Vaše nago telo treba da pripada samo nekome ko voli vašu golu dušu.
Charlie Chaplin
"Prelepe ženske noge okrenule su više od jedne stranice istorije", kažu Francuzi. I u pravu su: na kraju krajeva, nije reč samo o razmerama države. U ličnoj istoriji izuzetnog Španca Francisca Joséa de Goya y Lucientesa , upravo se to dogodilo. Umjetnikovi savremenici koji su znali za njegovu ljubav prema ljubavi i prevrtljivosti, uvjeravali su: sve se promijenilo kada je maestro upoznao prelijepu vojvotkinju Mariju Tereziju Kajetanu del Pilar de Albu, nasljednicu drevne aristokratske porodice. Neki su joj se divili nezemaljsku lepotu, nazvanu kraljicom Madrida, u poređenju sa Venerom, uveravajući: „Svi su želeli njene muškarce Španije!“ "Kada je hodala ulicom, svi su gledali kroz prozore, čak su se i djeca bacala da je pogledaju. Svaka dlaka na njenom tijelu budila je želju", odjekivao im je francuski putnik. Drugi su zavidjeli na ljepoti i bogatstvu, psujući zbog sloboda morala.Ali vojvotkinja je radije ne obraća pažnju na sva ta uzbuđenja.Sama je birala prijatelje i neprijatelje.Naročito ljubavnike, nimalo se ne stideći prisustvom muža.Očigledno muž nije pridavao veliki značaj ženinom ljubavne afere. Stoga je svoj novi hobi kao dvorskog slikara smatrala običnim hirom. Inače, par je zajednički patronizirao Goju, jer se pored turbulentnog ličnog života bavila pokroviteljstvom i dobrotvornim radom... osnova umjetnosti da je Cayetana upoznala Francisca.
Njihova veza izdržala je test vremena i tešku bolest umjetnika, koja je rezultirala gubitkom sluha. Slikao je njene portrete, hvatajući ženu koju voli u različitim uglovima i odjevnim kombinacijama. Jedna od njih - "vojvotkinja Alba u crnom" - prema nekima, jasan dokaz njihove bliske veze. Činjenica je da je nakon restauracije slike, izvršene šezdesetih godina dvadesetog vijeka, na prstenovima ljepotice pronađena gravura s imenima Alba i Goya. Graciozan prst vojvotkinje pokazuje na pijesak, gdje je vidljiv elokventan natpis: "Samo Goya". Smatra se da je autor ovu sliku držao kod kuće “za ličnu upotrebu” i da je nikada nije izlagao. Kao i sama Alba, dvije druge, još pikantnije, rođene su nakon smrti njenog zakonitog muža. Postoji mišljenje da je, nakon što je sahranila muža, „ožalošćena“ udovica otišla da bude tužna na jednom od svojih imanja u Andaluziji. A kako se uopće ne bi osjećala usamljeno, pozvala je Goyu da joj pravi društvo. Tada su napisane “Makha gola” i “Makha odjevena”. (Mahami je u to vrijeme bilo ime za sve koketno odjevene djevojke iz nižih slojeva društva.)
|
|
| Francisco Goya. Auto portret. |
Istina, činjenica da je osoba prikazana na oba platna sama nečuvena vojvotkinja za mnoge je još uvijek pod sumnjom. Vjeruje se da je veličanstvena dama u golom stilu jedna od ljubavnica premijerke kraljice Marie-Louise Manuel Godoy: u njegovoj kolekciji "Machs" se pojavio 1808. Drugi izvori tvrde da je ova slika kolektivna, a samo drugi ne sumnjaju da je Gojina muza Cayetana, koju je naslikao golu kako bi iznervirao kada je shvatio da je Alba strastvena prema drugom. Bilo kako bilo, prikaz aktova u Španiji u 18. veku mogao je da košta života bilo koga drugog: otkrivši platna 1813. godine, moralna policija, koju je predstavljala budna inkvizicija, odmah ih je nazvala „opscenim“. Autor, koji se pojavio pred sudom, poslat je u zatvor, ali nije otkrio ime svog modela. Ko zna kako bi se njegova sudbina razvila da nije bilo zagovora visokog pokrovitelja ...
Alba bi, naravno, cijenila njegov hrabri čin, ali do tada je i sama već dugi niz godina bila u drugom svijetu. Smrt Kajetane, neočekivana za sve, a posebno za Goju, šokirala je Madrid. Vojvotkinja je pronađena u svojoj palati Buena Vista u ljeto 1802. nakon veličanstvenog prijema održanog dan ranije u čast zaruka mlade nećakinje (Alba nije imala vlastite djece). Francisco je bio među gostima. Čuo je Cayetanu kako govori o bojama, priča o najotrovnijim od njih, kako se šali o smrti. A ujutro je glasina proširila tužnu vijest. Tada su se svi koji su lično poznavali vojvotkinju prisjetili njenih riječi da želi umrijeti mlada i lijepa, baš kao što ju je uhvatio Goyin čarobni kist.
Nakon toga u gradu se dugo raspravljalo o uzrocima Albine smrti. Pretpostavljalo se da je otrovana: avaj, ova žena je imala mnogo neprijatelja. Rečeno je i da je sama uzela otrov. Ali za Goju ovo više nije bilo važno. Svoju veličanstvenu voljenu nadživeo je skoro četvrt veka, ponevši sa sobom tajnu "Mahi". Čak ni potomci Albe nisu uspjeli to riješiti. Kako bi zabijelili ime Cayetana, sproveli su istraživanje, nadajući se da će veličinom kostiju dokazati: na platnu je prikazana još jedna dama. Ali u toku "operacije" ispostavilo se samo da je grobnica vojvotkinje više puta otvarana tokom Napoleonove kampanje, pa je stoga takvo ispitivanje apsolutno besmisleno ...
Očaravajućom i neshvatljivom nazivali su je oni koji su prihvatili Dalijeve oduševljene priče o njegovoj muzi, kraljici, boginji - Gali. Manje lakovjerni i danas je smatraju grabežljivom Valkirom koja je osvojila genija. Samo jedna činjenica je van sumnje: misterija koja je okruživala život ove žene nije riješena.
Salvador Dali "Atomska Leda" 1947–1949 Dali teatar-muzej, Figueres, Španija
Otkako ju je umjetnik Salvador Dali prvi put vidio 1929. godine, u njegovoj ličnoj istoriji je započela nova era pod nazivom Gala. Mnogo godina kasnije, maestro je u jednom od svojih autobiografskih romana opisao utiske tog dana. Međutim, riječi ispisane tipografskim slovima na bijelim stranicama knjiga objavljenih u hiljadama primjeraka nisu dočarale ni stoti dio strasti koje su bjesnile u njegovoj duši tog sunčanog dana: „Otišao sam do prozora koji je gledao na plažu. Ona je već bila tamo... Gala, Eluardova žena. Bila je to ona! Prepoznao sam je po golim leđima. Njeno telo je bilo meko kao dete. Linija ramena bila je gotovo savršeno zaobljena, a mišići struka, spolja krhki, bili su atletski napeti, kao kod tinejdžera. Ali oblina donjeg dijela leđa bila je zaista ženstvena. Graciozna kombinacija vitkog, energičnog torza, aspen struka i nježnih bokova učinili su je još poželjnijom. Decenijama kasnije, on se nikad nije umorio od ponavljanja samoj Galji da je ona njegovo božanstvo, Galateja, Gradiva, sveta Elena... A ako pojmovi svetosti i bezgrešnosti nisu bili u korelaciji sa Salvadorovom voljenom, ime Elena imalo je direktan uticaj na nju. . Činjenica je da je tako nazvana pri rođenju. Ali, kako kaže porodična legenda, više puta se prepričavala u biografijama Elene Dyakonove - buduće Madame Dali - djevojčice iz djetinjstva radije se zvala ... Galina.
Tako se predstavila početnom francuskom pjesniku Paulu Eluardu kada ih je slučajnost spojila u jednom od švicarskih ljetovališta. “Oh, Gala!” - kao da je uzviknuo, skraćujući ime i izgovarajući ga na francuski način sa naglaskom na drugom slogu. Njegovom laganom rukom svi su je počeli tako zvati - "proslava, praznik", kako zvuči Gala u prijevodu. Nakon četiri godine dopisivanja i rijetkih susreta, oni su se, protivno želji Paulovih roditelja, vjenčali i čak rodili kćer Cecile. Ali, kao što znate, slobodni moral, koji je osnova porodičnih odnosa, nije najbolji način za spas braka. Prošle su još četiri godine, a u životu bračnog para Eluard pojavio se umjetnik Max Ernest, koji se nastanio u kući supružnika kao službeni Galin ljubavnik. Kažu da niko od njih nije pokušao da sakrije ljubavni trougao. A onda je upoznala Dalija.
"Dečače moj, nećemo se više rastati", jednostavno je rekao Gala Eluard i zauvek ušao u njegov život. "Zahvaljujući svojoj ljubavi bez premca, izliječila me je od... ludila", rekao je, pjevajući na sve načine ime i izgled svoje voljene - u prozi, poeziji, slikarstvu, skulpturi. Razlika od deset godina - prema zvaničnoj verziji ona je rođena 1894., a on 1904. - nije im smetala. Ova žena je za njega postala majka, supruga, ljubavnica - alfa i omega, bez kojih umjetnik više nije mogao zamisliti svoje postojanje. “Gala sam ja”, uvjeravao je sebe i ljude oko sebe, vidjevši u njemu svoj odraz, a djelo je potpisao samo kao “Gala - Salvador Dali”. Teško je reći u čemu je bila tajna njene magične moći nad ovim čovjekom: vjerovatno, on sam nikada nije pokušao analizirati, uranjajući u osjećaje, kao u beskrajno more. Kao što je nemoguće shvatiti ko je ona zapravo i odakle dolazi: podaci koji su i dalje navedeni u svim referencama istraživači su nedavno doveli u pitanje - a za to postoje razlozi. Ali da li je to zaista toliko važno? Uostalom, Gala je mit koji je stvorila Dalijeva mašta i njena vlastita želja da ga sačuva.
Gala je moja jedina muza, moj genije i moj život, bez Gala sam niko.
Salvador Dali
U jednom od desetina svojih golih portreta, umjetnica je svoju voljenu prikazala kao mitsku heroinu, udahnuvši novo značenje priči staroj poput svijeta. Tako je nastala njegova "Atomska Leda".
Prema legendi, Leda, ćerka kralja Testija, bila je udata za vladara Sparte, Tindareja. Opčinjen njenom lepotom, Zevs je zaveo ženu, spustivši se do nje u obliku ... Labuda. Rodila je blizance Kastora i Polideuka i kćer, prelijepu Helenu, poznatu kao Helena od Troje. Takvim poređenjem, mađioničar Dali podsjetio je druge na nezemaljski šarm svoje voljene Gala Elene: sam Salvador ni na minut nije sumnjao u ekskluzivnost njenih vanjskih podataka, smatrajući svoju ženu najljepšom među smrtnicima. Vjerovatno je zbog toga ovaj Galini portret, koji je bio broj jedan, u skladu sa „božanskom proporcijom“ napravio Fra Luca Paccoli, a matematičar Matila Ghica je po želji majstora napravio neke proračune za sliku. Za razliku od onih koji su smatrali da su egzaktne nauke izvan umjetničkog konteksta, Dali je bio siguran da svako značajno umjetničko djelo treba biti zasnovano na kompoziciji, a time i na proračunu. Vrijedi napomenuti da je skrupulozno provjerio ne samo omjer objekata na platnu, već i unutrašnji sadržaj crteža, prikazujući strast u skladu s modernom teorijom ... "beskontaktnosti" unutaratomske fizike. Njegova Leda ne dotiče Labuda, ne naslanja se na sjedalo koje lebdi u zraku: sve leti iznad mora, koje ne dolazi u dodir s obalom... „Atomska Leda“ je završena 1949. godine, uzdižući Gala, prema Dalija, do nivoa „boginje moje metafizike“. Nakon toga, nikada nije propustio priliku da objavi njenu izuzetnu ulogu u svom životu.
Međutim, u godinama na padu, njihova veza se zahladnila. Gala je odlučila da se nastani odvojeno, te joj je dao dvorac u španskom selu Pubol, koji se nije usudio posjetiti bez prethodne pismene dozvole svoje supruge. A u godini kada je umrla, umro je i Dali: iako je nakon njenog odlaska ostao na Zemlji dugih sedam godina, postojanje je izgubilo smisao, jer je praznik njegovog života bio završen.
Karl Brjulov "Bathsheba" 1832 Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Priča o zamršenosti sudbine šarmantne Batšebe vekovima je privlačila pažnju istoričara, pesnika, pa čak i astronoma: u njenu čast je nazvan asteroid. Na ovaj ili onaj način, ali izvanredni vanjski podaci postali su uzrok svih tuga i radosti za nju. Neki su optuživali Bat-Šebu za nedostojno ponašanje, drugi su smatrali da je jedini zločin ove žene samo to što je bila neprihvatljivo lijepa.
I počela je ova priča, koja je potpuno promijenila život heroine, oko 900. godine prije Krista... a ta žena je bila veoma lepa. I David je poslao da sazna ko je ta žena. A oni mu rekoše: Ovo je Bat-Šeba, kći Eliamova, žena Urije Hetita. David je poslao sluge da je uzmu; i došla je k njemu ... ”- ovako Knjiga knjiga opisuje trenutak njihovog poznanstva. Kao što vidite, kralja nije postidjela vijest da je osoba koja mu se sviđa udata za njegovog zapovjednika. Kakva su osećanja obuzimala samu Bat-Šebu, istorija ćuti. Da bi eliminisao njenog muža, David je naredio „da se Urija stavi tamo gde će biti najjača bitka, i povući se od njega kako bi bio oboren i umro“. Ne pre rečeno nego učinjeno. Ubrzo je ambasador obavijestio Davida da je njegova volja izvršena. To znači da ga ništa više ne sprečava da uzme Bat-Šebu za svoju zakonitu ženu.
Nakon termina, rodila je sina kralju. Razboriti vladar je sve proračunao, pažljivo krčeći put ka bračnoj sreći. Nisam uzeo u obzir samo jedno: kršenje zapovesti je za sobom povlačilo kaznu. On i njegova voljena su u potpunosti odgovarali za svoje grijehe - njihov prvenac je živio samo nekoliko dana. Drugi nasljednik para bio je Solomon, čije ime je povezano sa mnogim mitovima i legendama. Ali to je sasvim druga priča.
Zaplet nisu zanemarili ni slikari, koji su na svaki način pobijedili sudbonosni trenutak za ženu. Među njima je i "Veliki Karl", kako su Brjulova zvali njegovi savremenici. Istina, majstora "svjetlosti i zraka" nije privukla toliko biblijska pripovijest koliko prilika da pokaže svoj "ukrasni dar". Osvijetljena silueta, voda na ljupkim stopalima, jedva primjetan vilin konjic sa prozirnim krilima kraj ruke... “Lik crnog sluge odaje mramornu bjelinu kože, unoseći u sliku blagi dašak erotike”, umjetnost o njoj pišu istoričari. I zapamtite senzualnost...
Postoji pretpostavka da je model za ovo platno, koje je ostalo nedovršeno, bila prelijepa ljubavnica umjetnice Julije Samoilove, šokantne grofice, o njoj nema manje legendi nego o učesnicima ovog istorijskog epa. „Boj se nje, Carl! Ova žena nije kao ostale. Ona ne mijenja samo veze, već i palate u kojima živi. Ali slažem se, a vi ćete se složiti da možete poludjeti s njom “, kažu, pa je princ Gagarin, u čijoj se kući dogodilo poznanstvo, upozorio Brjulova: on ima posla s vatrom. Međutim, plamen Julije Pavlovne, koji je spalio srca drugih, u slučaju Karla pokazao se životvornim. Tokom godina, podržavali su jedno drugo, ostajući, između ostalog, bliski prijatelji. „Volim te više nego što znam da objasnim, grlim te i biću ti iskreno odan do groba. Julia Samoilova” - takve je poruke ekscentrični milioner slao “dragom Brishki” iz različitih zemalja gdje je i sam bio u tom trenutku. I dao je vječnosti izgled svoje voljene, obdarivši je crtama najljepših žena na svojim brojnim platnima. Možda je samo Samoilova uspjela obuzdati oštar, nagli temperament maestra - za njega, čini se, nije bilo drugih zakona. “Iza pojave mladog helenskog boga, postojao je kosmos u kojem su se miješali neprijateljski principi koji su ili eruptirali vulkanom strasti, ili preliveni slatkim sjajem. Bio je sav strastven, ništa nije radio mirno, kao obični ljudi. Kada su strasti uzavrele u njemu, njihova eksplozija je bila strašna, a ko god je stajao bliže dobijao je više “, napisao je savremenik o Brjulovu. Sam Karl nije mario za ono što se govori o liku, jer njegov talenat nije bio sporan.
Inače, gospođa Samoilova jedna je od rijetkih koja ga je podržala u trenutku očaja, kada se, nakon apsurdnog braka, četrdesetogodišnji umjetnik našao u centru pažnje i neljubazne radoznalosti svih. Osamnaestogodišnja Emilia Timm, kćerka gradonačelnika Rige, postala mu je supruga. “Strasno sam se zaljubio... Roditelji mladenke, posebno otac, odmah su skovali plan da me oženi sa njom... Djevojka je igrala ulogu ljubavnika tako vješto da nisam sumnjao na prevaru...” - kasnije je rekao. A onda su me „oklevetali u javnosti...“ Pravi razlog „svađe“ sa novopečenom suprugom bila je prljava priča u koju je ona bila umešana. “Toliko sam osjećao svoju nesreću, svoju sramotu, uništenje mojih nada u kućnu sreću... da sam se bojao izgubiti razum”, napisao je o posljedicama braka koji je trajao samo nekoliko mjeseci. U tom trenutku Julija se učini da još jednom otrgne Brišku od sumornih misli i uvuče je u vrtlog balova i maskenbala koje je grof Slavjanka priredio na svom voljenom imanju. Kasnije je prodala "Slavjanku" i krenula u novu ljubav i nove avanture. Bryullov se takođe nije dugo zadržao u svojoj domovini: Poljskoj, Engleskoj, Belgiji, Španiji, Italiji - mnogo je putovao i slikao, slikao, slikao... Tokom sledećeg putovanja, umro je - u gradu Manziana kod Rima.
Julija je preživjela Karla za dvadeset i tri godine, sahranila dva muža - bivšu ženu grofa Nikolaja Samoilova i mladog pjevača Perija. “Očevici koji su je viđali u ovom periodu njenog života rekli su da joj je udovička tugovanja jako pristajala, naglašavajući njenu ljepotu, ali je ona to iskoristila na vrlo originalan način. Na najdužem lancu žalobne haljine Samoilova je posadila djecu, a ona je sama ... kotrljala djecu smijući se od oduševljenja po parketima ogledala njihovih palata. Nešto kasnije, ponovo se udala.
Nije poznato šta je legendarna ljepotica Virsavia obećala nebu ili ljudima, čije se ime prevodi kao "kći zakletve", ali možemo s povjerenjem reći: Julia Samoilova, u mladosti, obećala je sebi da neće klonuti duhom i zadržao ga.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn “Danaë” 1636 Ermitaž, Sankt Peterburg
Vekovima je drevna grčka lepotica Danae privlačila pažnju umetnika. Nije ostao po strani ni Holanđanin Rembrandt van Rijn koji je mitsku princezu obdario crtama dvije svoje omiljene žene odjednom.
Ova priča počela je u antičko doba, kada su drevni grčki bogovi u svemu bili slični ljudima i lako su komunicirali s njima, a ponekad čak i započinjali romantične veze. Istina, često su je, uživajući u čarima zemaljske čarobnice, ostavljali na milost i nemilost, vraćajući se na vrh Olimpa, kako bi, okruženi božanskim prijateljima, zauvijek zaboravili na svoju prolaznu strast. Upravo to se dogodilo Danai, kćeri kralja Argosa Akrizija.
Nakon toga, najtalentovaniji muškarci smatrali su svojom dužnošću da ispričaju svijetu o usponima i padovima njenog života: dramaturzi Eshil, Sofokle, Euripid posvetili su joj drame i tragedije, pa čak i Homer koji se spominje u Ilijadi. I Tizian, Correggio, Tintoretto, Klimt i drugi slikari prikazani na svojim platnima. I nije ni čudo: nemoguće je biti ravnodušan prema sudbini djevojke koja je postala žrtva sudbine. Činjenica je da je jednom proročište predskazalo smrt njenog oca od ruke njegovog unuka - sina kojeg će Danae roditi. Da bi se zaštitio, Akrizije je sve uzeo pod strogu kontrolu: naredio je da se njegova kćerka zatvori u tamnicu i dodijelio joj služavku. Razboriti kralj je uzeo u obzir sve, osim jedne stvari - da se u nju neće zaljubiti ne običan smrtnik, već sam Zevs - glavni od olimpijskih bogova, za kojeg su se sve prepreke ispostavile kao ništa. Poprimio je oblik zlatne kiše i kroz malu rupu ušao u prostoriju... Trenutak njegove posjete bio je najatraktivniji trenutak u ovoj zamršenoj priči za umjetnike. Rezultat susreta Zevsa i Danaje bio je Persejev sin, čija je tajna rođenja ubrzo otkrivena: deda Akrisije je čuo plač koji je dopirao iz podzemnih odaja... Zatim je naredio da svoju ćerku i bebu stave u bure i bace u njih. otvoreno more... Ali to mu nije pomoglo da izbjegne predviđanje: Persej je odrastao, vratio se u svoju domovinu i, učestvujući u takmičenju u bacanju diska, slučajno ih je spustio u Akriziju... "Fatum..." - svjedoci incident je uzdahnuo. Kad bi samo znali da sudbina samog „Danaëa“, rođenog kistom Rembranta, ne bi bila ništa manje dramatična!..
|
|
| Portret Rembrandta Harmensza van Rijna. 1648 |
“Koja od slika u vašoj kolekciji je najvrednija?” Kažu da se upravo ovim pitanjem jedan posetilac obratio čuvaru jedne od sala Ermitaža ujutru 15. juna 1985. godine. “Danae” od Rembrandta”, odgovorila je žena, pokazujući na platno na kojem je prikazana luksuzna gola dama. Kada je i kako muškarac izvukao flašu i poprskao tečnost na sliku, ona nije znala: sve se dogodilo iznenada. Zaposleni koji su dotrčali na vrisak vidjeli su samo kako je boja bubnjala i promijenila boju: ispostavilo se da je tekućina sumporna kiselina. Osim toga, počinitelj je uspio dva puta ubosti sliku... Činjenica da je 48-godišnji Litvanac Bronyus Maigis kasnije prepoznat kao psihički neuravnotežen i poslat na liječenje nije ublažila težinu njegovog zločina. „Kada sam je prvi put video tokom restauracije, nisam mogao da zadržim suze“, priznao je direktor Ermitaža Mihail Pjotrovski. - Uglavnom zato što je to bio drugačiji „Danae“. Iako je nakon restauracije, koja je trajala dvanaest godina, platno vraćeno u muzej, 27 posto slike moralo se u potpunosti rekreirati: cijeli fragmenti, izrađeni maestrovim kistom, nepovratno su izgubljeni. Ali upravo je ovaj portret naslikao s posebnom ljubavlju: obožavana žena, njegova supruga Saskia, poslužila mu je kao model. Njihov brak trajao je nešto više od osam godina: rodivši mužu četvoro djece, od kojih je samo jedno preživjelo - Titus - umrla je. Nekoliko godina kasnije, Rembrandt se zainteresovao za guvernantu svog sina Gertiera Dirksa. Pretpostavlja se da je „Danae“ zbog njenog zadovoljstva dobila nove crte koje su preživjele do danas: promijenilo se lice i držanje, nestao je „protagonist“ radnje, zlatna kiša. Ali ova okolnost otkrivena je tek sredinom 20. stoljeća, kada je uz pomoć fluoroskopije ispod sloja boje pronađena ranija slika Saskije. Tako je umjetnik spojio portrete obje žene. Međutim, ovaj priklon Gertieru nije pomogao u spašavanju odnosa s njom: ubrzo je pokrenula tužbu protiv Rembrandta, optužujući ga da je prekršio bračnu obavezu (navodno, suprotno obećanjima, nije je oženio). Vjeruje se da je pravi razlog raskida bio mladi Hendrikje Stoffels, njegova nova sluškinja i ljubavnica. Do tada su poslovi nekada uspješnog, popularnog i bogatog slikara krenuli po zlu: bilo je manje narudžbi, bogatstvo se istopilo, kuća je prodata za dugove. "Danae" je ostala kod njega do prodaje 1656. godine, tada joj se gubi trag...
Gubitak je otkriven tek u 18. stoljeću - u kolekciji poznatog francuskog kolekcionara Pierrea Crozata. Nakon njegove smrti 1740. godine, nju je, zajedno s drugim remek-djelima, naslijedio jedan od trojice nećaka poznavaoca umjetnosti. A onda ga je, po savjetu filozofa Denisa Didroa, nabavila ruska carica Katarina II, koja je u to vrijeme birala slike za Ermitaž.
"Bio je ekscentrik prve klase koji je prezirao sve... Zauzet poslom, ne bi pristao da prihvati prvog monarha na svijetu i morao bi otići", napisao je Italijan Baldinucci o Rembrandtu, čije se ime sačuvan u istoriji samo zato što je postao biograf „ekscentričnog” Rembranta.
Amedeo Modigliani „Nag sedeći na sofi“ („Lepa Rimljanka“), 1917, Privatna kolekcija
Ova slika, izložena pre skoro jednog veka u jednoj od pariskih galerija, pored ostalih Modiljanijevih radova na kojima su prikazane nage lepotice, izazvala je veliki skandal. A 2010. godine postao je jedan od najskupljih lotova najprestižnije aukcije.
"Naređujem vam da odmah skinete svo ovo sranje!" - ovim riječima komesar Ruso je upoznao čuvenu galeristku Bertu Weil, koju je pozvao u stanicu 3. decembra 1917. "Ali ima stručnjaka koji ne dijele vaše mišljenje", primijetio je Berta, u čijoj je galeriji prije nekoliko sati otvorena je prva izložba tridesettrogodišnjeg Amedea Modiglianija i već je Leopold Zborowski, Poljak, Modijev prijatelj i otkrivač, koji je postao Modijev novi umjetnički agent i inicijator ovog vernisaža, računao na to kao na glavni mamac za posjetitelje : koliko god bila golotinja, ono što Leo nije uzeo u obzir je da se u kući preko puta nalazi policijska stanica i da bi njene stanare jako zanimao razlog tolike gužve. „Ako odmah ne poslušate moje naređenje , narediću svojim policajcima da sve zaplene!" — ogorčeno je vikao komesar, dok je Berta, s mukom suzbijajući osmeh, pomislila: „Kakva idila: svaki policajac sa lepim aktom u rukama!“ Međutim, nije se usudila raspravljati i odmah je zatvorila galeriju, a tamošnji gosti su joj pomogli da skine sa zidova „opscena“ platna. Poznavaoci slikarstva prepoznali su ih kao remek-djela i nazvali ih „trijumfom golotinje“. Međutim, već tada ceo Pariz je počeo da priča o izložbi, a pojedini francuski i strani kolekcionari su se ozbiljno zainteresovali za rad „skitnice beskućnika” Dodoa, kako su ga zvali njegovi poznanici.
Iako se radi poštenja, mora se reći da do tada nije bio beskućnik: u ljeto 1917. Amedeo i njegova voljena mlada umjetnica Jeanne Hebuterne, koju je upoznao neposredno prije opisanih događaja, iznajmili su mali stan - dvije prazne sobe. "Čekam jedinu koja će postati moja večna ljubav i koja mi često dođe u snu", priznao je umetnik jednom od svojih prijatelja. Oni koji su lično poznavali Modija rekli su da su se nakon susreta sa Jeanne, san i stvarnost za Amedea spojili. Portret u šeširu, na pozadini vrata, u žutom džemperu - bilo je više od dvadeset platna sa njenim likom za četiri godine zajedničkog života. Sam Dodo ih je nazvao "izjavama ljubavi na platnu". "Ona je idealan model, zna da sedi kao jabuka - bez pomeranja i koliko god mi treba", napisao je bratu.
Jeanne se zaljubila u Amedea zbog onoga što je bio - bučan, neobuzdan, tužan, bezobziran, nemiran - i rezignirano ga je pratila gdje god je pozvao. Kao što je kasnije, bez oklijevanja, Modi prihvatio svaku odluku: da li da slika tri tuceta golih čarobnica, ostajući sa svakom od njih licem u lice danima? Dakle, neophodno je! „Zamislite samo šta se dogodilo damama kada su ugledale zgodnog Modiljanija kako šeta Bulevarom Monparnas sa skicerom pri ruci, obučen u sivo odelo od velura sa palisadom šarenih olovaka koje vire iz svakog džepa, sa crvenim šalom i veliki crni šešir. Ne znam ni jednu ženu koja bi odbila da dođe u njegov atelje“, priseća se Lunija Čehovska, prijateljica slikara. Oni su poslužili kao modeli za nečuvenu izložbu.
Kasnije se Amedeo više puta vraćao svojoj omiljenoj temi - portretima prijatelja i nasumičnih modela koji su mu pozirali u Evinim kostimima - zbog strasti zbog koje su ga građani grdili. Ali on tome nije pridavao nikakvu važnost, jer se i samom Modiju činilo: očito je da ga nije privukla površina „tjelesne strukture“, već njen unutrašnji sklad. Može li ljepota biti besramna? Inače, po tom osnovu Dodo je imao sukob sa starijim genijem Augustom Renoirom, koji se kao majstor obavezao da da savjet mladom kolegi: „Kada slikaš golu ženu, moraš... nježno, nježno četkajte platno, kao da milujete.” Na šta je Modiljani planuo i, oštro govoreći o starčevoj sladostrasnosti, otišao bez pozdrava.
O „jedinstvenom mučnom iskušenju” i „erotičnom sadržaju” njegovih slika biće reči kasnije, kada pevač golog mesa više ne bude živ. Otprativši autora u drugi svijet, zahvalni potomci će konačno vidjeti djela "jadnog Dodoa" i početi ih procjenjivati u milionima dolara, ugovarajući aukcijske bitke za pravo da plate više od konkurenata. Sličnu pomutnju izazvala je i “Sjedeća gola na sofi” (“Lepa Rimljanka”). Postavljena je na prodaju u Njujorku 2. novembra 2010. na čuvenom Sotheby's-u i ušla u privatnu kolekciju za skoro šezdeset devet miliona dolara, "postavivši apsolutni rekord u ceni". “Ime novog vlasnika se, kao i obično, ne oglašava
„Zašto ne pokušate nekako da utičete na njega, jer on umire od pijanstva, od progresivne tuberkuloze?“ jedan od bliskih prijatelja para upitao je Hebuterna, shvativši koliko je Amedeo bolestan. “Modi zna da mora umrijeti. To će biti bolje za njega. Čim umre, svi će shvatiti da je genije”, odgovorila je ona. Dan nakon Modiglianijeve smrti, Jeanne ga je pratila u vječnost, iskoračivši kroz prozor. A neki od onih koji su došli da se oproste od umjetnika i njegove muze prisjetili su se riječi majstora: "Sreća je lijep anđeo tužnog lica." etsya”, - suvo su prenijeli mediji, prateći elitne trgovine.
Pierre Auguste Renoir Nude 1876 Puškinov državni muzej likovnih umjetnosti, Moskva
“Pjevačica žena, golotinja, vladar ženskog kraljevstva” - tako je jedan od biografa nazvao umjetnika zbog njegove virtuozne sposobnosti da golotinju prenese na platno. Međutim, maestrova omiljena tema nije bila po ukusu svih njegovih savremenika.
„Još nisam znao da hodam, ali sam već voleo da slikam dame“, često je ponavljao Ogist. „Ako je Renoir rekao: „Volim žene“, u ovoj izjavi nije bilo ni najmanjeg zaigranog nagoveštaja, koji su ljudi počeli da stavio u reč "ljubav" XIX vek. Žene sve odlično razumeju. Sa njima svet postaje veoma jednostavan. One sve dovode do prave suštine i dobro znaju da njihov veš nije ništa manje važan od ustava Nemačke imperije. Uz njih se osjećate sigurnije! Nije mu bilo teško dati mi predstavu o udobnosti i slatkoći toplog gnijezda njegovog djetinjstva: i sam sam odrastao u istom ljubaznom okruženju “, napisao je poznati francuski režiser Jean Renoir u svoje memoare o ocu, uvjeravajući da je njegovo bogato ljubavno iskustvo dovelo njegovog oca do toga da je na kraju života stvorio svoj originalni “koncept ljubavi”. Njegova suština se svodila na sljedeće: “Radiš gluposti dok si mlad. Nije im bitno ako ne snosiš nikakve obaveze."
Renoir stariji je znao šta govori: i sam se prvi put oženio sa četrdeset devet godina i od tada je, prema pričama rođaka, postao najuzorniji muž i brižni otac trojice sinova, koje je njegova voljena žena Alina Sherigo je rodila. Kada su se upoznali, djevojka je imala nešto više od dvadeset godina, a umjetnik se pripremao da proslavi svoj četrdeseti rođendan. Zgodna krojačica Alina, koju je svakodnevno sretao u kafiću u blizini svoje kuće, pokazala se apsolutno po njegovom ukusu: svježa mlada koža, rumeni obrazi, blistave oči, lijepa kosa, sočne usne. I iako Sherigo nije razumio slikarstvo, a sam maestro nije bio ni bogat ni zgodan, osim toga, morala je čekati skoro deset godina na zvaničnu ponudu, to nije spriječilo ljepoticu da u njemu vidi svog budućeg muža - jednog i jedinog . A da bi sam Renoir u njoj pronašao ne samo odanu ženu, već i najbolji model na svijetu - često je pozirala Augusteu, priznajući: "Ništa nisam razumjela, ali sam volio gledati kako piše." “Renoira su privlačile žene mačjeg tipa. Alina Sherigo je bila savršenstvo u ovom žanru”, napisao je njihov sin Jean. A mizoginik Edgar Degas, vidjevši je na jednoj od izložbi, rekao je da izgleda kao kraljica koja posjećuje lutajuće akrobate.
Model mora biti tu da me raspali, da me natjera da izmišljam stvari koje mi bez njega ne bi pale na pamet, da me drži u redu ako se previše zanesem.
Pierre Auguste Renoir
“Žao mi je muškaraca koji osvajaju žene. Imaju težak posao! Danonoćno dežurstvo. Poznavao sam umjetnike koji nisu stvarali ništa vrijedno pažnje: umjesto da slikaju dame, oni su ih zavodili - požalio se jednom staloženi Renoir svojim kolegama. O tome kakav je odnos imao u mladosti sa brojnim Paletama, Cosettes, Georgettes, radije je šutio. Ipak, upravo su oni ti koji su, neopterećeni pretjeranom skrupuloznošću stanovnika Monmartra, često pozirali slikaru. Jednu od njih - Annu Leber - u svoj atelje doveo je prijatelj i nakon nekog vremena lako je prepoznao poznate crte na slici "Akt na suncu": umjetnik je ovo platno izložio na drugoj izložbi impresionista. Neki istoričari umjetnosti vjeruju da je Ana postala model za čuveni "Akt" - zovu je i "Kupačica", a zbog posebne reprodukcije boja i "Biser". Ako su pretpostavke stručnjaka tačne, onda se sudbina ove luksuzne žene "u samom soku" pokazala nezavidnom: oboljevši od malih boginja, umrla je u vrhuncu života i ljepote ...
Međutim, 1876. godine, ni Ana ni Auguste, koji još nisu upoznali Alinu, nisu znali šta ih čeka u budućnosti. Stoga je mogao bez oklijevanja danju i noću da zaviri u obline linija njenog tijela kako bi portretu (tako se ovo djelo zove) dao opipljivost. Nije ni čudo što je bio iskren: „Nastavljam da radim na aktovima dok mi se ne dođe da uštinem platno.“
Inače, "slikovite simfonije" i "remek-djelo impresionizma", koje uključuje i "Akt", njegove slike počele su se nazivati tek godinama kasnije. Na vernisažu tih godina, likovni kritičar Albert Wolff, ugledavši jedan od Renoirovih aktova, na stranicama Figaro novina uletio je u ljutitu tiradu: „Inspirirajte gospodina Renoira da žensko tijelo nije gomila raspadnutog mesa sa zelenilom. i ljubičaste mrlje koje ukazuju da se leš već raspada punom brzinom!” Sam majstor, obdaren sretnom crtom karaktera da svijet percipira svijetlim bojama, nije pridavao veliku važnost svom napadu i nastavio je pisati na svoj način na radost obožavatelja - sadašnjih i budućih. Zaista, osim ljubavi prema porodici, samo je jedna strast posjedovala njegovu dušu do kraja njegovih dana - slikarstvo. Čak i kada mu zbog bolesti prsti nisu mogli držati četkicu, nastavio je da crta, vezujući ga za ruku.
“Danas sam nešto naučio!” - kažu da je sedamdesetosmogodišnji Renoar izgovorio ove reči pre nego što je krenuo na svoje poslednje putovanje - da upozna svoju obožavanu Alinu, koja je četiri godine ranije otišla na drugi svet.
Diego Velázquez Venera sa ogledalom (Venus Rokeby) 1647-1651 Nacionalna galerija, London
Savremenici Diega Velasqueza smatrali su ga miljenikom sudbine: umjetnik je imao ne samo sreću u svim svojim nastojanjima, već je imao i sreću da izbjegne vatru Inkvizicije za prikazivanje ženske golotinje. Ali njegovo skandalozno platno nije uspjelo izbjeći "odmazdu"...
"Gdje je slika?" - uzviknuo je francuski romantičarski pjesnik Theophile Gauthier, diveći se jednoj od slika Španca Diega Rodrigueza de Silva y Velazqueza. A papa Inocent X je primijetio: "Previše istinito." Međutim, hrabrost i sposobnost da se ne uljepšava stvarnost, koja je na kraju postala zaštitni znak Majstora, nije se svima dopalo: pratnja kralja Filipa IV, koji je cijenio božanski dar Diega, smatrala ga je arogantnim i narcisoidnim izdojom. Ali Velazquez, strastven prema njegovoj umjetnosti, nije trošio svoju energiju na sporove riječi, zbog čega je kvalitet rada samo pobeđivao, a njegovo obrazovanje se divilo. Na primjer, jedan od biografa, Antonio Palomino, napisao je da se Diego još u svojim mlađim godinama „započinjao proučavanjem belles-lettresa i znanjem jezika i filozofija je nadmašila mnoge ljude svog vremena." Već prvi portret, za koji se moćnom dvorjanu i vojvodi de Olivaresu, rodom iz Seville, vladar toliko dopao da je ponudio dvadeset četiri ehletny Velasquez da postane dvorski slikar. I on je, naravno, pristao. Ubrzo su između njih uspostavljeni prijateljski odnosi. Slikar i teoretičar umjetnosti Francisco Pacheco, čiji je učenik Diego bio u mladosti, kasnije je napisao da se „ispostavilo da je veliki monarh bio iznenađujuće velikodušan i podržavao Velasqueza. Umjetnikov atelje nalazio se u kraljevskim stanovima, gdje je postavljena stolica za Njegovo Veličanstvo. Kralj, koji je imao ključ, dolazio je ovamo skoro svaki dan da nadgleda radove.” Kako je Pacheco reagovao na činjenicu da je njegov talentovani štićenik od tada počeo da napušta porodicu na duže vreme, odlazeći u druge zemlje kao dvorjanin, istorija ćuti. Iako se vrlo malo zna o Velaskezovoj supruzi Huan Mirandi – neosporna je samo činjenica da je ona bila Pachecova ćerka. Huana je svom mužu dala kćerke Franciscu i Ignaciu. Inače, Francisca je ponovila sudbinu svoje majke - udala se i za očevog omiljenog učenika, Huana Batistu del Maza. Istina, u životima voljenih, očigledno, Diego je sudjelovao mnogo manje nego u državnim poslovima.
„Izuzetno obrazovan i lepo vaspitan čovek koji je imao osećaj za sopstveno dostojanstvo“, rekao je o njemu venecijanski umetnik i pisac Marko Boskini. Takav glasnik bio je odličan predstavnik španjolskog dvora izvan svoje domovine. Iako je Filip nevoljko pustio svog ljubimca, Velasquez je imao priliku više puta otići na duga putovanja u inostranstvo. Prvi put je otišao na put u Italiju 1629. godine i sa divljenjem otkrio cijeli svijet italijanskog slikarstva. Drugo putovanje u ovu zemlju trajalo je od 1648. do 1650. godine: u ime Filipa, Diego se bavio odabirom umjetničkih djela za kraljevsku kolekciju. Vjeruje se da je s ovim putovanjem povezana pojava jedne od najpoznatijih i najnevjerovatnijih Velaskezovih slika: slike velikih Italijana Michelangela, Tiziana, Giorgionea, Tintoretta inspirisale su stvaranje "besramnog" remek-djela, koje je navodno uhvatilo čari. nagih mitskih ljepota sa njihovom urođenom hrabrošću.
“Venera i Kupidon”, “Venera sa ogledalom”, “Venera Rokbi” - čim se platno vekovima naziva! Ali njegova jedinstvenost nije samo u umijeću autora: ovo je jedini sačuvani Velaskezov akt. Kao što znate, veliki inkvizitori, čija su okrutnost i beskompromisni odnos prema onima koji su kršili zakone koje su oni uspostavili, stekli na glasu, smatrali su takve slobode neprihvatljivim. „Stvarajući raskošne gole figure na platnu, slikari postaju đavolji vodiči, opskrbljuju ga sljedbenicima i naseljavaju carstvo pakla“, rekao je jedan od gorljivih propovjednika vjere, Jose de Jesus Maria. U ovom slučaju, ljepota - sa ili bez ogledala - bila je najbolja ilustracija onoga što je rečeno. I Diego bi izgorio, ako ne u paklu, onda svakako na lomači, da svi učesnici "zločina" ne skrivaju sve što se tiče ove slike. Moguće je da je najviše pokroviteljstvo spasilo svog tvorca od kazne. Pretpostavlja se da je djelo naručio jedan od najplemenitijih ljudi u Španjolskoj, a prvi spomen o njemu datira iz 1651. godine: otkriveno je prilikom inventara zbirke rođaka utjecajnog Olivaresa, markiza del Carpija. O tome koja je od dama služila kao model, i dalje se svađaju. Prema jednoj verziji, Dijegu je pozirala poznata madridska glumica i plesačica Damiana, koja je bila markizova ljubavnica, strastveni kolekcionar, poznavalac umetnosti i lepih žena. Prema drugoj pretpostavci, Italijanka je svoje tijelo dala Veneri. Možda je Velasquezov tajni ljubavnik postao ona: kažu da se romansa zaista dogodila, što navodno ima dokaza. Kao i dokaz da je umjetnik ubrzo nakon odlaska u Španjolsku dobio sina, za čije je izdržavanje Diego slao sredstva.
I ovo nije posljednja misterija Venere. Ljubitelji misticizma uvjeravaju: svaki sljedeći vlasnik je bankrotirao i bio primoran da sliku stavi na prodaju. Tako je lutala iz ruke u ruku sve dok se nije našla na engleskom imanju Rokeby Park, u Jorkširu, koje joj je dalo jedno od imena. A 1906. Nacionalna galerija u Londonu nabavila je sliku: 10. marta 1914. dogodila se sljedeća priča...
Gdje je slika? Sve izgleda stvarno na vašoj slici, kao u ogledalu.
Francisco de Quevedo
U salu u kojoj se nalazilo platno ušla je neupadljiva djevojka. Približavajući se remek-djelu, izvukla je nož iz nedra i, prije nego što su je stražari uspjeli zaustaviti, zadala je sedam udaraca. Tokom istrage, Meri Ričardson je svoj čin objasnila na sledeći način: "Venera sa ogledalom" postala je predmet žudnje muškaraca. Ovi seksisti je gledaju kao pornografsku razglednicu. Žene svijeta su mi zahvalne što sam tome stao na kraj!” Kasnije se ispostavilo da je gospođica Richardson bila sufražetkinja - članica pokreta za davanje prava glasa dama. I na tako neoriginan način pokušala je da skrene pažnju javnosti na sudbinu Emeline Pankhurst, šefice ovog pokreta, koja je ponovo bila u zatvoru, gde je štrajkovala glađu.
I “Venera” je restaurirana: tri mjeseca kasnije vratila se u galeriju. I tamo se, kao i pre nekoliko vekova, divi svom odrazu.
Edouard Manet "Olympia" 1863 Musée d'Orsay, Pariz
Ova slika, naslikana prije tačno 150 godina, danas se smatra remek djelom impresionizma, a mnogi kolekcionari sanjaju da je imaju u svojoj kolekciji. Međutim, njeno prvo pojavljivanje na autoritativnom vernisažu u 19. veku izazvalo je jedan od najglasnijih skandala u istoriji umetnosti.
Vjerovatno očekujući ne najbolji prijem, Edouard Manet nije žurio da izloži svoj rad javnosti. Zaista, iste 1863. već je uspio da se istakne predstavivši žiriju "Doručak na travi", koji je odmah bio izopćen: njegov model optužen je za vulgarnost, nazivajući ga golom uličarkom, besramno smještenom između dva kicoša. Sam autor je optužen za nemoral i od njega se nije očekivalo ništa vrijedno. Ali prijatelji, među kojima je bio i poznati francuski pjesnik i kritičar Charles Baudelaire, uvjerili su majstora da mu nova kreacija neće biti jednaka. A pjesnik Zachary Astruc, diveći se Veneri (smatra se da je djelo napisano pod utjecajem Tizianove “Venere iz Urbina” i izvorno je nosilo ime boginje ljubavi), odmah je nazvao prelijepu Olimpiju i posvetio pjesmu “Kćer ostrva”. Linije s njega stavljene su ispod platna, kada je dvije godine kasnije, 1865. godine, Manet ipak odlučio da ga prikaže na izložbi Pariskog salona - jednoj od najprestižnijih u Francuskoj. Ali šta je ovde počelo!
„Čim se Olimpija probudi iz sna,
Crni vjesnik s gomilom proljeća ispred sebe;
To je glasnik roba koji se ne zaboravlja,
Pretvarajući noć ljubavi u cvetanje dana,
prvi posetioci pročitali su natpis uz sliku. Ali čim su pogledali sliku, ogorčeni su otišli. Avaj, poetska čipka, koja je izazvala njihovu naklonost, nije nimalo uticala na odnos prema samom djelu. "Pralja iz Batignollesa" (Edouardova radionica nalazila se u četvrti Batignolles), "znak za separe", "odaliska žutog trbuha", "prljave kretnje" - takvi su se epiteti pokazali najmekšim od svih koje je uvrijeđena gomila nagradila Olympia. Dalje - još: “Ova brineta je odvratno ružna, lice joj je glupo, koža joj je kao u leša”, “Ženska gorila od gume i prikazana potpuno gola”, “Čini se da joj se ruka nepristojno grči” sa svih strana. Kritičari su se istakli duhovitošću, uvjeravajući da "umetnost, koja je tako nisko pala, nije ni za osudu". Manetu se činilo da se cijeli svijet okrenuo protiv njega. Čak ni oni koji su bili dobronamjerni nisu mogli odoljeti da ne prokomentarišu: „pikova dama iz špila karata, samo
|
|
| Umjetnik Edouard Manet. |
iz kade”, nazvao je njen kolega Gustave Coubret. „Ton tela je prljav, i nema manekenstva“, ponovio mu je pesnik Theophile Gautier. Ali umjetnik je samo slijedio primjer svog voljenog slikara, kojeg su svi prepoznali Diego Velasquez, i prenio različite nijanse crne... Međutim, koloristički zadaci koje je sebi postavio i briljantno riješio nisu mnogo uznemirili javnost: glasina o koji mu je poslužio kao uzor za rad, izazvao je toliki talas opšteg gneva da je "Olimpija" morala da se čuva. Kasnije je uprava izložbene hale bila prinuđena da je podigne na visinu do koje ruke i štapovi „česte javnosti“ ne bi dopirali. Povjesničari umjetnosti i slikari bili su ogorčeni odstupanjem od kanona - golišave dame su se obično prikazivale kao isključivo mitske boginje, a njihova suvremenica se jasno nagađala u Edwardovom modelu, osim toga, autor je sebi dozvolio slobodan tretman boje i zadirao u estetiku. normama. Francuzi su bili zabrinuti zbog nečeg drugog: činjenica je da se gradom proširila glasina, koju je gomila sa zadovoljstvom pokupila, da je slavna pariška kurtizana i ljubavnica cara Napoleona III, Marguerite Bellanger, dala svoj izgled Olimpiji. Inače, sam Napoleon, poznavalac umjetnosti, nabavio je iste 1865. godine "glavnu sliku Salona" - "Rođenje Venere" metra i akademika Aleksandra Cabanela. Kako se ispostavilo, njegov model nije osramotio cara ničim više od neozbiljne poze ili mutnih formi, jer je u potpunosti odgovarao zakonima žanra. Za razliku od osramoćene "Olimpije" sa svojom skandaloznom "biografijom".
Prema zvaničnoj verziji, za sliku uopće nije pozirala Marguerite, već Manetova omiljena manekenka Quiz-Louise Meuran: nije oklijevala da se skine za "Doručak na travi", a pojavila se i na drugim njegovim platnima. I drugi umjetnici su je često pozivali kao model, zahvaljujući čemu je Kviz uhvaćen na slikama Edgara Degasa i Norberta Gonetta. Istina, ova djevojka se nije razlikovala po dobroj naravi i čednosti: nije je uzalud jedan od njenih poznanika nazvao „svohotnim stvorenjem koje govori kao pariške uličarke“. Vremenom se oprostila od sna da postane glumica, a potom i umjetnica (sačuvano je nekoliko njenih talentiranih radova), postala je ovisna o alkoholu, započela aferu s izvjesnom Marie Pellegri, u papagaju je stekla papagaja , sa kojim je šetala ulicama grada, pevajući pesme uz gitaru za milostinju, - to je ono što je lovila.
Ko te isklesa iz tame noći, Kakav domorodac Faust, đavo savane? Mirišeš na mošus i duvan Havane, Ponoćno dete, moj fatalni idol...
Charles Baudelaire
I ismijana, optužena za vulgarnost i bestidnost, "Olimpija" je započela samostalan život. Nakon zatvaranja Salona, provela je skoro četvrt veka u Manetovoj radionici, gde su joj se mogli diviti samo Edvardovi poznanici, jer muzeji, galerije i kolekcionari u njoj nisu videli umetničku vrednost i odlučno su odbijali kupovinu. Na javno mnjenje nije uticala nikakva odbrana u liku istaknutog likovnog kritičara i novinara Antonina Prusta, koji je kao prijatelj svoje mladosti napisao: "Eduard nikada nije uspeo da postane vulgaran - on je osetio somu". Niti uvjerenje pisca Emilea Zole, koji je u jednom od članaka objavljenih u pariskim novinama primijetio da joj je sudbina pripremila mjesto u Louvreu. Ipak, njegove reči su se obistinile, ali je lepotica morala da čeka skoro pola veka. U to vrijeme, sam autor već dugo nije bio na ovom svijetu, a njegova omiljena ideja zamalo je otišla, zajedno s drugim djelima, američkom ljubitelju umjetnosti. Situaciju je spasio majstorov prijatelj Claude Monet: kako remek-djelo - i u to nije sumnjao - ne bi zauvijek napustilo Francusku, organizirao je pretplatu, zahvaljujući kojoj je prikupljeno dvadeset hiljada franaka. Ovaj iznos bio je dovoljan da se od udovice Manet otkupi platno i pokloni državi, koja je tolike godine odbijala takvu kupovinu. Zvaničnici iz umetnosti su prihvatili poklon i bili primorani da ga izlože, ali ne u Luvru (koliko je to bilo moguće!), već u jednoj od sala Luksemburške palate, gde je slika ostala šesnaest godina. U Luvr je prebačen tek 1907. godine. Tačno četrdeset godina kasnije, 1947., kada je u Parizu otvoren Muzej impresionizma (na njegovoj osnovi je naknadno nastala zbirka Musée d'Orsay), Olimpija se tu nastanila. I sada se znalci smrzavaju od divljenja pred ženom koju je, po Zolinim rečima, umetnik „bacio na platno u svoj svojoj mladalačkoj lepoti“.
Raphael Santi "Fornarina" 1518-1519 Galleria Nazionale d'Arte Antica. Palazzo Barberini, Rim
Vjeruje se da ju je upravo Raphael uhvatio na slici čuvene "Sikstinske Madone". Istina, kažu da u životu Margarita Luti nije bila nimalo bezgrešna ...
U vreme kada se ova žena pojavila u sudbini Rafaela Santija, on je već bio poznat i bogat. Što se tiče tačnog datuma njihovog susreta, još uvijek se ne slažu kritičari umjetnosti i historičari, ali se pisano i usmeno prenose legende, koje su tokom proteklih stoljeća dopunjene mnogim detaljima. Neki od umjetnikovih biografa tvrde da su se sreli sasvim slučajno kada je jedne večeri Raphael šetao obalom Tibra. Vrijedi napomenuti da je u tom periodu radio po nalogu Agostina Chigija, plemenitog rimskog bankara, koji je pozvao eminentnog slikara da oslika zidove njegove palače Farnesino. Zapleti "Tri gracije" i "Galatea" već su ih krasili. A s trećim - "Apolon i Psiha" - pojavila se poteškoća: Raphael nije mogao pronaći model za sliku drevne boginje. I tako se ukazala prilika. "Našao sam je!" - uzviknuo je umetnik ugledavši devojku kako mu ide. Vjeruje se da je s tim riječima započela nova era u njegovom ličnom životu. Ispostavilo se da se mlada ljepotica zvala Margherita, a bila je kćerka pekara Francesca Lutija, koji se prije mnogo godina preselio iz male sunčane Sijene u Rim. „O, da, ti si prelepa fornarina, pekara!” - rekao je Raphael (u prevodu sa italijanskog fornaro ili fornarino - pekar, pekar) i odmah je pozvao da pozira za buduće remek-delo. Ali Margarita se nije usudila dati pristanak bez dozvole svog oca. A on je zauzvrat verenik Tomasove ćerke. Kao što je iskustvo pokazalo, solidan iznos koji je Rafael dao Lutijevom ocu imao je efekat elokventniji od bilo koje reči: primivši tri hiljade zlatnika, rado je dozvolio svojoj devojci da danonoćno služi umetnosti. I sama Margarita-Fornarina je sa zadovoljstvom poslušala svoju roditeljsku volju, jer iako je bila vrlo mlada (vjeruje se da je imala jedva sedamnaest godina), ženska intuicija je nagoveštavala da je slavni i bogati umjetnik zaljubljen u nju. I ubrzo se djevojka preselila u vilu (vjerovatno na Via di Porta Settimiana), koju je Rafael iznajmio posebno za nju. Od tada se, kažu, nisu rastajali. Inače, sada se na ovoj adresi nalazi hotel Relais Casa della Fornarina, na čijoj web stranici se tvrdi da je Rafaelova voljena ovdje živjela u 16. vijeku. Istina, ne zadugo: budući da je želja da provodi vrijeme u njenom društvu ometala posao, Chigi je predložio da majstor smjesti Margaritu pored sebe u Farnesino. I tako je i učinio.
Kupidone, umri zasljepljujući sjaj
Dva čudesna oka poslana od tebe.
Obećavaju hladnoću ili ljetnu vrućinu,
Ali u njima nema ni male kapi saosjećanja.
Čim sam upoznao njihov šarm,
Kako izgubiti slobodu i mir.
Rafael Santi
Danas je teško reći šta je u ovoj priči istina, a šta fikcija, jer je prema nekim izvorima počela 1514. godine, odnosno prije skoro pola milenijuma. Takođe nema potvrde da li je ova žena prikazana na drugim platnima umjetnika, na primjer, "Donna Valeta". Iako su studenti sudjelovali u stvaranju mnogih Rafaelovih monumentalnih djela, može se pretpostaviti da je Fornarina, poput Sikstinske Madone, lično napisao. Vjerovatno je, stoga, stojeći ispred “Madone” mnogo godina kasnije u holu Drezdenske umjetničke galerije, ruski pjesnik Vasilij Žukovski primijetio: “Jednom jednom ljudskoj duši doživi takvo otkrovenje, ne može se dogoditi dvaput.” Može se samo nagađati da je platno naslikano od Margherite Luti, kako kažu mnogi izvori: u "Biografijama", koje je sastavio autoritativni biograf renesanse, Giorgio Vasari, ovo ime se ne spominje. Postoji samo takva rečenica: „Marcantonio je napravio još mnogo gravura za Rafaela, koje je poklonio svojoj studentici Bavieri, koja je bila dodijeljena ženi koju je volio do svoje smrti, čiji je najljepši portret, gdje izgleda živa, sada kod najplemenitiji Matteo Botti, firentinski trgovac; tretira ovaj portret kao da je relikvija, iz ljubavi prema umjetnosti, a posebno prema Raphaelu.” I više - ni riječi. Vekovima kasnije, jedan od Vasarijevih čitalaca napisao je na margini naspram ovih redova da se zove Margarita: dama je krštena Fornarina u 18. veku.
Ali glasine se ne mogu zaustaviti. “Prelijepa kao Raphaelova Madona!” - a sada kažu oni koji žele da opišu pravu lepotu. Ali Raphaelovi savremenici su uvjeravali da se dotični šarmer ne odlikuje čednošću: u onim danima kada je maestro zauzet poslom bio odsutan, ona mu je lako pronašla zamjenu, dok je vrijeme bila u zagrljaju nekog od njegovih učenika ili bankara. sebe. Sugrađani majstora bili su uvjereni, a zatim uvjerili cijeli svijet u to, da je Rafael umro upravo na njenim rukama od zatajenja srca. To se dogodilo 6. aprila 1520. godine, umjetnik je imao samo trideset sedam godina.
Sviđalo se to vama ili ne, malo je vjerovatno da ćete znati. Ali pouzdano se zna da Raphael nije odgovorio na prijedlog svog prijatelja kardinala Bernarda Divizio di Bibbiene, koji ga je, prema Vazariju, mnogo godina molio da se oženi njegovom nećakinjom. Međutim, Rafael je, „bez odbijanja da direktno ispuni želju kardinala, odvukao stvar. U međuvremenu se polako prepuštao više nego što je trebalo da se prepusti ljubavnim zadovoljstvima, a onda se jednog dana, prešavši granice, vratio kući u silnoj groznici. Doktori su mislili da se prehladio i nehotice mu iskrvarili, zbog čega je jako oslabio.” Medicina je bila nemoćna.
“Fornarina” je krenula na samostalno putovanje: po prvi put se pominje djelo koje prikazuje golu ženu iz riječi osobe koja ju je vidjela u kolekciji Sforza Santa Fiora. Na njenom lijevom ramenu je narukvica s natpisom "Rafael od Urbinskog", što je dovelo do poistovjećivanja modela sa legendarnim ljubavnikom. U fondovima Palazzo Barberini nalazi se od 1642. godine. Rendgenske studije su pokazale da je ovo platno kasnije "ispravio" Raphaelov učenik Giulio Romano.
“Rafael bi postigao briljantan uspjeh u bojanju, da njegov vatreni dodatak, koji ga je neprestano privlačio u ljubav, nije uzrokovao preranu smrt”, napisao je jedan od obožavatelja njegovog rada. „Ovde leži veliki Rafael, za čijeg se života priroda plašila da bude poražena, a posle njegove smrti bojala se da umre“, kaže epitaf uklesan na njegovom nadgrobnom spomeniku u Panteonu.
Gustav KLIMT “Legenda” 1883. Wien Museum Karlsplatz, Beč
Gustav Klimt je poznat po svojim bizarnim prikazima golih dama: početkom 20. vijeka njegove slike, koje se odlikuju iskrenom erotizmom, šokirale su istančanu bečku javnost, a čuvari morala su ih nazivali pornografskim.
Ali to nije uvijek bio slučaj: jednu od prvih narudžbi koju je umjetnik početnik dobio od izdavača Martina Gerlacha - da napravi ilustracije za knjigu "Alegorije i amblemi" - mladi Gustav je uradio samostalno i, vjerovatno, u potpunosti u skladu sa njegovim zahtevima i idejama o lepoti. U svakom slučaju, podaci o pritužbama Gerlacha nisu sačuvani. Iako je centar radnje golišava ljepotica. Takvu golotinju kritičari nazivaju gotovo čednom. „Čak i na svojim ranim slikama, Klimt je dao počasno mesto ženi: od tada je nikada nije prestao da peva. Poslušne zvijeri postavljene su da ukrašavaju noge nevjerovatne, senzualne heroine koja njihovu poslušnost uzima zdravo za gotovo”, uživali su u vlastitoj elokvenciji. I razjasnili su, kažu, da su autoru životinje potrebne samo da bi ovu prvu sladostrasnu Evu prikazao u najpovoljnijem svjetlu. Fable - ovo je naziv slike u originalu. U ruskom prijevodu poznat je pod različitim nazivima: "Legenda", "Bajka", "Basna". Jedino što ostaje nepromijenjeno je reakcija publike kojoj je teško povjerovati da pripada kistu baš tog Gustava Klimta - nečuvenog erotomana, genija i "perverznog dekadenta", kako su ga nazivali sugrađani. . Ali mnogo toga se promijenilo od tog vremena - uključujući i njegov umjetnički stil.
“On je sam izgledao kao nespretni običan čovjek koji ne može povezati dvije riječi. Ali njegove su ruke uspjele pretvoriti žene u dragocjene orhideje koje su izranjale iz dubina čarobnog sna “, prisjetio se jedan od umjetnikovih poznanika. Istina, nisu svi Klimtovi savremenici dijelili njeno mišljenje. Uostalom, upravo je “opscena” slika ženskog akta izazvala jedan od najglasnijih skandala u umjetnosti. Desilo se u Beču sedam godina nakon nastanka Fabule, uoči 1900. godine, kada je mladi slikar publici, a što je najvažnije, kupcima - uvaženim profesorima Bečkog univerziteta - predstavio slike "Filozofija", "Medicina". “ i „Jurisprudencija“: trebalo je da ukrase plafon glavne zgrade Hrama nauka. Gledajući platna, stručnjaci su bili šokirani “ružnoćom i golotinjom” i odmah optužili autora za “pornografiju, pretjeranu izopačenost i demonstriranje trijumfa tame nad svjetlom”. O eklatantnom slučaju raspravljalo se čak iu Saboru! Nagovore profesora umjetnosti Franca von Wickhoffa, jedine osobe koja je pokušala odbraniti Klimta u legendarnom predavanju “Šta je ružno?”, niko nije poslušao. Kao rezultat toga, platna nisu bila izložena u zgradi univerziteta. Međutim, ova priča pomogla je Gustavu da izvuče važan zaključak: kreativna nezavisnost je jedini način da se sačuva originalnost. “Dosta cenzure. Snaći ću se sam. Želim da budem slobodan. Želim se riješiti svih ovih glupih sitnica koje mi koče posao i vratiti posao. Odbijam bilo kakvu državnu pomoć i naredbe. Odustajem od svega”, rekao je nekoliko godina kasnije u jednom intervjuu. I obratio se vladi sa molbom da mu dozvoli da otkupi osramoćeno djelo. “Svi napadi kritike jedva da su me tada dirnuli, a osim toga, sreću koju sam doživio radeći na ovim djelima nije bilo moguće oduzeti. Generalno, nisam previše osjetljiv na napade. Ali postajem mnogo prijemčiviji ako shvatim da je naručilac mog rada nezadovoljan njime. Kao u slučaju kada se slike zataškavaju”, objasnio je u intervjuu bečkom novinaru. Vlada mu je udovoljila zahtjevu. Kasnije su slike završile u privatnim kolekcijama, ali su na kraju Drugog svetskog rata spaljene od strane SS trupa koje su se povlačile u dvorcu Imerhof, gde su potom bile pohranjene. Sam Klimt nije znao za ovo, jer se sve to dogodilo kada gospodar više nije bio živ.
Svaka umjetnost je erotska.
Adolf Loos
Srećom, tada, 1900-ih, reakcija javnosti nije ohladila njegov žar: kladio se na dame - one su mu donijele željenu slobodu. Iako želja da "hrabro naslika Evu - prototip svih žena - u svim zamislivim pozama, za koje nije predmet iskušenja, već njeno tijelo", nikada nije nestala, Gustav je više volio zarađivati stvarajući portreti životnih partnera bečkih magnata. Tako se pojavila poznata "Galerija žena", koja je Klimtu donijela ne samo novac, već i slavu: Sonya Knips, Adele Bloch-Bauer, Serena Lederer - maestro je znao kako ugoditi prosperitetnim građanima Beča. Njihove najmilije prikazao je beskrajno šarmantnim, ali s dozom oholosti. Pošto je jednom dami iz visokog društva dao ove osobine, ponovio je tehniku više puta. Tako su „femme fatales, erotika i estetika“ postale Klimtov zaštitni znak.
Na sreću, umjetnici nisu nedostajali modeli - goli ili obučeni u luksuznu odjeću. Iako su se o njegovoj ljubaznoj prirodi krojile legende, dvadeset sedam godina Gustavov vjerni pratilac bila je Emilia Flöge, modna dizajnerica i vlasnica modne kuće. Istina, rekli su da ih povezuje samo dirljivo prijateljstvo, a odnos para bio je isključivo platonski. A ipak se vjeruje da je upravo nju i sebe uhvatio u čuvenom "Poljupcu".
Ko je inspirisao karakteristike lepotice iz Fable-a verovatno će ostati misterija - jedna od onih koje je Klimt toliko voleo da stvara. „Svi koji žele da znaju nešto o meni kao umetniku – a to je sve što me zanima – trebalo bi da pažljivo pogledaju moje slike,” savetovao je. Možda zaista kriju odgovore na sva pitanja.
Dante Gabriel Rossetti "Venera Verticordia" 1864-1868 Umjetnička galerija i muzej Russell-Cotes, Bournemouth
Dante Gabriel Rossetti postao je poznat kao jedan od osnivača prerafaelitskog bratstva, originalni pjesnik i umjetnik koji je stvorio seriju erotskih portreta žena. I također - nečuvene ludorije koje su raznele puritansko društvo.
"Da ste ga poznavali, voljeli biste ga, i on bi volio vas - svi koji su ga poznavali bili su strastveni prema njemu. Bio je potpuno drugačiji od drugih ljudi", rekla je Jane Burden Morris o Rossettiju, koji je dugi niz godina uzimao mesto Danteove voljene žene i modela, ali ne samo ona...
Priča je započela u oktobru 1857. godine kada su Jane i njena sestra Elizabeth otišle u londonski Drury Lane Theatre. Tamo su je primijetili Rossetti i njegov kolega Edward Burne-Jones. Savremenici su primijetili da se Jenny - kako su je počeli zvati njeni prerafaeliti prijatelji - nije razlikovala po tradicionalnoj ljepoti, ali je privlačila pažnju svojom različitošću od drugih. „Kakva žena! Divna je u svemu. Zamislite visoku, mršavu damu, u dugoj haljini od prigušene ljubičaste tkanine, od prirodne materije, sa pramenom kovrdžave crne kose koja joj u velikim talasima pada preko slepoočnica, malim i bledim licem, velikim tamnim očima, dubokim... guste crne lučne obrve. Visok otvoren vrat u biserima, i na kraju - samo savršenstvo “, divio se jedan od poznanika. Bila je upadljivo drugačija od "klasičnih" sekularnih mladih dama - i to je uzbudilo maštu prerafaelita, koji su izjavili da nisu spremni da slijede zakone akademskog slikarstva. Kažu, primetivši je, Roseti je uzviknuo: „Neverovatan prizor! Predivno!" A onda je pozvao djevojku da pozira. Drugi umjetnici su cijenili njegov izbor i takmičili se jedni s drugima da pozovu Jane, rođenu Burden, na svoje sesije. Lako je pretpostaviti kako je na to reagirala službena muza prerafaelita Elizabeth Siddal, koja je dugi niz godina nosila ovu titulu. Uostalom, Lizzy je bila i vanbračna žena Rossettija: obećao je da će legitimirati njihovu vezu. Svi su znali za ovu strastvenu i bolnu romansu za oboje. Kao i to što je zaljubljeni Dante svih ovih godina bio "inspirisan" u naručju drugih manekenki. Iskustva su osakatila loše zdravlje Sidala, koje je ona u punom smislu te riječi žrtvovala umjetnosti. Pričalo se da je, pozirajući 1852. za čuvenu sliku Johna Millaisa "Ofelija", provela mnogo sati zaredom u kadi s vodom, prikazujući utopljenu Ofeliju. Desilo se to zimi, a lampa koja je grijala vodu se ugasila. Djevojčica se prehladila i teško se razboljela. Vjeruje se da joj je za liječenje prepisan lijek na bazi opijuma. Za čast Dantea, vredi reći da joj je održao reč oženivši Lizi u maju 1860. A u februaru 1862. ona je otišla. Elizabeth je umrla od predoziranja opijumom, koji je uzela da otupi bol: malo prije toga izgubila je dijete, a njena veza s Rossettijem je krenula naopako. Nije bilo moguće saznati da li je njena smrt samo nesreća sa smrtnim ishodom.
Ali vrijeme je prolazilo: Jane Burden je bila u blizini. I iako je već bila supruga Williama Morrisa, "nježno" prijateljstvo s Rossettijem se nastavilo. Zakonski supružnik je bio iznad konvencija i nije se miješao u vezu. Možda ih je on sam „prorekao“? Na kraju krajeva, jedina slika koju je Morris završio je Jane u liku "kraljice Ginevre": kao što znate, ova dama je bila supruga kralja Artura, koji je, prema jednoj verziji, postao voljena njegovog viteza Lancelota. Bilo kako bilo, Jane je bila ta koja je vratila Dantea u život, probudivši u njemu želju za stvaranjem. Nekoliko godina kasnije, odlučio je da objavi svoje rane poetske kreacije. Jao, nije ostalo nijednog nacrta soneta, a onda je počinio čin o kojem je cijeli London dugo pričao: izvršio je ekshumaciju i iznio na svjetlo dana nekada izgubljene rukopise. “Njegovi soneti su prožeti mističko-erotskim sadržajem”, odgovorili su kritičari, a čitaoci su ih prihvatili sa oduševljenjem.
Život je tekao dalje, a sada se Jane, kao nekada Elizabeth, pojavila na gotovo svakom njegovom platnu, zahvaljujući čemu je ušla u povijest slikarstva. Međutim, ostaje misterija da li čuvena "Venera Verticordia" - "Venera koja okreće srca" zadržava svoje crte lica. U to vrijeme Rossetti je imao još jedan omiljeni model: djevojka se zvala Alexa Wilding, iako su je svi zvali Alice. Vjeruje se da je u januaru 1868. godine ova slika prefarbana Wildingovim likom, iako je umjetnikova domaćica Fanny Cornforth pozirala Veneri. Je li tako - misterija, jedna od onih koje je Rossetti ponio sa sobom. Još jedna stvar je iznenađujuća: Venus Verticordia je naziv drevnog rimskog kulta i slike boginje Venere, "pretvarajući" srca ljudi "od požude do čednosti". A istoimeno djelo gotovo je jedini primjer golotinje u Rossettijevom djelu. Inače, gospođica Aleksa Vajlding je i jedna od retkih Danteovih muza sa kojom maestro nije imao ljubavnu vezu.
Tizian Vecellio Venera iz Urbina 1538 Galerija Uffizi, Firenca
Venera Pudica - "Venera čedna", "sramna", "skromna" - takve slike boginje ljubavi nazivali su Tizianovi suvremenici. "Devojka koja nosi samo prsten, narukvicu i minđuše od odeće, ako joj je malo neprijatno, onda je potpuno svesna svoje lepote", kažu o lepotici danas. A ova priča je počela prije 475 godina.
Kada je vojvoda Guidobaldo II della Rovere u proljeće 1538. poslao kurira u Veneciju, dobio je jasne upute da se ne vraća bez slika koje je Tizian naručio. Iz vojvodove prepiske se zna da je to bio portret samog Guidobalda i izvjesne la donna nuda, "gole žene". Kao što vidite, sluga je dobro obavio posao - Guidobaldo, koji je kasnije postao vojvoda od Urbina, stekao je platna, a golu gracioznost na slici - novo ime: "Venera od Urbinskog".
U Veneciji - sav savršenstvo ljepote! Prvo mjesto dajem njenoj slici, čiji je zastavnik Tizian.
Diego Velazquez
U to vrijeme Tizian Vecellio, koji je imao oko pedeset godina, dugo je bio poznat kao najpoznatiji majstor i nosio je titulu prvog umjetnika Mletačke Republike. Ređali su se eminentni sugrađani, koji su željeli da posjeduju svoj portret u njegovom nastupu. „Umjetnik je sa zadivljujućim uvidom portretirao svoje savremenike, uhvativši najrazličitije, ponekad i kontradiktorne crte njihovih likova: samopouzdanje, ponos i dostojanstvo, sumnjičavost, licemjerje, prevaru“, napominju likovni kritičari 19. stoljeća. „Kada pokušate da zamislite Tiziana, vidite srećnog čoveka, najsrećnijeg i najprosperitetnijeg koji je ikada bio među njegovom vrstom, koji je primao samo usluge i sreću sa neba... Dobio je kod kuće kraljeve, dužde, papu Pavla III. i svi italijanski suvereni, bombardovani naređenjima, naveliko plaćeni, primaju penzije i vešto koriste svoju sreću. Održava kuću u velikom obimu, veličanstveno se oblači, za svoj sto poziva kardinale, plemiće, najveće umjetnike i najdarovitije naučnike svog vremena”, pisao je o njemu početkom 19. stoljeća francuski istoričar Hipolit Taine. Tako su, vjerovatno, mislili imućni Mlečani. Vjerovatno su se pitali zašto je ovaj miljenik sudbine imao tako malo ljubavnih veza. Zaista, tokom dugog života Tiziana, samo su tri ženska imena povezana s njim. Pa čak i tada njih dvoje, najvjerovatnije, samo da bi stvorili lijepu romantičnu priču. Pouzdano se zna da mu je supruga bila samo Cecilija Soldano, s kojom se oženio 1525. godine, nakon što je s njom nekoliko godina prije vjenčanja živio u “građanskom braku”. A 1530. umrla je, ostavljajući mužu djecu. Teško je reći da li je portrete Cecilije slikao stvarne ili u obliku mitskih ljepota, ali je zadržao uspomenu na ovu ženu. Njemu, slavnom i slavnom Vecelliju, životoljublju, mudrom iskustvima pobjeda i poraza, obratio se vojvoda Guidobaldo...
Skoro pola milenijuma koliko je prošlo od rođenja Tizianove boginje, istoričari umetnosti su verovatno proučavali svaki potez na njenom luksuznom telu, ali nikada nisu otkrili ko je bio model. Netko vjeruje da je na platnu prikazana mlada supruga Guidobalda Giulia Varana. Drugi ne sumnjaju: maestro je pozirao ... vojvodovu majku, Eleonora Gonzaga. U svojim pretpostavkama pozivaju se na sličnost između "Venera" i portreta Eleonore od Tiziana i činjenicu da oba platna prikazuju "istog psa sklupčanog u klupko". Neki od njih svaki element u okruženju dame stavljaju na police, a sve to, po njihovom mišljenju, personificira bračne spone. Buket ruža u ruci je atribut Venere, pas kod nogu simbol je odanosti, a sluškinje u blizini škrinje sa odjećom i cvijetom u otvoru prozora - za stvaranje atmosfere intimnosti i topline. Rad su također rado nazvali „alegorijskim portretom poznatog aristokrata - „domaće boginje“, koji prenosi venecijanski luksuz i senzualnost. Vjerovatno je Tizian u svojoj slici želio reći o seksualnosti, kombinirajući uzbudljivu erotiku s vrlinama braka i, prije svega, s vjernošću koju pas prikazuje ”, tvrde oni. Drugi cinično uvjeravaju, kažu, na krevetu u unutrašnjosti vojvodskih odaja - dama od demimonda: kurtizana. Predstavnici ove profesije u 16. veku zauzimali su visok društveni položaj i zalaganjem slikara često ostajali u večnosti. Ali sada to nije bitno. Još jedna stvar je važna: Tizianovo delo je dalo povod za talentovane sledbenike - Albertija, Tintoreta, Veronezea. Sama Venera iz Urbinske, 325 godina kasnije - 1863. - inspirisala je njegovog mlađeg kolegu Eduarda Maneta da stvori neverovatnu Olimpiju. A ostali - i pet stotina godina kasnije, divite se talentu genija, kojeg je Bog poljubio.
.
Ovaj umjetnik, koji je 1994. godine diplomirao grafički dizajn na Tverskoj umjetničkoj školi, osvaja maštu svojim izvanrednim stilom i prekrasnim kompozicijama.
Kreator je zaista jedinstvenih ilustracija sa retro dodirom. Waldemar Kazak je umjetnik sa smislom za humor, ima posebnu viziju svakodnevnog života, umije se nasmijati svakodnevnom životu, često ismijava značenje dječjih bajki, političara i moderne omladine.
Moderni ilustrator radi u žanru svakodnevnog života s naglaskom na karikaturi. Teško je ne primijetiti i ne sjetiti se likova iz djela Kozaka. Svi su vrlo šareni, izražajni i svijetli.
Njegove kompozicije koje oduzimaju dah ispunjene su stilom poslijeratne estetike, koji je nastao 50-ih godina XX vijeka, retro sjaj se očituje bukvalno u svemu: od izbora teme slike, pa do izbora boja.
Evo šta sam Waldemar Kazak kaže o svom stilu:
Kao i svaka osoba (ili umjetnik), imam svoj rukopis. Ali ja to ne njegujem, jer se bojim da upadnem u manire. Osim toga, svijetlo pojedinačno pismo je traženo na tržištu. Da, to je upravo ono što svi znaju.
Zapanjujuće svijetli, uzbudljivi, privlačni umjetnički crteži u retro stilu Waldemara Kazaka nikoga neće ostaviti ravnodušnim!
Pojavili su se žanrovi slikarstva, stekli popularnost, izblijedjeli, pojavili su se novi, počele su se razlikovati podvrste unutar postojećih. Ovaj proces neće stati sve dok osoba postoji i pokušava uhvatiti svijet oko sebe, bilo da se radi o prirodi, zgradama ili drugim ljudima.
Ranije (prije 19. vijeka) postojala je podjela žanrova slikarstva na takozvane „visoke“ žanrove (francuski grand genre) i „niske“ žanrove (francuski petit genre). Takva podjela je nastala u 17. vijeku. i zasnivao se na tome koji su predmet i radnja prikazani. S tim u vezi, visoki žanrovi su uključivali: bitke, alegorijski, religiozni i mitološki, a niži žanrovi su uključivali portret, pejzaž, mrtvu prirodu, animalizam.
Podjela na žanrove je prilično proizvoljna, jer. elementi dva ili više žanrova mogu biti prisutni na slici istovremeno.
Animalizam ili animalistički žanr
Animalizam, ili animalistički žanr (od lat. animal - životinja) - žanr u kojem je glavni motiv slika životinje. Možemo reći da je ovo jedan od najstarijih žanrova, jer. crteži i figure ptica i životinja već su bili prisutni u životu primitivnih ljudi. Na primjer, na poznatoj slici I.I. Šiškinovo "Jutro u borovoj šumi", prirodu prikazuje sam umjetnik, a medvjedi su potpuno drugačiji, samo se specijaliziraju za prikazivanje životinja.
I.I. Šiškin "Jutro u borovoj šumi" Kako se može razlikovati podvrsta Ippian žanr(od grčkog hippos - konj) - žanr u kojem slika konja djeluje kao središte slike.
NE. Sverchkov "Konj u štali" Portret
Portret (od francuske riječi portret) je slika u kojoj je slika osobe ili grupe ljudi središnja. Portret prenosi ne samo vanjsku sličnost, već odražava i unutrašnji svijet i prenosi umjetnikova osjećanja prema osobi čiji portret slika.
I.E. Repin Portret Nikole II Žanr portreta je podijeljen na pojedinac(slika jedne osobe) grupa(slika više ljudi), po prirodi slike - na front kada je osoba prikazana u punom rastu na istaknutoj arhitektonskoj ili pejzažnoj pozadini i komora kada je osoba prikazana do grudi ili do struka na neutralnoj pozadini. Grupa portreta, udruženih prema nekom atributu, čini ansambl, odnosno galeriju portreta. Primjer su portreti članova kraljevske porodice.
Odvojeno dodijeljeno auto portret na kojoj umetnik sebe prikazuje.
K. Bryullov Autoportret Portret je jedan od najstarijih žanrova - prvi portreti (skulpturalni) bili su prisutni već u starom Egiptu. Takav je portret djelovao kao dio kulta o zagrobnom životu i bio je "dvojnik" osobe.
Pejzaž
Pejzaž (od francuskog paysage - zemlja, oblast) je žanr u kojem je centralna slika prirode - reke, šume, polja, more, planine. U pejzažu je glavna poenta, naravno, radnja, ali je jednako važno prenijeti kretanje, život okolne prirode. S jedne strane, priroda je lijepa, kojoj se divimo, a s druge strane, to je prilično teško odraziti na slici.
C. Monet "Polje maka u Argenteuil" Podvrsta krajolika je morski pejzaž ili marina(od francuskog marine, talijanskog marina, od latinskog marinus - more) - slika morske bitke, mora ili drugih događaja koji se odvijaju na moru. Istaknuti predstavnik marinista - K.A. Aivazovski. Važno je napomenuti da je umjetnik mnoge detalje ove slike napisao iz sjećanja.
I.I. Aivazovski "Deveti talas" Međutim, često umjetnici također nastoje nacrtati more iz prirode, na primjer, W. Turner da naslika sliku „Snježna oluja. Parobrod na ulazu u luku daje signal za pomoć, udarivši u plitku vodu, „proveo je 4 sata vezan na kapetanskom mostu broda koji je plovio u oluji.
W. Turner “Snježna oluja. Parobrod na ulazu u luku daje signal za pomoć i udara u plitku vodu.Vodeni element je također prikazan u riječnom pejzažu.
Odvojeno dodijeliti gradski pejzaž, u kojem su gradske ulice i zgrade glavni predmet slike. Urbani pejzaž je Veduta- slika urbanog pejzaža u vidu panorame, pri čemu su razmere i proporcije svakako zadržane.
A. Canaletto "Piazza San Marco"Postoje i druge vrste pejzaža - ruralni, industrijski i arhitektonski. U arhitektonskom slikarstvu glavna tema je slika arhitektonskog pejzaža, tj. zgrade, građevine; uključuje slike interijera (uređenje interijera). Ponekad Enterijer(od francuskog intérieur - unutrašnji) izdvaja se kao zaseban žanr. U arhitektonskom slikarstvu izdvaja se još jedan žanr — Capriccio(od italijanskog capriccio, kapric, hir) - arhitektonski fantastični pejzaž.
Mrtva priroda
Mrtva priroda (od francuskog nature morte - mrtva priroda) je žanr posvećen prikazivanju neživih predmeta koji su smješteni u zajedničko okruženje i čine grupu. Mrtva priroda se javlja u 15.-16. veku, ali se kao zaseban žanr formira u 17. veku.
Uprkos činjenici da se riječ "mrtva priroda" prevodi kao mrtva priroda, na slikama se nalaze buketi cvijeća, voća, ribe, divljači, jela - sve izgleda "kao živo biće", tj. kao pravi. Od svog nastanka do danas, mrtva priroda je važan žanr u slikarstvu.
C. Monet "Vaza sa cvijećem" Kako se može razlikovati zasebna podvrsta Vanitas(od latinskog Vanitas - taština, taština) - žanr slikarstva u kojem središnje mjesto na slici zauzima ljudska lubanja, čija je slika namijenjena da podsjeti na taštinu i slabost ljudskog života.
Slika F. de Champagnea predstavlja tri simbola krhkosti bića - Život, Smrt, Vrijeme kroz slike lale, lobanje, pješčanog sata.
istorijski žanr
Istorijski žanr - žanr u kojem slike prikazuju važne događaje i društveno značajne pojave prošlosti ili sadašnjosti. Važno je napomenuti da se slika može posvetiti ne samo stvarnim događajima, već i događajima iz mitologije ili, na primjer, opisanim u Bibliji. Ovaj žanr je veoma važan za istoriju, kako za istoriju pojedinih naroda i država, tako i za čovečanstvo u celini. Na slikama je istorijski žanr neodvojiv od drugih vrsta žanrova - portreta, pejzaža, žanra bitke.
I.E. Repin "Kozaci pišu pismo turskom sultanu" 
K. Bryullov "Posljednji dan Pompeja" Battle žanr
Žanr bitke (od francuskog bataille - bitka) je žanr u kojem slike prikazuju vrhunac bitke, vojne operacije, trenutak pobjede, scene iz vojnog života. Bojno slikarstvo karakteriše slika na slici velikog broja ljudi.
AA. Deineka "Odbrana Sevastopolja" Religijski žanr
Religiozni žanr je žanr u kojem je glavna priča na slikama biblijska (scena iz Biblije i Jevanđelja). Po tematici ikonografija spada u vjerske, njihova razlika je u tome što slike vjerskog sadržaja ne učestvuju u bogosluženjima, a za ikonu je to osnovna namjena. ikonopis prevedeno sa grčkog. znači "molitvena slika". Ovaj žanr je bio ograničen strogim granicama i zakonima slikarstva, jer. dizajnirano da ne odražava stvarnost, već da prenese ideju Božjeg početka, u kojem umjetnici traže ideal. U Rusiji je ikonopis dostigao vrhunac u 12.-16. veku. Najpoznatija imena ikonopisaca su Teofan Grk (freske), Andrej Rubljov, Dionisije.
A. Rublev "Trinity" Kako se ističe prelazna faza od ikonopisa ka portretu Parsuna(iskrivljeno od lat. persona - ličnost, osoba).
Parsuna Ivana Groznog. autor nepoznat kućni žanr
Slike prikazuju scene iz svakodnevnog života. Često umjetnik piše o onim trenucima života, čiji je savremenik. Posebne karakteristike ovog žanra su realizam slika i jednostavnost radnje. Slika može odražavati običaje, tradiciju, strukturu svakodnevnog života određenog naroda.
Slikarstvo u domaćinstvu uključuje poznate slike kao što su „Teglenice na Volgi“ I. Repina, „Trojka“ V. Perova, „Nejednak brak“ V. Pukireva.
I. Repin "Teglenice na Volgi" Epsko-mitološki žanr
Epsko-mitološki žanr. Reč mit dolazi iz grčkog. "mythos", što znači tradicija. Slike prikazuju događaje iz legendi, epova, legendi, starogrčkih mitova, antičkih legendi, zapleta folklora.
P. Veronese "Apolon i Marsija" alegorijski žanr
Alegorijski žanr (od grčkog allegoria - alegorija). Slike su napisane na način da imaju skriveno značenje. Nematerijalne ideje i koncepti, nevidljivi oku (moć, dobro, zlo, ljubav), prenose se kroz slike životinja, ljudi, drugih živih bića s takvim svojstvenim karakteristikama koje imaju simboliku već fiksiranu u glavama ljudi i pomažu da se razumjeti opći smisao djela.
L. Giordano "Ljubav i poroci razoružavaju pravdu" Pastoral (od francuskog pastorale - pastir, seoski)
Žanr slikarstva koji veliča i poetizira jednostavan i miran seoski život.
F. Boucher "Jesenska pastorala" Karikatura (od italijanskog caricare - pretjerivati)
Žanr u kojem se pri stvaranju slike namjerno koristi komični efekat preuveličavanjem i izoštravanjem osobina, držanja, odjeće itd. Svrha karikature je da uvrijedi, za razliku od npr. crtića (iz francuskog naboja), čija je svrha jednostavno da se našali. Usko povezani s pojmom "karikatura" su pojmovi kao što su udlaga, groteska.
Nag (od francuskog nu - gol, razodjeven)
Žanr, na čijim je slikama prikazano nago ljudsko tijelo, najčešće žensko.
Tizian Vecellio "Venera iz Urbina" Prevara ili tromplej (od fr. trompe-l'œil - optička iluzija)
Žanr čije su karakteristične osobine posebne tehnike koje stvaraju optičku iluziju i omogućavaju brisanje granice između stvarnosti i slike, tj. varljiv utisak da je predmet trodimenzionalan, dok je dvodimenzionalan. Ponekad se šljunak izdvaja kao podvrsta mrtve prirode, ali ponekad se u ovom žanru prikazuju i ljudi.
Per Borrell del Caso "Bjekstvo od kritike" Za potpunost percepcije trikova, poželjno ih je razmotriti u originalu, jer. reprodukcija ne može u potpunosti prenijeti učinak koji umjetnik prikazuje.
Jacopo de Barberi "Jarebica i gvozdene rukavice" Radno-tematska slika
Mešavina tradicionalnih žanrova slikarstva (svakodnevno, istorijsko, bojno, pejzažno, itd.). Na drugi način, ovaj žanr se naziva figurativna kompozicija, njegove karakteristične karakteristike su: glavnu ulogu igra osoba, prisustvo radnje i društveno značajne ideje, odnosi (sukob interesa / likova) i psihološki akcenti su obavezno prikazano.
V. Surikov "Boyar Morozova" Gil Elvgren (1914-1980) bio je glavni pin-up umjetnik dvadesetog stoljeća. Tokom svoje profesionalne karijere, koja je započela sredinom 1930-ih i trajala preko četrdeset godina, uspostavio se kao jasan favorit među kolekcionarima i ljubiteljima pin-up-a širom svijeta. I iako se Gil Elvgren smatra uglavnom pin-up umjetnikom, on zaslužuje titulu klasičnog američkog ilustratora koji je mogao pokriti različita područja komercijalne umjetnosti.
25 godina rada na reklamiranju Coca-Cole pomoglo mu je da se etablira kao jedan od velikih ilustratora u ovoj oblasti. Coca-Cola reklame su uključivale pin-up slike Elvgreninih djevojaka, većina ovih ilustracija koje prikazuju tipične američke porodice, djecu, tinejdžere - obične ljude koji se bave svojim svakodnevnim poslom. Tokom Drugog svetskog rata i Korejskog rata, Elvgren je čak crtao ilustracije na vojne teme za Coca-Colu, od kojih su neke postale ikone u Americi.
Elvgrenov rad za Coca-Colu oslikavao je američki san o sigurnom i udobnom životu, a neke ilustracije priča iz časopisa oslikavale su nade, strahove i radosti svojih čitalaca. Ove slike su objavljene 1940-1950-ih u brojnim poznatim američkim časopisima kao što su McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping i Woman's Home Companion. Uz Coca-Colu, Elvgren je radio i sa Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania i Napa Auto Parts.
Elvgren se isticao ne samo po svojim slikama i reklamnim grafikama - on je bio i profesionalni fotograf koji je držao kameru jednako spretno kao i kistom. Ali njegova energija i talenat nisu tu stali: osim toga, bio je učitelj, čiji su učenici kasnije postali poznati umjetnici.
Još u ranom detinjstvu, Elvgren je bio inspirisan slikama poznatih ilustratora. Svake sedmice je kidao listove i korice iz časopisa sa slikama koje su mu se sviđale, čime je skupio ogromnu kolekciju koja je ostavila traga na stvaralaštvu mladog umjetnika.
Na Elvgrenov rad utjecali su mnogi umjetnici, kao što je Felix Octavius Carr Darley (1822-1888), prvi umjetnik koji je uspio opovrgnuti superiornost engleske i europske škole ilustracije nad američkom komercijalnom umjetnošću; Norman Rockwell (1877-1978), kojeg je Elvgren upoznao 1947. godine, a ovaj susret je označio početak dugog prijateljstva; Charles Dana Gibson (Charles Dana Gibson) (1867-1944), iz čijeg kista je proizašao ideal djevojke, koji je spojio "komšinicu" (djevojku-susednica) i "djevojku iz snova" (djevojku iz snova) , Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister (1870-1945) i drugi.
Elvgren je pomno proučavao rad ovih klasičnih umjetnika, čime je stvorio osnovu na kojoj se temeljio daljnji razvoj pin-up umjetnosti.
Dakle, Gil Elvgren je rođen 15. marta 1914. godine, odrastao u St. Paulu Minneapolisu. Njegovi roditelji, Alex i Goldie Elvgren, posjedovali su radnju u centru grada koja je prodavala tapete i boje.
Nakon što je završio srednju školu, Gil je želeo da bude arhitekta. Njegovi roditelji su odobrili ovu želju, jer su uočili njegov talenat za crtanje kada su dječaka sa osam godina izbacili iz škole zbog toga što je slikao margine udžbenika. Elvgren se na kraju upisao na Univerzitet u Minesoti kako bi studirao arhitekturu i dizajn dok je pohađao kurseve umjetnosti na Minneapolis Art Institute. Tamo je shvatio da ga crtanje zanima mnogo više od projektovanja zgrada.
U jesen iste godine, Elvgren se oženio Janet Cummins. A sada, za Novu godinu, mladenci se sele u Čikago, gde je bilo mnogo prilika za umetnike. Naravno, mogli su izabrati New York, ali Čikago je bio bliži i sigurniji.
Po dolasku u Čikago, Gil je pokušao učiniti sve da razvije svoju karijeru. Upisao se na prestižnu Američku akademiju umjetnosti u centru grada, gdje se sprijateljio s Billom Mosbyjem, vrsnim umjetnikom i učiteljem koji je oduvijek bio ponosan što je vidio kako se Gil razvija pod njegovim vodstvom.
Kada je Gil Elvgren došao na Akademiju, naravno, bio je talentovan, ali se nije izdvajao od većine studenata koji su tamo studirali. Ali samo ga je jedna stvar razlikovala od drugih: tačno je znao šta želi. Najviše od svega sanjao je da postane dobar umjetnik. Za dvije godine studija savladao je kurs predviđen za tri i po: nastavu je pohađao noću, ljeti. U slobodno vrijeme uvijek je slikao.
Bio je dobar učenik i radio je više od drugih. Jill je pohađala svaki kurs na kojem je mogao steći barem nešto o slikarstvu. Za dvije godine je napravio fenomenalan napredak i postao jedan od najboljih diplomaca Akademije.
Jill je nevjerovatna umjetnica kojoj malo ko može parirati. Snažne građe, izgleda kao fudbaler; njegove velike ruke uopće ne liče na ruke umjetnika: olovka se doslovno "zakopava" u njih, ali tačnost i mukotrpnost njegovih pokreta mogu se usporediti samo s vještinom kirurga.
Tokom svog boravka na institutu, Gil nikada nije prestao da radi. Njegove ilustracije već su krasile brošure i časopise akademije na kojoj je studirao.
Tamo je Gil upoznao mnoge umjetnike koji su mu postali doživotni prijatelji, kao što su: Harold Anderson (Harold Anderson), Joyce Ballatrin (Joyce Ballantyne).
Godine 1936. Jill i njegova žena vraćaju se u svoj rodni grad, gdje otvaraju vlastiti studio. Nedugo prije toga, radi svoj prvi plaćeni posao po narudžbi: naslovnicu modnog časopisa na kojoj je zgodan muškarac u sakou na duplo kopčanje i svijetlim ljetnim pantalonama. Odmah nakon što je Elvgren poslao svoj rad kupcu, nazvao ga je direktor kompanije da mu čestita i naruči još pola tuceta omota.
Zatim je uslijedila još jedna zanimljiva komisija, koja je trebala nacrtati pet blizanaca Dionne (Dionne Quintuplets), čije je rođenje postalo senzacija za medije. Klijent je bio Brown and Biglow, najveći izdavač kalendara. Ovo djelo je štampano u kalendarima 1937-1938, koji su prodati u milionskim tiražima. Od tada je Elvgren počeo crtati najpoznatije djevojke u Americi, što mu je donijelo veliki uspjeh. Druge kompanije su počele da pozivaju Elvgrena na saradnju, na primer, Brownov i Biglowov konkurent Louis F. Dow Calendar Company. Umjetnička djela počela su se štampati na knjižicama, kartama za igranje, pa čak i kutijama šibica. Tada su se mnoge njegove slike u prirodnoj veličini napravljene za Royal Crown Soda pojavile u trgovinama. Ista godina postaje posebno važna za Elvgrena, jer su on i njegova supruga dobili prvo dijete, Karen.
Elvgren nastavlja da prima naređenja i odlučuje da se vrati u Čikago sa svojom porodicom. Ubrzo je upoznao Haddona H. Sundbloma (1899-1976), koji je bio njegov idol. Sandblom ima ogroman uticaj na Elvgrenov rad.
Zahvaljujući Sundblomu, Elvgren je postao reklamni umjetnik za Coca-Colu. Do sada su ovi radovi ikone u istoriji američke ilustracije.
Neposredno nakon bombardovanja Pearl Harbora, Elvgren je zamoljen da naslika slike za vojnu kampanju. Njegov prvi crtež za ovu seriju objavljen je 1942. u časopisu Good Housekeeping pod naslovom „Ona zna šta je zapravo „sloboda““ i prikazuje devojku obučenu u uniformu oficira Crvenog krsta.
Godine 1942. rođena je Jill Jr., a 1943. njegova supruga je već očekivala treće dijete. Elvgrenova porodica je, međutim, rasla, kao i njegov posao. Jill se bavi reklamnim projektima i također prodaje svoje stare radove. Uživao je u životu, jer je i sam već bio cijenjen umjetnik i srećan porodičan čovjek. Kada se u njegovoj porodici rodilo treće dijete, Elvgren je već primao oko 1.000 dolara po slici, tj. oko 24.000 dolara godišnje, što je u to vrijeme bio ogroman iznos. To je značilo da bi Gil mogao postati najplaćeniji ilustrator u SAD-u i, naravno, imati posebno mjesto u Brownu i Bigelowu.
Prije nego što je radio isključivo za Brown and Bigelow, uzeo je svoju prvu (i jedinu) proviziju od firme Josepha Hoovera iz Filadelfije. Kako bi izbjegao probleme s Brownom i Bigelowom, prihvatio je ponudu pod uslovom da slika ne bude potpisana. Za ovo djelo pod nazivom “Djevojka iz snova” dobio je 2.500 dolara, jer. bio je najveći koji je ikada naslikao (101,6 cm x 76,2 cm).
Saradnja sa Brownom i Bigelowom omogućila je Elvgrenu da nastavi slikati za Coca-Colu, iako je mogao raditi za bilo koju drugu kompaniju koja nije imala sukobe sa Brownom i Bigelowom. Tako je počela saradnja između Elvgrena i Browna i Bigelowa 1945. koja je trajala više od trideset godina.
Reditelj Browna i Bigelowa Charles Ward učinio je Elvgrenovo ime prepoznatljivim. Takođe je predložio da Gil napravi goli pin-up, na šta je umetnik pristao sa velikim entuzijazmom. Ova slika je bila gola plava nimfa na plaži, pod lila plavo-ljubičastom mjesečinom. Ova ilustracija objavljena je u špilu karata, zajedno s radom drugog umjetnika - ZoÎ Mozert. Sljedeće godine, Ward je naručio još jedan goli pin-up od Elvgrena za još mapa, ali ovaj put je Elvgren to uradio potpuno sam. Ovaj projekat je oborio prodajne rekorde Browna i Bigelowa i nazvan je "Mais Oui by Gil Elvgren".
Prva tri pin-up projekta za Browna i Bigelowa postala su bestseleri kompanije nakon samo nekoliko sedmica. Ove slike su ubrzo korištene za igranje karata.
Do kraja decenije, Elvgren je postao najuspješniji umjetnik Browna i Bigelowa, zahvaljujući medijima, njegov rad je bio nadaleko poznat javnosti, čak su i časopisi objavljivali članke o njemu. Kompanije sa kojima je radio su Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Madtress, Serta Perfect Sleep, Napa auto dijelovi, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Roses Blended Whisky, General Electric Appliance i Pangburn's Chocolates.
Suočen s takvom potražnjom za svojim radom, Elvgren je razmišljao o otvaranju vlastitog ateljea, jer je već bilo mnogo umjetnika koji su se divili njegovom radu i tzv. radovi su izgledali "kremasto" i glatko kao svila). Ali nakon što je odvagao sve za i protiv, napustio je ovu ideju.
Gil Elvgren je mnogo putovao, upoznao mnoge uticajne ljude. Njegova plata u Brown and Bigelowu promijenila se sa 1.000 dolara po platnu na 2.500 dolara i slikao je 24 slike godišnje, plus primao je postotak časopisa koji su štampali njegove ilustracije. Sa porodicom se preselio u novu kuću u predgrađu Winnetka, gde je počeo da gradi svoj studio u potkrovlju, što mu je omogućilo da radi još produktivnije.
Gil je imao odličan ukus, a bio je i duhovit. Njegovi radovi su uvijek zanimljivi kompozicijom, shemom boja, a pažljivo osmišljene poze i gestovi čine ih živim i uzbudljivim. Njegove slike su iskrene. Gil je osjetio evoluciju ženske ljepote, što je bilo vrlo važno. Stoga je Elvgren uvijek bio tražen od strane kupaca.
Godine 1956. Gil se sa porodicom preselio na Floridu. Bio je potpuno zadovoljan novim mjestom stanovanja. Tamo je otvorio odličan studio, gdje je studirao Bobbyja Toombsa, koji je s pravom postao priznati umjetnik. Rekao je da je Elvgren bio odličan učitelj koji ga je naučio da promišljeno koristi sve svoje vještine.
Na Floridi je Gil naslikao ogroman broj portreta, među njegovim modelima su bile Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. Tokom 1950-ih i 1960-ih, svaka ambiciozna manekenka ili glumica željela bi da Elvgren nacrta djevojku u njenom liku, koja bi potom bila štampana na kalendarima i posterima.
Elvgren je uvijek bio u potrazi za novim idejama za svoje slike. Iako su mu u tome pomogli mnogi njegovi prijatelji umjetnici, najviše se oslanjao na svoju porodicu: o svojim idejama razgovarao je sa suprugom i djecom.
Elvgren je radio u krugu umjetnika koje je podučavao ili, obrnuto, od kojih je učio; koji su mu bili prijatelji sa kojima je imao mnogo toga zajedničkog. Među njima su bili Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham i drugi.
Gil Elvgren je živio punim plućima. Kao strastveni planinar, volio je ribolov i lov. Mogao je da provede sate u bazenu, volio je trkačke automobile, a dijelio je i strast svoje djece prema sakupljanju antiknog oružja.
Tokom godina, Elvgren je imao mnogo asistenata u studiju, od kojih su većina postali uspješni umjetnici. Kada je Elvgren morao da odbije kompanije zbog ogromne količine posla, umetnički direktori su se složili da čekaju godinu ili više samo da bi Jill radila za njih.
Ali sav ovaj Gilov uspjeh 1966. godine bio je zasjenjen strašnom tragedijom koja je zadesila njegovu porodicu: Gilova žena, Janet, umrla je od raka. Nakon toga se još više upustio u posao. Njegova popularnost ostaje nepromijenjena, ne treba da brine ni o čemu osim o rezultatu svog rada. Bio je to najbolji period u Elvgrenovoj karijeri, ako ne i smrt njegove supruge.
Elvgrenova sposobnost da prenese žensku ljepotu bila je nenadmašna. Dok je slikao, obično je sjedio u invalidskim kolicima kako bi se mogao lako kretati i gledati crtež iz različitih uglova, a veliko ogledalo iza njega omogućavalo mu je da ima cjelokupni pogled na sliku u cjelini. Djevojke su bile glavna stvar u njegovom poslu: preferirao je modele od 15-20 godina koji su tek započinjali karijeru, jer su imali neposrednost koja nestaje s iskustvom. Na pitanje o svojoj tehnici, rekao je da dodaje svoje dodire: izdužuje noge, povećava grudi, sužava struk, čini usne punijim, oči izražajnijim, nos prćast, čime modelu daje veću atraktivnost. Elvgren je uvijek pažljivo razrađivao svoje ideje od početka do kraja: birao je model, rekvizite, rasvjetu, kompoziciju, čak je i frizura bila vrlo važna. Na kraju krajeva, fotografisao je prizor i počeo slikati.
Posebnost Gilovog rada bila je to što se gledajući slike činilo da će djevojke na njima oživjeti, pozdraviti se ili ponuditi da popije šoljicu kafe. Izgledali su lijepo i puni entuzijazma. Uvijek šarmantni, naoružani prijateljskim osmijehom, čak i tokom rata davali su vojnicima snagu i nadu da se vrate svojim djevojkama kući.
Mnogi umjetnici su sanjali da slikaju na način na koji je Elvgren radio, a svi su se divili njegovom talentu i uspjehu.
Svake godine je slikao sa sve većom lakoćom i profesionalizmom, njegove rane slike su se činile „žešćem“ od kasnijih. Dostigao je vrhunac izvrsnosti u svojoj oblasti.
29. februara 1980. Gil Elvgren, čovjek koji se posvetio usrećivanju ljudi svojom umjetnošću, umro je od raka u 65. godini. Njegov sin Drake pronašao je u očevom ateljeu posljednju nedovršenu, ali ipak veličanstvenu sliku za Browna i Bigelowa. Prošle su tri decenije od Elvgrenove smrti, ali njegova umjetnost i dalje živi. Bez sumnje, Elvgren će ući u istoriju kao umetnik koji je dao veliki doprinos američkoj umetnosti dvadesetog veka.
