Koncert se obično sastoji od 3 dijela (spoljni dijelovi su u brzom pokretu). U 18. vijeku, simfonija u kojoj su mnogi instrumenti mjestimično svirali solo zvala se concerto grosso. Kasnije se simfonija u kojoj je jedan instrument dobio samostalniji značaj u odnosu na druge počela zvati symphonique concertante, concertirende Sinfonie.
Reč Concerto, kao naziv muzičke kompozicije, pojavila se u Italiji krajem 16. veka. Koncert u tri dela pojavio se krajem 17. veka. Talijanski Corelli (q.v.) se smatra osnivačem ovog oblika kosmosa, iz kojeg su se razvili u 18. i 19. veku. K. za različite instrumente. Najpopularniji instrumenti su violina, violončelo i klavir. Kasnije su K. napisali Bach, Mocart, Beethoven, Šuman, Mendelson, Čajkovski, Davidov, Rubinštajn, Viotti, Paganini, Vietang, Bruch, Wieniawski, Ernst, Servais, Litolf itd. Mali koncert u kojem su dijelovi spojeni se zove concertina.
Koncert klasične muzike je i javni skup u salama sa posebnom zvučnom akustikom, na kojem se izvode brojna vokalna ili instrumentalna djela. U zavisnosti od programa, Koncert dobija naziv: simfonijski (na kome se izvode uglavnom orkestarska dela), duhovni, istorijski (sastavljen od dela iz različitih epoha). Koncert se naziva i akademijom kada su izvođači, i solo i u orkestru, vrhunski umjetnici.
Linkovi
- Deset koncertnih djela za limenu glazbu
u Koncertu postoje 2 “takmičarske” dionice između soliste i orkestra, to se može nazvati takmičenjem.
Wikimedia fondacija. 2010.
Pogledajte šta je "Instrumentalni koncert" u drugim rječnicima:
Koncert samo sa muzičkim instrumentima, bez pevanja. Rječnik stranih riječi uključenih u ruski jezik. Pavlenkov F., 1907 ... Rečnik stranih reči ruskog jezika
Koncert (njem. Konzert, od ital. concerto ≈ koncert, harmonija, dogovor, od latinskog concerto ≈ takmičiti se), muzičko djelo u kojem se manjina instrumenata ili glasova koji učestvuju suprotstavlja većini ili cijelom ansamblu,... ...
instrumental- oh, oh. instrumentalni prid., njemački instrumental. Rel. na učvršćenje alata. Sl. 18. Instrumentalni majstori nalaze se u Akademiji nauka. MAN 2 59. Instrumental art. Lomon. ACC 9 340. | muzika Slavni virtuoz g. Hartmann, ... ... Istorijski rečnik galicizama ruskog jezika
I Koncert (njem. Konzert, od ital. concerto koncert, harmonija, dogovor, od latinskog concerto takmičiti) muzičko djelo u kojem se manjina instrumenata ili glasova koji učestvuju suprotstavlja većini ili cijelom ansamblu,... ... Velika sovjetska enciklopedija
1. javno izvođenje muzike U početku je riječ koncert (konzort) označavala kompoziciju izvođača (npr. supruga viola), a ne proces izvođenja, iu tom smislu se koristila sve do 17. vijeka. Do tada ozbiljna muzika... Collier's Encyclopedia
koncert- a, m. 1) Javni nastup umjetnika prema posebnom, unaprijed sastavljenom programu. Organizujte koncert. Da idem na koncert. Simfonijski koncert. 2) Muzičko djelo za jedan ili više solo instrumenata i orkestar. Koncert… … Popularni rečnik ruskog jezika Riemannov muzički rječnik
Plant Sestroretsk Alat Plant nazvan po. S.P. Voskova Sestroretsk fabrika oružja ... Wikipedia
Istorija nastanka i razvoja žanraKONCERT.
Dobar dan dragi prijatelji, ljubitelji muzike! Želim vam dobrodošlicu na sljedeći sastanak naše Muzičke dnevne sobe! Danas ćemo pričati o muzičkom žanru.
Svi dobro znate riječ "koncert". Šta ovaj izraz znači? (odgovori slušalaca). Koncerti su različiti. Hajde da ih navedemo. (Učesnici sastanka izvlače bilješke u kojima su navedene vrste koncerata:
Simfonijski koncert
Koncert ruskih pop zvijezda
Koncert klasične muzike
Koncert ruske narodne muzike
Koncert puhačke muzike
Koncert rane muzike
Koncert Guvernerskog orkestra ruskih narodnih instrumenata"
Koncert solista Boljšoj teatra
Solistički koncert umjetnika
Benefit performans (spektakl ili nastup u pozorištu, prihod od kojeg ide nekom od umjetnika koji učestvuju ili cijeloj grupi, na primjer, hor, orkestar) itd.
Ali postoji još jedno značenje ove riječi. Koncert je muzički žanr. O tome će priča biti danas. Ukratko ćete se upoznati s poviješću nastanka i razvoja žanra i čuti fragmente koncerata velikih majstora u različitim historijskim epohama.
Šta je koncert? Riječ je formirana od concerto - sklad, dogovor i concertare - takmičiti se) - muzičko djelo, najčešće za jedan ili više solo instrumenata s orkestrom.Zaista, odnos između solo instrumenta i orkestra na koncertu sadrži elemente i „partnerstva“ i „suparništva“. Postoje i koncerti za jedan instrument - bez orkestra (koncerti -solo) , koncerti za orkestar - bez strogo određenih solo dionica, koncerti za glas (ili glasove) s orkestrom i koncerti za hor . Tvorac takvog koncerta smatra se ruski kompozitor Dmitrij Bortnjanski.
POZADINA.
Koncert se u Italiji pojavio na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće kao vokalno polifono djelo crkvene muzike (tzv. sakralni koncert) i razvio se iz polihorizma i jukstapozicije horova, koje su naširoko koristili predstavnici venecijanske škole. Djela ove vrste mogu se nazvati i koncertima (concerti) i motetima (motetti); kasnije je J. S. Bach svoje polifone kantate nazvao koncertima.
Predstavnici venecijanske škole uveliko su koristili instrumentalnu pratnju na duhovnim koncertima.
Barokni koncert.
Do početka 18. vijeka. U upotrebu je ušlo nekoliko vrsta koncerata. Na koncertima prvog tipa mala grupa instrumenata - concertino ("mali koncert") - bila je suprotstavljena većoj grupi, koja se, kao i samo djelo, zvala concerto grosso ("veliki koncert"). Među poznatim djelima ove vrste su 12 Concerto Grosso (op. 6) Arcangela Corellija, gdje je concertino predstavljen sa dvije violine i violončelom, a concerto grosso sa širim sastavom gudačkih instrumenata. Concertino i concerto grosso povezuje basso continuo („konstantni bas“), koji je predstavljen tipičnom baroknom muzičkom pratnjom klavijaturnog instrumenta (najčešće čembalo) i bas žičanog instrumenta. Corellijevi koncerti se sastoje od četiri ili više stavaka.
Zvuči fragment koncerta A. Corellija
Druga vrsta baroknog koncerta komponovana je za solo instrument sa pratećom grupom ripieno. ili tutti. Takav koncert se obično sastojao od tri dijela, saprvo gotovo uvijek je imao oblik ronda: uvodna orkestarska dionica (ritornello), u kojoj je izlagana glavna tematska građa stava, ponavljala se u cjelini ili u fragmentima nakon svake solističke dionice. Solo dionice su obično davale izvođaču priliku da pokaže svoju virtuoznost. Često su razvijali ritornello materijal, ali su se često sastojali samo od pasaža nalik ljestvici, arpeđa i sekvenci. Na kraju stavka ritornello se obično pojavljuje u svom izvornom obliku.Sekunda , spori dio koncerta bio je lirske prirode i komponovan u slobodnoj formi. Brzozavršni dio Često je bio plesnog tipa, a nerijetko se autor u njemu vraćao na rondo formu. , jedan od najslavnijih i najplodnijih kompozitora italijanskog baroka, napisao je brojne recitalne koncerte, uključujući četiri violinska koncerta poznata kaoGodišnja doba .
Predlažem slušanje 3 sata. Koncert "Ljeto" koji se zove "Grum"
Finale Koncerta u a-molu za violinu i orkestar (“Moskovski virtuozi”)
Vivaldi ima i koncerte za dva ili više solo instrumenata, koji kombinuju elemente formi solističkih koncerata, concerto grosso, pa čak i treće vrste koncerata – samo za orkestar, koji se ponekad naziva i concerto ripieno.
Među najbolje koncerte baroknog doba spadaju Hendlova dela, sa njegovih 12 koncerata (op. 6), objavljenih 1740. godine, napisanih po uzoru na Corellijev concerto grosso, kojeg je Hendl upoznao tokom svog prvog boravka u Italiji.
Koncerti I.S. Bacha, uključujući sedam koncerata za klavir, dva za violinu i šest tzv. Brandenburški koncerti, općenito, također slijede model Vivaldijevih koncerata: Bach ih je, kao i djela drugih talijanskih kompozitora, vrlo revnosno proučavao.
Fragment Brandenburškog koncerta br. 3 G-dur
Klasični koncert.
Iako sinovi , posebno Carl Philipp Emanuel i Johann Christian, odigrali su važnu ulogu u razvoju koncerta u drugoj polovini 18. stoljeća, koji nisu podigli žanr na nove visine, već . U brojnim koncertima za violinu, flautu, klarinet i druge instrumente, a posebno u 23 koncerta za klavijature, Mocart, koji je imao neiscrpnu maštu, sintetizirao je elemente baroknog solističkog koncerta s razmjerom i logikom forme klasične simfonije. U kasnim Mocartovim klavirskim koncertima ritornel se pretvara u izložbu koja sadrži niz samostalnih tematskih ideja, orkestar i solista su ravnopravni partneri, a u solističkom dijelu postiže se dosad neviđen sklad između virtuoznosti i izražajnih zadataka. Čak , koji je kvalitativno promijenio mnoge tradicionalne elemente žanra, jasno je smatrao način i metodu Mocartovog koncerta idealnim.
Mozartov koncert za 3 klavira i orkestar
Beethovenov koncert za violinu i orkestar
Drugi i treći stav u Beethovenovom koncertu povezani su kratkim pasusom, nakon čega slijedi kadenca, a takva veza još jasnije ističe snažan figurativni kontrast između stavaka. Polagani stavak baziran je na svečanoj, gotovo himničkoj melodiji, koja pruža široku priliku za njegov spretni lirski razvoj u solističkom dijelu. Finale koncerta ispisano je u obliku ronda - ovo je dirljiv, "zaigran" dio u kojem je jednostavna melodija, koja svojim "isjeckanim" ritmom podsjeća na narodne violinske melodije, protkana drugim temama, iako su u suprotnosti. sa refrenom rondoa, ali zadržavaju opštu plesnu strukturu.
Devetnaesto stoljece.
Neki kompozitori ovog perioda (na primjer, Chopin ili Paganini) u potpunosti su zadržali klasičnu koncertnu formu. Međutim, usvojili su i inovacije koje je Beethovenov uveo u koncert, kao što je solistički uvod na početku i integracija kadence u formu stava (kadencija je solistička epizoda koja služi kao spona između dijelova). Veoma važna karakteristika koncerta u 19. veku. je ukidanje dvostruke ekspozicije (orkestarske i solističke) u prvom dijelu: sada su orkestar i solista zajedno nastupali u izložbi. Takve inovacije su karakteristične za velike klavirske koncerte Šumana, Bramsa, Griga, Čajkovskog i Rahmanjinova, violinske koncerte Mendelsona, Bramsa, Bruha i Čajkovskog i koncerte za violončelo Elgara i Dvoržaka. Druga vrsta inovacije sadržana je u Listovim klavirskim koncertima i u nekim djelima drugih autora - na primjer, u Berliozovoj simfoniji za violu i orkestar Harold u Italiji, u Busonijevom Koncertu za klavir, gdje je uveden muški hor. U principu, forma, sadržaj i tehnike tipične za žanr su se veoma malo menjale tokom 19. veka. Koncert se održao u konkurenciji programske muzike, koja je u drugoj polovini ovog veka snažno uticala na mnoge instrumentalne žanrove. Stravinski I , ne udaljite se (ako uopće) od osnovnih principa klasičnog koncerta. Za 20. vek karakterizira oživljavanje žanra concerto grosso (u djelima Stravinskog, Vaughana Williamsa, Blocha i ) i uzgoj koncerta za orkestar (Bartok, Kodaly, ). U drugoj polovini veka nastavlja se popularnost i vitalnost koncertnog žanra, a situacija "prošlosti u modernom" tipična je za raznovrsna dela poput koncerata Džona Kejdža (za pripremljeni klavir), (za violinu), Lou Harrison (za klavir), Philip Glass (za violinu), John Corigliano (za flautu) i György Ligeti (za violončelo).
Instrumentalni koncert
Sama ova riječ vam je, naravno, poznata, posebno u njenom prvom značenju. „Koncert“, kaže muzički rečnik, „je javno izvođenje dela po unapred sastavljenom programu.
Ali činjenica je da ova riječ ima drugo značenje: ovo je naziv kompozicije za muzički instrument (ili glas) uz pratnju orkestra. Ali zašto se tako zove? A zašto su učesnici takmičenja morali da odsviraju koncert?
Ova riječ se može prevesti kao „takmičenje“, pa je „Koncert za klavir i orkestar“ takmičenje između pijaniste i simfonijskog orkestra.
Kada ste zainteresovani za gledanje sportskog događaja? Kada su "protivnici" jednaki u snazi i vještini, zar ne? Jer ako se slaba i jaka ekipa ili majstor sporta takmiči sa početnikom amaterom, onda je već unaprijed jasno ko će pobijediti. A ovo nije nimalo zanimljivo.
Koncert uključuje takmičenje nekog muzičkog instrumenta i... čitavog simfonijskog orkestra. To je to! Da li je zaista moguće da bilo koja sićušna flauta ili krhka, graciozna violina pobijedi ili barem, sportski rečeno, "izvuče neriješeno" s takvom masom? Kakvo je ovo takmičenje?
Sjajno, prijatelji, divno takmičenje! Budući da su snaga, moć i sjaj simfonijskog orkestra u suprotnosti sa talentom soliste izvođača, njegova vještina, ostvarena godinama i godinama mukotrpnog rada. Odaću vam tajnu da je skoro uvek pobednik onaj koji na prvi pogled deluje najslabiji. Solista potčinjava orkestar. Naravno, samo ako je pravi muzičar, talentovan izvođač, jer za njega je ovo veoma ozbiljan test. A kad nema vještine i talenta, pobjeđuje orkestar. Ali kakva je ovo tužna pobeda. Pobjeda ima, a muzike nema.
Koncertna muzika. U tome nećete naći nikakve poteškoće! Odlomci složeni do zagonetke, jaki akordi, brzo kotrljajuće skale... Sve su to takozvane tehničke poteškoće, ispitivanje tečnosti prstiju, jačine udarca - jednom riječju, vještina izvođenja. muzičar. A kompozitor, stvarajući koncert, uvijek razmišlja o tome kako muzičar može pokazati sve svoje vještine u ovom poslu.
Međutim, kada bi kompozitor razmišljao samo o tome, kada bi se koncert sastojao samo od zadataka i genijalnih zagonetki, ne bi se mogao nazvati pravim umjetničkim djelom. Takvom djelu nedostajalo bi ono najvažnije – misao, sadržaj.
Evo šta Čajkovski piše o koncertu: „Ovde postoje dve jednake sile, odnosno moćan orkestar, neiscrpno bogat bojama, sa kojim se bori i osvaja (zavisno od talenta izvođača) mali, neopisiv, ali protivnik jake volje. U ovoj borbi ima mnogo poezije i ponora kombinacija koje su kompozitoru primamljive.”
Kad bi stranice knjige počele da zvuče nakon ovih riječi, odmah bismo čuli blistave, pune akorde orkestra - početak Prvog klavirskog koncerta. Sa prvim zvucima ove muzike, kao da sama radost uleti u salu. Kako malen i slab izgleda pijanista koji sjedi za klavirom. Snažan zvuk orkestra kao da ga je debelim zidom izolovao od sale.
I novi glas se slio u ovu likujuću masu zvukova poput moćnog zvona. “Slušaj! - čini se da nam govore odmereni, svečani akordi - Slušaj! Ne možete a da me ne čujete." I mi čujemo, čujemo savršeno zvučni, snažni glas klavira. Violine su prsnule u široku melodiju i, ukrotivši njihovo neobuzdano veselje, orkestar je postepeno utihnuo.
Sada zvuči samo klavir... Majstorski akordi i pasaži se smenjuju, oblačeći melodiju u svetlucavo, bogato ruho. Ali orkestar se još nije pomirio s tim. Neće tako lako popustiti, neće odustati bez borbe. Izbija strastvena svađa. Glavna tema se čuje ili u orkestru ili u klavirskoj partiji... Da, naravno, ovo je pre svega divna muzika. Prava muzika, ne samo zagonetni, virtuozni trikovi.
Koncertna muzika je obično vedra, radosna i elegantna. Moram vam reći da se riječ “koncert” ne prevodi samo kao “takmičenje”, već i kao “dogovor”. To znači da je konkurencija uvijek prijateljska.
Ali, naravno, dok slušate koncert, ponekad ćete se osjećati tužno, sanjati i razmišljati o nečemu. Ponekad muzika može biti veoma mračna, čak i tragična. Na primjer, u Šostakovičevom violinskom koncertu ili u Trećem klavirskom koncertu, o čemu ćemo kasnije. Međutim, to se dešava mnogo rjeđe.
Suptilna i ekspresivna muzička boja violinskog koncerta Felixa Mendelssohna ovdje je spojena sa strogošću forme. Kompozitor je tu postigao tu visoku dramatiku, koja nam omogućava da govorimo o njegovoj povezanosti sa Betovenovom simfonijskom tradicijom. Istovremeno, koncert je ispunjen duhom romantizma – od prve do poslednje note. U njemu su koncentrisane najkarakterističnije crte Mendelsonovog stvaralaštva - liričnost, pesmovitost, gracioznost, osećaj za lepotu i harmoniju okolnog sveta.
Koncert je veliko, višestavačno djelo (iako postoje i koncerti u jednom stavu). Obično postoje tri dijela. Prvi je najefikasniji, „glavno područje borbe“. Druga je spora, lirska. Njene slike se često povezuju s prirodom. Treći dio je finale. Muzika finala je često posebno vesela, brza i briljantna.
Na šta liči ova struktura? Pa, naravno, simfonija! Malo simfonije. Samo sa novim likom - solistom.
Za razliku od simfonije, koncert ima takozvanu kadencu - veliku epizodu koju solista izvodi bez orkestra. Zanimljivo je da u antičko doba, kada je koncertna forma tek počela da nastaje, kadencu nije komponovao kompozitor, već sam izvođač. Kompozitor je samo naznačio mjesto gdje bi trebao biti (obično u prvom stavu). Tada je kadenca bila kao umetnuti broj u kojem je solista pokazao sve svoje umijeće i demonstrirao mogućnosti muzičkog instrumenta. Nije teško pretpostaviti da muzičke zasluge takve kadence uglavnom nisu bile naročito velike i da nisu imale veliku ulogu u sadržaju dela.
Bio je prvi koji je napisao kadencu za pijanistu u svom Četvrtom klavirskom koncertu. Od tada je to postalo pravilo. Kadence su prestale da budu „vanzemaljci” u opštoj muzici koncerta, iako su do danas zadržali virtuoznost i briljantnost i još uvek pružaju mogućnost izvođaču da pokaže pravu veštinu, da demonstrira sve mogućnosti muzičkog instrumenta, bilo da klavir ili flautu, violinu ili trombon.
Kažemo da je koncert takmičenje, ali pre svega, to je, naravno, veoma ozbiljan test za solistu, ozbiljan test za titulu pravog izvođača.
Sada vam je vjerovatno jasno zašto je izvođenje koncerta uvijek uključeno u takmičarski program.
A ako je solista pravi, talentovani muzičar, onda...
Tekst Galina Levasheva.
Prezentacija
Uključeno:
1. Prezentacija - 10 slajdova, ppsx;
2. Zvukovi muzike:
Chaikovsky. Koncert za klavir i orkestar br.1. I. Allegro non troppo e molto maestoso (fragment), mp3;
Rahmanjinov. Koncert za klavir i orkestar br.3. I. Allegro (fragment), mp3;
Mendelssohn. Koncert za violinu i orkestar. I. Allegro molto appassionato (fragment), mp3;
Beethoven. Koncert za klavir i orkestar br. 4. I. Allegro moderato. Kadenca, mp3;
3. Popratni članak, dok.
Instrumentalna forma koncerta može se smatrati pravim doprinosom baroka, koji je oličavao estetske ideale epohe obilježene naglim promjenama, strepnjom i napetim iščekivanjem. Koncert je neka vrsta muzičke igre svjetla i sjene, svojevrsna konstrukcija u kojoj je svaki sastavni dio u suprotnosti sa ostalim dijelovima. Pojavom koncerta rađa se tendencija ka muzičkom pripovedanju, ka razvoju melodije kao svojevrsnog jezika sposobnog da prenese dubinu ljudskih osećanja. Zapravo, etimologija riječi „concertare“ dolazi od riječi „takmičiti se“, „boriti se“, iako je razumijevanje značenja ovog muzičkog oblika povezano i sa „consertus“ ili „conserere“, što znači „ uskladiti”, „dovesti u red”, „ujediniti” . Etimološka značenja veoma dobro odgovaraju nameni kompozitora, koji su kroz novu formu doprineli neverovatnom napretku muzičkog jezika tog doba.
Povjesničari smatraju da je rođenje instrumentalnog concerto grosso 70-ih godina 17. stoljeća, a njegovo porijeklo seže ili do vokalno-instrumentalnog koncerta i orguljaške i orkestarske kancone 16.-17. stoljeća, koja je po mnogo čemu bliska it, ili na ansambl sonatu, koja se razvila u 17. veku. Ovi žanrovi su, uz operu, oličili glavne karakteristike novog muzičkog stila - baroka.
L. Viadana je u predgovoru zbirci svojih koncerata (Frankfurt, 1613.) naglasio da melodija na koncertu zvuči mnogo jasnije nego u motetu, riječi nisu zaklonjene kontrapunktom, a harmonija podržana generalni bas orgulja, nemjerljivo je bogatiji i puniji. U stvari, istu pojavu je 1558. opisao G. Zarlino: „Dešava se da su neki psalmi napisani na način choros pezzato (podrazumeva izvođenje „razdvojenog, rastrganog hora” - N. 3.). Takvi horovi se često pjevaju u Veneciji za vrijeme večernje i u drugim svečanim satima i smješteni su ili podijeljeni u dva ili tri zbora, sa po četiri glasa u svakom.
Horovi pjevaju naizmjenično i ponekad zajedno, što je posebno dobro na kraju. A kako se takvi horovi nalaze prilično udaljeni jedan od drugog, kompozitor, da bi izbjegao nesklad između pojedinih glasova, mora pisati tako da svaki hor zasebno zvuči dobro... Basovi različitih horova moraju se uvijek kretati uglas ili oktavu, ponekad u terci, ali nikad u kvinti." Pokret basa raznih horova uglas ukazuje na postepeno formiranje homofonije. Paralelno, kontinuirano oponašanje stare polifonije zamjenjuje se principom dinamičkih odjeka. , srodan s njom, ali već vodi u novu eru - jedan od prvih nepolifonih principa formiranja.
Međutim, imitacija je takođe nastavila da igra važnu ulogu u muzičkom razvoju - često u obliku streta, kao u starom stilu. Uočljivi su rudimenti oblika koji će postati karakteristični za budući concerto grosso. Dvostruka ekspozicija će biti posebno česta u koncertima zasnovanim na plesnim temama, i dok je u Corelliju prvo izlaganje obično solo, u kasnijem koncertu popularnije je otvaranje tutti. Općenito, dvostruke ekspozicije su prirodne za concerto grosso: na kraju krajeva, slušalac treba da zamisli obje zvučne mase od samog početka. Najjednostavniji način razvoja je očigledan - prozivka dvije mase. A rezultat „koncertnog spora“ treba da se sumira konačnim tuttijem: tako je bilo s Pretoriusom, tako će biti i sa Bachom, Hendlom, Vivaldijem. Primer iz Benevolijeve mise anticipira formu koncerta, ili ritornela, koja je dominirala muzikom u prvoj polovini 18. veka. Još uvijek nema konsenzusa o porijeklu ovog oblika.
Njegov pronalazač X. Riemann povezao ga je sa fugom i uporedio ritornello sa temom, a solo razvoj sa interludijem. Naprotiv, Schering je, pozivajući se na svjedočenje A. Scheibea (1747), osporio odnos koncertne forme sa fugom i direktno je izveo iz arije s ritornelom. A. Hutchings se, pak, ne slaže s ovim: on smatra izvorom ovog oblika sonatu za trubu sa gudačkim orkestrom, koja je postojala u Bolonji krajem 17. stoljeća i koja je, po njegovom mišljenju, imala direktan utjecaj na recitalu. Hutchings naglašava da je operska arija s ritornelom tek nakon distribucije koncerta dobila gotov oblik.
Samo jedno je neosporno: u prvoj polovini 18. stoljeća koncertna forma se nalazila u gotovo svim žanrovima, i nije slučajno što ga istraživači smatraju glavnim oblikom svog vremena (kao i sonatni oblik u drugoj polovini 18. vek). Kao „samostalna formacija između monotematike i klasičnog tematskog dualizma“, koncertna forma je pružila i tematsko jedinstvo i potreban stepen kontrasta, a izvođaču je pružila i mogućnost da demonstrira svoje umijeće u solo pasusima. Pa ipak, uz svu svoju novinu, analizirani uzorci direktno proizilaze iz muzike 16. vijeka, prije svega iz kancone - rodonačelnika gotovo svih kasnijih instrumentalnih žanrova. U instrumentalnoj kanconi (canzonada sonar) rođen je budući sonatni ciklus, forme poput fuge ili trodelne reprize tipa okvira počele su da se kristališu (mnoge kancone su završavale početnom temom); Kancone su bile prva instrumentalna djela koja su objavljena i, konačno, ovdje su po prvi put počele da se porede čisto orkestarske grupe, bez učešća glasova.
Smatra se da je ovaj korak ka novom concerto grossu napravio G. Gabrieli, orguljaš katedrale sv. Marka u Veneciji (od 1584. do 1612.). Postupno, u njegovim kanconama i sonatama, ne samo da se povećava broj instrumenata i zborova, već se javlja i tematski kontrast: na primjer, svečani tutti akordi suprotstavljeni su imitativnoj konstrukciji jednog od zborova. Na tom kontrastu će se izgraditi mnogi oblici ranog i srednjeg baroka: iz njega će izrasti čitavi instrumentalni ciklusi, a u nekim dijelovima će se takvi kontrasti, karakteristični za kanconu, održati sve do Corellijeve ere, pa i kasnije.
Kroz kanconu je u instrumentalnu muziku baroka prodrla formotvorna tehnika karakteristična za motet - nizanje epizoda različitih tema.
Uopšte, melodija baroka - bilo da je to "mozaik" kancone i rane sonate ili "beskrajna melodija" Baha i njegovih savremenika - uvek ima karakter napretka iz određenog impulsa. Različita energija impulsa određuje različito trajanje razvoja, ali kada se inercija iscrpi, mora početi kadenca, kao što se dešavalo u kanconi 17. stoljeća ili u polifonim minijaturama zrelog baroka. B.V. Asafiev je odrazio ovaj obrazac u poznatoj formuli i:m:t. Koncertno raspoređivanje je prevazišlo zatvorenost ove formule, promišljajući kadencu, pretvarajući je u impuls novog pokretanja ili je beskonačno odgađajući uz pomoć sve novih lokalnih impulsa i modulacija na nivou motivskih struktura (strukturne modulacije - termin A. Milke ).
Rjeđe se koristio iznenadni kontrast, prenoseći razvoj u drugu ravan. Tako se već u Marinijevoj sonati počinje oblikovati „tehnika postupnog prijelaza” karakteristična za barok: daljnji razvoj izravno slijedi iz prethodnog, čak i ako sadrži kontrastne elemente. Kao naslijeđe iz muzike renesanse, rani barok naslijedio je i još jedan princip formiranja: oslanjanje na ritmičke i intonacijske formule popularnih igara uspostavljenih u svakodnevnoj muzici renesanse.
Treba spomenuti i “komornu” i “crkvenu” sonatu. Prema istoričarima, oba žanra su se konačno oblikovala u drugoj polovini 17. veka, kada je Legrenzi radio. Nazivi žanrova su povezani sa teorijom „stilova“ (u daljem tekstu termin „stil“ u shvatanju 18. veka dat je pod navodnicima), što je zauzvrat bilo deo estetike „retoričkog racionalizma“. ” zajedničko za svu baroknu umjetnost. (Ovaj termin je predložio A. Morozov u članku „Problemi evropskog baroka”).
Retorika se razvila u oratorskoj praksi antičke Grčke i bila je opisana u raspravama Aristotela, a zatim i Cicerona. Važno mjesto u retorici dato je, prvo, „locitopicima“ – „općim mjestima“, koji su pomogli govorniku da pronađe, razvije temu i predstavi je jasno i uvjerljivo, poučno, ugodno i dirljivo, i, drugo, „teorije stilova“, prema kojima se priroda govora menjala u zavisnosti od mesta, predmeta, sastava publike itd. Za barokne muzičare locitopi su postali skup izražajnih sredstava njihove umetnosti, način objektivizacije i individualnog osećanja. poznato i tipično. A kategorija „stil“ pomogla je da se shvati raznolikost žanrova i oblika modernog doba, uvela je kriterijume istoricizma u muzičku estetiku (često pod maskom reči „moda“), objasnila razliku između muzike različitih naroda, isticao pojedinačne karakteristike u stvaralaštvu najvećih kompozitora tog doba i odražavao formiranje izvođačkih škola.
Do kraja 17. veka, termini sonata da camera, dachiesa označavali su ne samo i ne toliko mesto izvođenja, već i prirodu ciklusa, koji je 1703. zabeležio de Brosard, autor jednog od prvih mjuzikla. rječnici. Corellijevih četrdeset osam ciklusa, spojenih u četiri opusa, u velikoj mjeri odgovaraju Brossardovom opisu: op. 1 i 3 - crkvene sonate, op. 2 i 4 - komora.<...>Osnovni princip konstrukcije za oba tipa ciklusa je tempo i često metrički kontrast. Međutim, u crkvenoj sonati spori dijelovi su obično manje samostalni: služe kao uvod i poveznica s brzim, pa su njihovi tonski planovi često otvoreni.
Ovi spori dijelovi sastoje se od svega nekoliko taktova ili se približavaju instrumentalnom ariozzu, izgrađeni su na kontinuiranom pulsiranju klavirskih akorda, sa ekspresivnim kašnjenjima ili imitacijom, ponekad čak uključuju i nekoliko nezavisnih dionica, razdvojenih cezurama. Brzi dijelovi crkvene sonate obično su fuge ili slobodnije koncertne formacije s elementima imitacije, a kasnije se u takvom Allegru mogu kombinirati fuga i koncertna forma. U kamernoj sonati, kao iu orkestarskoj ili klavirskoj sviti, dijelovi su uglavnom tonski zatvoreni i strukturno dovršeni, u njihovim se oblicima može pratiti daljnji razvoj elementarne dvoglasne i troglasne strukture.
Tema zvona, a posebno sarabanda i gavota, obično je homofona, često simetrična; primetni su rudimenti sonatnog oblika. Naprotiv, alemande i svirke se često kreću bez zaustavljanja ili ponavljanja; polifoni elementi su česti u alemandama; svirka je često prožeta duhom koncerta. Dachiesa i dacamera sonate nisu povezane strogom kompozicijskom shemom.
Svi kamerni koncerti počinju uvodom, nakon čega slijede plesni komadi, samo povremeno „zamijenjeni“ sporim uvodima ili koncertnim Allegrom. Crkveni koncerti su svečaniji i ozbiljniji, ali se u njihovim temama s vremena na vrijeme mogu čuti ritmovi svirke, gavota ili menueta. Znatnu zabunu u žanrovskim podjelama ranog 18. vijeka unosi takozvani kamerni koncert, koji nije imao ništa zajedničko sa sonatnom dakamerom nalik suiti i, prema istraživačima, nije nastao u kamernoj, već u crkvenoj muzici. Bolonjske škole.
Riječ je o savremenom i „blizancu“ takozvane italijanske uvertire – troglasnom koncertu Torelija, Albinonija i Vivaldija, čiji nam je udžbenički opis ostavio I.-I. Quantz. Prvi dio “kamernog koncerta” obično je komponovan u četverotaktu, u koncertnoj formi; njen ritornello se trebao odlikovati pompoznošću i polifonim bogatstvom; u budućnosti je bio potreban stalni kontrast briljantnih, herojskih epizoda sa lirskim. Drugi, spori dio bio je namijenjen razbuktavanju i smirivanju strasti, u suprotnosti s prvim u metru i tonu (istoimenski mol, ključevi prvog stepena srodstva, mol dominantan u duru) i dozvoljavao je određenu količinu dekoracija u solističkoj partiji kojoj su bili podređeni svi ostali glasovi.
Konačno, treći stav je opet brz, ali potpuno drugačiji od prvog: mnogo je manje ozbiljan, često plesni, u trotaktnom metru; njen ritornello je kratak i pun vatre, ali ne bez neke koketnosti, generalni lik je živahan i razigran; Umjesto čvrstog polifonog razvoja prvog stavka, dolazi lagana homofonska pratnja. Quantz čak imenuje optimalno trajanje takvog koncerta: prvi dio je 5 minuta, drugi 5-6 minuta, treći 3-4 minute. Od svih ciklusa barokne muzike, trodelni ciklus je bio najstabilnija i figurativno zatvorena forma. Međutim, čak i „otac“ ove forme, Vivaldi, često varira žanrovske vrste pojedinih delova. Tako, na primjer, u Drezdenskom koncertu za dva horna u A-duru (u Vivaldijevim sabranim djelima priredio F. Malipiero - tom XII, br. 48) otvara prvi dio troglasnog ciklusa, dodajući Allegru spori okvir u karakteru francuske uvertire. A u Osmom koncertu iz XI toma Malipijerove zbirke, treći stav, za razliku od Kvancovog opisa, je fuga.
Bach ponekad djeluje na sličan način: u Brandenburškom koncertu br. 2, forma ciklusa “modulira” od trodijelnog do četveroglasnog, crkvenog, zatvorenog fugom. Često se trodijelnom ciklusu dodaju dijelovi posuđeni iz suite, crkvene sonate ili operne uvertira. U Brandenburškom koncertu br. 1 to je menuet i poloneza. A u Koncertu za violinu u F-duru G. F. Telemanna, ritornelo formu prvog stava prati tipičan suiti nastavak: Corsicana, allegrezza („veselost“), scherzo, rondo, poloneza i menuet. Modulacija na nivou ciklusa odvija se kroz zajedničku kariku - Corsicana: u 3/2 je taktu, Unpocograve, ali svojom melodijskom neobičnošću i ugaonošću odvaja od tradicionalnog žanrovskog tipa sporog dijela koncerta. Stoga se može primijetiti povećan značaj „improvizacije“.
U međuvremenu, Quantz je, kao i drugi teoretičari tog vremena, smatrao jednom od najvažnijih svojstava concerto grosa „pametnu mješavinu imitacija u koncertnim glasovima“, kako bi uho privukao jedan ili drugi instrument, ali istovremeno vrijeme bi svi solisti ostali jednaki. Shodno tome, već u Corellijevo vrijeme concerto grosso je bio izložen uticaju svoje braće - solističkih i ripi (bez solista) koncerata. Zauzvrat, u recitalu se ponekad ističu dodatni solisti iz orkestra, na primjer u prvom dijelu koncerta „Proljeće“ op. 8 Vivaldi u prvoj epizodi koja prikazuje pjev ptica, solo violini se pridružuju još dvije violine iz orkestra, a u finalu koncerta uvodi se druga solo violina bez ikakvih likovnih namjera - da obogati teksturu.
Ovaj žanr karakteriše mešavina raznih koncertnih instrumenata, od dva do osam ili čak više. Kvancov sunarodnik, Matteson, smatrao je da je broj delova u concerto grosso prevelik i takve je koncerte uporedio sa stolom postavljenim ne da utoli glad, već radi pompe i impresivnosti. “Svako može pretpostaviti,” zamišljeno dodaje Matteson, “da u takvom sporu između instrumenata... ne nedostaje slika ljubomore i osvetoljubivosti, glumljene zavisti i mržnje.” I Quantz i Matteson potiču iz njemačke koncertogroso tradicije. Schering je ljubav Nijemaca prema mješovitim kompozicijama u ovom žanru povezivao sa tradicijom izvođenja duvačkih instrumenata: još u srednjovjekovnoj Njemačkoj postojao je ceh Stadtpfeifera (gradskih muzičara) koji su svirali u crkvama, na ceremonijama, na vjenčanjima, a također su davali razne signale. sa kula tvrđave ili vijećnice.
Duvački concertino, prema Scheringu, pojavljuje se vrlo rano, gotovo istovremeno sa gudačima. Njegov najpopularniji model bio je i trio od dvije oboe i "bas" unison fagota. Ponekad su oboe bile zamijenjene flautama. Široka upotreba ovakvih kompozicija (uskoro će se pojaviti i dvije trube s timpanskim „basom“) pripisuje se ne samo njihovim akustičnim zaslugama i sličnosti sa gudačkim triom, već i autoritetu Lullyja, koji je 70-ih godina 20. 17. vijek ih je iz francuskih vojnih orkestara prenio u operu. Jukstapozicije troglasnih i petoglasnih – čisto dinamičkih, a ne tembarskih – izvrsno organiziraju i artikuliraju njegove forme. Zapravo, ovo je daljnji razvoj tehnike starog višehorskog koncerta.
Slijedeći primjer Lullyja, Georg Muffat će koristiti odjeke zatvorenih masa u dijelovima svog concertigrossi koji se razvijaju; ovu tehniku neće zanemariti Corelli i njegovi sljedbenici. Međutim, u 18. veku Vivaldi „odbacuje staro shvatanje concertina, koje je zahtevalo stilsko jedinstvo obe zvučne materije, i postavlja novo, živopisno i programsko, diktirano duhom vremena. Ovaj princip je već bio poznat venecijanskim operskim kompozitorima.Torelli i Corelli su ga postepeno razvijali u svojim pastoralnim koncertima "Vivaldi ga je kombinovao sa poezijom solo koncerata." Kao što se često dešavalo u istoriji muzike, šarena programska interpretacija orkestra prešla je u simfonijski stil iz pozorišnog. Zauzvrat, mnoge uvertire operama, oratorijumima i kantatama s početka 18. stoljeća ispadaju kao ciklusi concerto grosso. Jedna od prvih "italijanskih uvertira" - operi "Eraclea" (1700) A. Scarlattija - trodijelni ciklus "Vivaldi".
Princip suprotstavljanja zvučnih masa bio je jedan od temeljnih principa baroknog orkestra i nije bez razloga da se ritornello forma, zasnovana na tim jukstapozicijama, tako dobro uklapa u sve žanrove. Njegov uticaj se može pratiti još u ranim klasicističkim simfonijama (razrjeđivanje teksture u sekundarnom dijelu, tutti invazije – “ritornellos” itd.), u operama Glucka, Rameaua i braće Graun. A simfonije za dva orkestra, čijim su prozivkama dodata poređenja iz njih izdvojenih concertina, napisane su u Italiji još u drugoj polovini 18. veka; u svakodnevnoj i programskoj muzici, polihorane su ponekad koristili Haydn i Mozart.
Sažetak na temu:
Koncert (posao)
Koncert(Italijanski koncert od lat. concertus) - muzička kompozicija pisana za jedan ili više instrumenata, uz orkestarsku pratnju, kako bi se solistima omogućilo da pokažu virtuoznost u izvođenju. Koncert napisan za 2 instrumenta naziva se dvostrukim, a za 3 instrumenta trostrukim. U takvim Koncertima orkestar je od sekundarnog značaja i samo u glumi (tutti) dobija samostalan značaj. Koncert na kojem orkestar ima veliki simfonijski značaj naziva se simfonijskim.
Koncert se obično sastoji od 3 dijela (spoljni dijelovi su u brzom pokretu). U 18. vijeku, simfonija u kojoj su mnogi instrumenti mjestimično svirali solo zvala se concerto grosso. Kasnije se simfonija u kojoj je jedan instrument dobio samostalniji značaj u odnosu na druge počela zvati symphonique concertante, concertirende simfonie.
Reč "koncert", kao naziv muzičke kompozicije, pojavila se u Italiji krajem 16. veka. Koncert u tri dela pojavio se krajem 17. veka. Italijan Arcangelo Corelli smatra se osnivačem ovog oblika Koncerta, iz kojeg se razvio u 18. i 19. veku. K. za različite instrumente. Najpopularniji su koncerti za violinu, violončelo i klavir. Kasnije su koncerte pisali Bach, Mocart, Betoven, Šuman, Mendelson, Čajkovski, Davidov, Rubinštajn, Viotti, Paganini, Vietang, Bruch, Wieniawski, Ernst, Servais, Litolf i drugi.
Koncert male veličine u kojem se dijelovi spajaju naziva se concertina.
Koncert klasične muzike je i javni skup u salama sa posebnom zvučnom akustikom, na kojem se izvode brojna vokalna ili instrumentalna djela. U zavisnosti od programa, Koncert dobija naziv: simfonijski (na kome se izvode uglavnom orkestarska dela), duhovni, istorijski (sastavljen od dela iz različitih epoha). Koncert se naziva i akademijom kada su izvođači, i solo i u orkestru, vrhunski umjetnici.
u Koncertu postoje 2 “takmičarske” dionice između soliste i orkestra, to se može nazvati takmičenjem.
Prilikom pisanja ovog članka korišten je materijal iz Enciklopedijskog rječnika Brockhausa i Efrona (1890-1907).
skinutiOvaj sažetak je zasnovan na članku sa ruske Wikipedije. Sinhronizacija je završena 07/10/11 02:41:54
Slični apstrakti: Instrumentalni rok, Instrumentalni hip-hop, Instrumentalno pojačalo,