskonačnom Univerzumu. Tema njegove umjetnosti je neiscrpno bogatstvo ljudskog duhovnog života.
Čini se da Rembrandt viri i osluškuje beskrajne prelive psiholoških stanja, neiscrpne manifestacije individualnog ljudskog karaktera. Otuda i obilje ne samo portreta, već i autoportreta, na kojima se prikazuje u različitim periodima svog života - u mladosti i starosti, u različitim stanjima - pun vitalnosti i nakon bolesti. U njegovim radovima, portret ne samo da postaje samostalan žanr, već i dostiže neviđene visine. Sav njegov rad se može nazvati umjetnošću portret.
Ovaj zaokret se uglavnom objašnjava činjenicom da je Rembrandt - za razliku od katolika Rubensa i Poussin - bio protestant. Prije pojave protestantizma, čovjek nije svjesno nastojao da se odvoji od drugih. Naprotiv, nije mislio na sebe izvan kolektivne zajednice. U antici je takva zajednica bila podržana političkim i moralnim normama. U srednjem vijeku kršćanstvo je ojačalo svoje prethodne temelje zajednicom vjere.
Protestantizam je prekršio ovu tradiciju, stavljajući glavnu odgovornost za nečiju sudbinu na sebe. Sada je stvar spasenja postala, prije svega, lična stvar svakog pojedinca. Duboki pomak dogodio se u svijesti zapadnog čovjeka, a Rembrandt je prvi duboko osjetio promjene koje se dešavaju i izrazio ih u svojoj umjetnosti.
Mnoga djela iz ranog perioda Rembrandtovog stvaralaštva, a prije svega njegovi autoportreti, govore o pomnoj pažnji prema tajnama unutarnjeg života, o potrazi za vlastitom ličnom istinom. O tome svjedoče i njegove slike poput “Apostol Pavle u zatvoru”, “Hristos u Emausu” itd., gdje do izražaja dolaze psihološka iskustva i razmišljanja o smislu života i postojanja. U zrelom periodu a posebno nakon poznatih "Noćna straža" ovi trendovi postaju još jači. Posebno se živo pojavljuju na slikama “Portret starca u crvenom” i “Portret starice”. Slika “The Syndics” postaje vrhunac umjetnosti grupnog portretiranja.
U posljednjem periodu svog rada Rembrandt je sve više uranjao u dubine ljudske svijesti. On upada u potpuno novi problem za evropsku umetnost - problem ljudske usamljenosti. Primjer za to su njegove slike “Filozof” i “Povratak izgubljenog sina”.
Sedamnaesti vijek je vrijeme formiranja apsolutizma u Francuskoj, koji je postao politički model državnosti za mnoge evropske zemlje. Nakon nekoliko vekova ratova i nemira koji su se poklopili sa krajem srednjeg veka, apsolutna monarhija je bila osnova stabilnosti i društvenog poretka, garancija teritorijalnog i nacionalnog integriteta zemlje; savremenici su je doživljavali kao simbol ne samo državne moći, već i veličine naroda, njegove jedinstvene kulture. Životom apsolutne monarhije dominirao je duh pozorišne pompe dvorskih ceremonija i strogi obavezni bonton, koji je određivao strogu podređenost svih slojeva društva. Kraljevski dvor i sam kralj nisu bili samo centar, „sunce“ oko kojeg su se formirale sve državne institucije i okruženje kralju odanog plemstva, već su se oblikovale i mnoge značajne kulturne pojave. U borbi različitih pravaca, lokalnih i panevropskih tradicija u 17. veku, formirana je nacionalna slikarska škola u Francuskoj, koja je u narednim vekovima trebalo da vodi umetnike širom Evrope. Barokna pompa dvorske umjetnosti, tradicije evropskog karavagizma i realističke tendencije francuske „škole stvarnosti“, i konačno, principi zvanične akademske umjetnosti daju predstavu o složenosti umjetničkog života zemlje. Međutim, klasicizam, direktno povezan s filozofijom racionalizma i najnaprednijim društvenim idejama tog vremena, postao je određujući nacionalni stil.
Klasicizam, umjetnički stil u evropskoj umjetnosti 17. – ranog 19. stoljeća, čija je jedna od najvažnijih karakteristika bila pozivanje na oblike antičke umjetnosti kao idealnog estetskog i etičkog standarda. Klasicizam, koji se razvijao u intenzivnoj polemičkoj interakciji sa barokom, formirao se u integralni stilski sistem u francuskoj umetničkoj kulturi 17. veka. Principi racionalističke filozofije koji su u osnovi klasicizma odredili su pogled teoretičara i praktičara klasičnog stila na umjetničko djelo kao plod razuma i logike, koji trijumfuje nad haosom i fluidnošću čulnog života. Orijentacija ka razumnom početku, ka trajnim obrascima. utvrdio čvrstu normativnost etičkih zahteva (podređenost ličnog opštem, strasti - razum, dužnost, zakoni univerzuma) i estetskih zahteva klasicizma, regulisanja umetničkih pravila; Učvršćivanje teorijskih doktrina klasicizma olakšano je djelovanjem Kraljevskih akademija osnovanih u Parizu - slikarstva i skulpture (1648) i arhitekture (1671). U slikarstvu klasicizma linija i chiaroscuro postaju glavni elementi oblikovanja forme, lokalna boja jasno otkriva plastičnost figura i predmeta, razdvaja prostorne planove slike; obilježen uzvišenošću filozofskog i etičkog sadržaja, općim skladom djela Poussin Nicolasa, začetnika klasicizma i najvećeg majstora klasicizma 17. stoljeća, u svojim slikama, uglavnom na teme antičke antike i mitologije, koji pružio nenadmašne primjere geometrijski precizne kompozicije i promišljene korelacije grupa boja.
"Bitka Izraelaca sa Amorejcima"(oko 1625-1626, uparen sa slikom “Bitka Izraelaca sa Amalečanima” iz Ermitaža).
"Rinaldo i Armida". Napisana na zapletu pesme Torkvata Tasa „Oslobođeni Jerusalim“, prikazuje onaj trenutak u romantičnoj legendi kada je podmukla čarobnica Armida htela da ubije mladog viteza krstaša Rinalda, „ali se led njenog srca otopio u zracima ljubavi. " Vitezova zavera
Hladno racionalno normativizam Poussin je dobio odobrenje Versailles suda i nastavili su ga dvorski umjetnici poput Lebrun koji je u klasicističkom slikarstvu vidio idealan umjetnički jezik za hvaljenje apsolutistička država « kralj sunca" Iako su privatni kupci preferirali različite opcije barok I rokoko, francuska monarhija je držala klasicizam na površini finansirajući akademske institucije kao npr Škola likovnih umjetnosti. Rimska nagrada pružio je najtalentovanijim studentima priliku da posjete Rim radi neposrednog upoznavanja sa velikim djelima antike.
"idealni pejzaži" (slikar Lorraine Claude). u svojim antikvitetima pejzaži u blizini „vječnog grada“ organizovao je slike prirode usklađujući ih sa svjetlošću zalazećeg sunca i uvodeći osebujne arhitektonske scene.
Sećanja i snovi, svet ljudske duše, njena prolazna raspoloženja i fantazije postaju stvarnije vrednosti za slikarstvo, pozorište i muziku nego sama stvarnost. Ove crte svjetonazora tog doba našle su svoj najveći izraz u melanholičnoj ironiji slika francuskog umjetnika Antoinea Watteaua i poštovanju emocionalnosti muzike Mozarta - dva genija evropske kulture 18. stoljeća. Zbirka muzeja sadrži dva rana djela Antoinea Watteaua (1684-1721) - "bivak" I "Satira o doktorima". U njegovoj poetskoj i sanjivoj umjetnosti, već u osvit novog vijeka, naslućuje se istančana sofisticiranost pozorišnih i muzičkih slika koje su odredile najviše domete evropske kulture 18. vijeka. "Satira o doktorima" (1710-e) doživljava se kao direktna ilustracija Molijerove komedije "Umišljeni invalid". Slika je navodno nastala dok je Watteau radio u radionici svog učitelja, pozorišnog dekoratera Claudea Gillot-a. U dobro režiranoj mizansceni jasno se izdvajaju pojedinačni likovi maski, bliski likovima commedia dell'arte. Doktor u crvenom ogrtaču sa magarećom kragnom oko vrata svečano je samozadovoljan. Uplašeni pacijent brzo bježi od nemilosrdnih doktora sa njihovim medicinskim rekvizitima, sličnim instrumentima za mučenje. Ali u veselim likovima slike, kroz konvenciju pozorišne maske, vidljiva je draž živih likova, živahnih i lukavih ili ispunjenih melanholičnom promišljenošću. Ono što glumce privlači u njihovim pokretima je mladalačka gracioznost nekih, koja izaziva tešku tromost drugih. U bojama polufantastičnih kostima očaravajuća je suptilnost kombinacija boja ružičaste i plave, lila i maslinasto zelene.
Raskoš, dekorativnost, klasicizam. Oni prelaze italo-holandski manirista. Trendovi, realistične tradicije nacionalne škole. Portret dominira. sudska umjetnost:
Simon Vouet (1590-1649) - pod utjecajem Caravaggia i venecijanskih slikara. Blisko baroknoj tradiciji bilo je djelo francuskog slikara Simona Voueta (1590-1649). Kao i mnogi od najvećih evropskih slikara ovog veka, formiran je u međunarodnom umetničkom okruženju Rima kroz proučavanje antičke, renesansne i savremene italijanske barokne umetnosti.
« Blagovještenje" (1632.)- Gospelski zaplet u Vueovoj interpretaciji poprima karakter galantne scene, sa manirskom teatralnošću gestova i osetljivošću izraza lica. Kombinacija mističnog čuda i namjerno svakodnevnih detalja, kao što je korpa sa šinom, karakteristična za barokni stil, u radu francuskog dvorskog majstora podređuje hladnoj eleganciji i
dekorativni efekat slikanja.
Na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće, pravac karavagizma, formiran u Italiji, imao je ogroman utjecaj na razvoj svih velikih europskih umjetničkih škola, a posebno francuske. Valentin de Boulogne (1591-1632) - francuski sljedbenik osnivača evropskog realizma u slikarstvu, Michelangela da Caravaggia.
"Poricanje Svetog Petra" napisano na jevanđeoskoj priči.
Jacques-Louis David. « Zakletva Horatijevih(1784.).
Pitanje 53. Kombinacija cigle i kamena.- Pod Henrikom IV, dekorativni efekti su se često postizali takvim konstruktivnim tehnikama u kojima kontrasti boja daju, uz malo troška, fasadama živahan i raznovrstan izgled; Riječ je o konstrukciji zidova u obliku okvira od tesanog kamena ispunjenog grubim zidanjem. Površina ispune je obložena obojenim malterom: prema tradiciji koja datira iz rane renesanse, okvir otvora je povezan kroz sve etaže (Sl. 437). formirajući dugačke bijele pruge od temelja do lucarnesa, ističući se na crvenoj pozadini zidova i na plavoj pozadini krovova od škriljevca. Najraniji spomenici ovog stila uključuju Palais Mayenne u ulici Saint-Antoine. datira iz doba Henrika III.
Zatim slijedi: pod Henrikom IV Palata kardinala Burbona u opatiji Saint-Germain des Pres. zgrade na Place Dauphine i Place des Vosges (Sl. 437); pod Lujem XIII - glavno jezgro Versajske palate: jedan od poslednjih primera ovog stila - Palača Mazarin(Nacionalna biblioteka), koju je sagradio François Mansart za vrijeme vladavine Luja XIV. Ista arhitektura pripada Palača Rambouillet.
Dekoracija sa narudžbama Arhitektura od cigle i kamena, jasno prožeta željom za ekonomikom, najbolje odgovara zgradama od kojih se ne traži ništa više od graciozne jednostavnosti. Za monumentalne građevine pribjegavaju dekoraciji po narudžbi, a u Francuskoj, kao i u Italiji, dvoumiraju se između dvije odluke: da li da te dekoracije naprave u skladu s razmjerom cijele fasade, ili u mjerilu samo poda koji ukrašavaju. Dakle, postoje dva trenda u arhitekturi reda. koje ćemo pratiti u nastavku.
Dekoracija povezana s razmjerom podova.- Kada je dekoracija povezana sa skalom spratova, obično se na svakom spratu postavljaju različite narudžbe; Ovo su zgrade Tanlaisa (departman Ionna), podignute na kraju vladavine Henrika IV. Pod Lujem XIII, tradiciju korištenja malih narudžbi nastavio je S. de Brosses u Luksemburška palata i na fasadi Saint Gervais.
Sistem malih redova imao je najmanji uspeh početkom 17. veka. U palači Thorpann pokušalo se pronaći kompromisno rješenje: sačuvati antablaturu i uništiti pilastre ili ih zamijeniti stupovima.
Tokom cijele vladavine Henrika IV susrećemo se samo sa jednom otvorenom primjenom tradicionalnog sistema - galerijom Louvre. Donji sprat je izgrađen ranije (datira iz doba Katarine Mediči), te ga je bilo potrebno uskladiti sa krilom palate, čiji je vijenac bio na nivou M; ovaj prelaz je obezbeđen međuspratom MN. .
Dekoracija kolosalnog reda.- Među prvim zgradama u kojima je nekoliko spratova spojeno u jedan veliki red pilastara, već smo nazvali krilo Chantilly Castle. datira iz doba Henrika II.
Predstavljamo fragment fasade koji jasno pokazuje poteškoće vezane za ovaj sistem. Entablature dostižu preveliku veličinu kako bi se održala proporcionalnost s pilastrima; prozori su izgubljeni i kao da nestaju. Radi antablature čine ustupke klasičnim proporcijama, ali da prozorima ne bi lišeni značaja, njima zahvataju dio krova, pretvarajući ih u svojevrsne lukarne. nije povezan ni sa fasadom ni sa krovom; ponekad čak pokušavaju da pokriju prozore na dva sprata jednim okvirom, kao da simuliraju jedan zajednički otvor.
Zahvaljujući svim ovim kompromisima, kolosalni poredak postaje jedan od uobičajenih elemenata francuske arhitekture. Susrećemo ga pod Henrijem III Palata Diane de France(Rue Pave, Marais); pod Henrikom IV korišćena je u galeriji koja povezuje Luvr sa Tuilerijem (sl. 440. L): izgrađena za vreme Luja XIII. Palata vojvotkinje od Savojske(rue Garencière) daje primjer jonskih pilastara koji su izrazito izvan razmjera. Dorski pilastri skromnijih veličina krase Versajski dvor.
Početkom vladavine Luja XIV, tendencija ka velikim narudžbama postaje sve odlučnija. U njima pronalaze veličinu, koja odgovara novim zahtjevima monarhije. lijevo I Dorbe koriste se na staroj južnoj fasadi Louvrea, u zamku Vaud. na Koledžu četiri naroda (Institut); Lemuet koristi ovaj svečani oblik da Palace d'Avo(rue Temple): Fr. Mansart ga koristi na glavnoj fasadi Minimski manastir u Faubourg Saint-Antoine.
Nakon toga, Perrault je 1670. godine pozajmio kolosalni red kao temu za svoju kolonadu u Luvru, a u 18. stoljeću. Gabrijel će ponoviti ovaj red u palatama Place de la Concorde.
Rustikalna obrada.- Već smo ukazali na posljedice koje proizlaze iz upotrebe kolosalnog reda: potreba za ogromnim vijencima i potreba za pretjeranim povećanjem otvora. Moguće je donekle sačuvati grandioznost koju red, koji se izdiže iz samog temelja građevine, daje arhitektonskoj kompoziciji, ako se pilastri zamijene rustikovanim oštricama. Istovremeno se smanjuju troškovi, a u isto vrijeme, budući da oblici narudžbe postaju, takoreći, samo implicirani, zahtjevi proporcija postaju manje imperativni, što omogućava ograničavanje oba značenja antablatura. i veličinu prozora.
Podjelu fasada sa rustikovanim oštricama umjesto pilastara koristio je Lemercier za vrijeme vladavine Luja XIII. Richelieu castle i u kardinalovoj palati: pod Lujem XIV su korištene ove tehnike L. Bruant- za obradu fasada Domovi za invalide. o. Mansar - za Val de Grae. Perrault - za sjevernu platformu Louvrea.
Dekoracija kroz panele.- Arhitektura se ne zaustavlja na ovom putu pojednostavljenja. Na kraju su i ove rustikovane oštrice uništene; Entablatura koja kruniše fasadu oslanja se na gole zidove, jedva ukrašene okvirima koji ocrtavaju granice interventnih panela.
Dvorište Doma invalida je odličan primjer ovakvih fasada, gdje su od ordena ostali samo profili vijenaca i lopatica. U istom duhu, Perrault ukrašava Opservatorij, Fr. Blondel - kapija Saint-Denis, Bullet - kapija Saint-Martin.
Klasicizam je umjetnički pokret u umjetnosti i književnosti 17. i 18. stoljeća. Ovaj pravac karakteriziraju karakteristike kao što su strogo pridržavanje normi i pravila, te visoke građanske teme. Rođenje klasicizma došlo je zbog borbe protiv višeg baroka.
Klasicizam je dostigao svoj vrhunac u sedamnaestom veku u Francuskoj: u poeziji zahvaljujući La Fontaineu, u drami - Rasinu, Molijeru i Korneju, a u slikarstvu kroz dela Pussena. Ovaj pravac književne umjetnosti karakterizira korištenje klasnog principa u različitim žanrovima.
Silovanje Sabinki. Nicolas Poussin
Poetika klasicizma je sve žanrove „razbila“ na „niske“ (basna, komedija, satira itd.) i „visoke“ (oda, tragedija, ep). Štaviše, razlikovala ih je prema klasi: u nižem žanru su ulazili samo obični ljudi, a u visokom žanru su mogli učestvovati samo prinčevi, kraljevi, generali i dvorjani. Junaci komedije su trebali samo da nasmiju publiku, a junaci tragedije imali su pravo da ih dodirnu. Pored toga, klasna podjela žanrova je izražena i u razlici u slogu i jeziku. Dakle, tragedija je nužno bila napisana poetskim, visokim stilom i bila je apsolutno lišena običnih svakodnevnih pojmova, pa čak i riječi. Francuska tragedija sedamnaestog veka je tragedija herojske radnje; ona ne dopušta lirsko, fantastično i čudesno.
Glavna karakteristika klasicizma je normativnost i strogo pridržavanje svih pravila klasicističke doktrine. Normativnost treba shvatiti kao rezultat odsustva u klasicizmu apsolutnog oslanjanja na razum i istorijsko mišljenje. Klasicisti tog vremena vjerovali su da nepromjenjivi i vječni zakoni razuma, zajednički cijelom društvu, stvaraju „dobar ukus“ u polju umjetnosti.
U svim djelima u stilu klasicizma sve mora biti utemeljeno na razumu i opravdano zdravim razumom. Uzvišena, plemenita osjećanja junaka ogledala su se u dugim monolozima.
Jacques-Louis David. "Zakletva Horatijevih" (1784.)
Glavni principi klasicizma:
- Glavni zadatak je formiranje i jačanje apsolutne monarhije;
- Samo ono što je razumno smatra se lijepim. Razum je osnova svega;
- Glavna tema je sukob između građanskih i ličnih interesa, kao i osjećaja i dužnosti;
- Najviše dostojanstvo osobe je bespogovorno služenje državnoj ideji;
- Antika - kao model nasljeđa;
- Imitacija „uljepšane“ prirode;
- Ljepota je glavni lik.