Umjetnici visoke renesanse nazivaju zemlju djela. Renesansa - talijanski preporod (slikarstvo). Svijetli predstavnici rane renesanse

Doba visoke renesanse (kraj 15. - prva četvrtina 16. vijeka) je vrijeme savršenstva i slobode. Kao i drugi oblici umjetnosti ovog doba, slikarstvo je obilježeno dubokom vjerom u čovjeka, u njegove stvaralačke moći i snagu njegovog uma. Na slikama majstora visoke renesanse dominiraju ideali ljepote, humanizma i harmonije; u njima je čovjek osnova svemira.

Slikari ovog vremena lako koriste sva sredstva prikazivanja: boju obogaćenu vazduhom, svetlošću i senkom, i crtež, slobodan i oštar; Odlično vladaju perspektivom i volumenom. Ljudi dišu i kreću se na platnima umjetnika, njihovi osjećaji i iskustva djeluju duboko emotivno.

Ovo doba dalo je svetu četiri genija - Leonarda da Vinčija, Rafaela, Mikelanđela, Ticijana. U njihovom slikarstvu najjasnije su se očitovale crte visoke renesanse - idealnost i sklad, u kombinaciji s dubinom i vitalnošću slika.

Leonardo da Vinci

Dana 15. aprila 1452. godine, u malom italijanskom gradiću Vinči, koji se nalazi u blizini Firence, rođen je vanbračni sin notaru Pjeru da Vinčiju. Nazvali su ga Leonardo di ser Piero d'Antonio. Dječakova majka, izvjesna Katerina, nešto kasnije se udala za jednog seljaka. Otac nije odustao od vanbračne bebe, uzeo ga je u odgoj i dao mu dobro obrazovanje. Godinu dana nakon smrti Leonardovog dede, Antonija, 1469. godine, notar je sa porodicom otišao u Firencu.

Leonardo je od malih nogu razvio strast za crtanjem. Primijetivši to, otac šalje dječaka na školovanje kod jednog od najpoznatijih majstora skulpture, slikarstva i nakita tog vremena, Andrea Verrocchio (1435-1488). Slava Verrocchiove radionice bila je neobično velika. Mnoge narudžbe za slike i skulpture stalno su primane od plemenitih stanovnika grada. Nije slučajno što je Andrea Verrocchio uživao veliki autoritet među svojim učenicima. Savremenici su ga smatrali najtalentovanijim nasljednikom ideja firentinske renesanse u slikarstvu i skulpturi.

Inovacija Verrocchia kao umjetnika povezana je prvenstveno s promišljanjem slike, koja od slikara poprima naturalističke crte. Do danas je sačuvano vrlo malo radova iz Verrocchiove radionice. Istraživači veruju da je u ovoj radionici nastalo čuveno „Krštenje Hristovo“. Osim toga, utvrđeno je da pejzaž u pozadini slike i anđeli na njenoj lijevoj strani pripadaju Leonardovom kistu.

Već u ovom ranom radu bila je evidentna kreativna individualnost i zrelost budućeg slavnog umjetnika. Pejzaž naslikan Leonardovom rukom primjetno se razlikuje od slika prirode samog Verrocchia. Pripadajući mladom umjetniku, čini se da je obavijen laganom izmaglicom i simbolizira bezgraničnost i beskonačnost prostora.

Slike koje je napravio Leonardo su takođe originalne. Duboko poznavanje anatomije ljudskog tijela, kao i njegove duše, omogućilo je umjetniku da stvori neobično izražajne slike anđela. Majstorsko majstorstvo igre svjetla i sjene pomoglo je umjetniku da prikaže žive, dinamične figure. Čini se kao da su se anđeli samo nakratko smrzli. Proći će još nekoliko minuta - i oni će oživjeti, pokrenuti se, razgovarati...

Povjesničari umjetnosti i da Vinčijevi biografi tvrde da je do 1472. godine Leonardo napustio Verrocchiovu radionicu i postao majstor u slikarskoj radionici. Od 1480. godine okrenuo se skulpturi, koja je, prema Leonardu, bila najjednostavniji način da izrazi dinamiku pokreta ljudskog tijela. Od tada je radio na Akademiji umjetnosti - tako se zvala radionica smještena u vrtu na Piazza San Marco, nastala na inicijativu Lorenza Veličanstvenog.

Godine 1480. Leonardo je dobio narudžbu od crkve San Donato Scopeto za umjetničku kompoziciju “Obožavanje maga”.

Leonardo nije dugo živio u Firenci. 1482. odlazi u Milano. Na ovu odluku vjerovatno je u velikoj mjeri uticala činjenica da umjetnik nije bio pozvan u Rim da radi na slici Sikstinske kapele. Na ovaj ili onaj način, majstor se ubrzo pojavio pred vojvodom poznatog italijanskog grada Ludovikom Sforcom. Milanezi su srdačno dočekali Leonarda. Nastanio se i dugo živio u kvartu Porta Ticinese. I već sljedeće, 1483. godine, naslikao je oltarnu sliku naručena za kapelu Immacolata u crkvi San Francesco Grande. Ovo remek-djelo je kasnije postalo poznato kao Madona od stijena.

Otprilike u isto vrijeme, Leonardo je radio na bronzanom spomeniku za Francesca Sforzu. Međutim, ni skice, ni probne skice i odljevci nisu mogli izraziti umjetnikove namjere. Posao je ostao nedovršen.

U periodu od 1489. do 1490. godine Leonardo da Vinci je naslikao Castello Sforzesco za dan vjenčanja Gian Galeazzo Sforza.

Leonardo da Vinci je skoro cijelu 1494. godinu posvetio novoj djelatnosti za sebe - hidraulici. Na inicijativu iste Sforce, Leonardo razvija i provodi projekt isušivanja teritorije Lombardijske ravnice. Međutim, već 1495. godine najveći majstor likovne umjetnosti vratio se slikarstvu. Upravo je ova godina postala početna faza u istoriji stvaranja čuvene freske „Posljednja večera“, koja je ukrašavala zidove trpezarije samostana, smještene u blizini crkve Santa Maria delle Grazie.

1496. godine, zbog invazije na Milansko vojvodstvo od strane francuskog kralja Luja XII, Leonardo je napustio grad. Prvo se seli u Mantovu, a zatim se nastani u Veneciji.

Od 1503. godine umjetnik živi u Firenci i zajedno sa Michelangelom radi na slici Dvorane Velikog vijeća u Palazzo Signoria. Leonardo je trebao prikazati "Bitku kod Angijarija". Međutim, majstor koji je stalno u kreativnoj potrazi često napušta posao koji je započeo. To se dogodilo s "bitkom kod Anghiarija" - freska je ostala nedovršena. Istoričari umjetnosti sugeriraju da je tada nastala čuvena “La Gioconda”.

Od 1506. do 1507. Leonardo je ponovo živio u Milanu. Od 1512. godine tamo je vladao vojvoda Maksimilijan Sforca. 24. septembra 1512. Leonardo odlučuje da napusti Milano i nastani se sa svojim učenicima u Rimu. Ovdje se ne bavi samo slikarstvom, već se okreće i proučavanju matematike i drugih nauka.

Dobivši poziv francuskog kralja Franje I u maju 1513. godine, Leonardo da Vinci se preselio u Amboaz. Ovdje živi do svoje smrti: slika slike, bavi se umjetničkim ukrašavanjem praznika i radi na praktičnoj primjeni projekata koji imaju za cilj korištenje rijeka Francuske.

2. maja 1519. veliki umjetnik umire. Leonardo da Vinci je sahranjen u crkvi Amboise u San Fiorentinu. Međutim, u jeku verskih ratova (16. vek), umetnikov grob je uništen i potpuno uništen. Njegova remek-djela, koja se smatraju vrhuncem likovne umjetnosti 15.-16. stoljeća, takva su ostala i danas.

Među Da Vinčijevim slikama posebno mjesto zauzima freska “Posljednja večera”. Istorija čuvene freske je zanimljiva i iznenađujuća. Njegovo stvaranje datira iz 1495-1497. Oslikana je po narudžbi monaha dominikanskog reda, koji su željeli da ukrase zidove blagovaonice u svom samostanu, koji se nalazi u blizini crkve Santa Maria delle Grazie u Milanu. Freska je prikazivala prilično poznatu evanđelsku priču: posljednji obrok Isusa Krista sa njegovih dvanaest apostola.

Ovo remek-djelo prepoznato je kao vrhunac cjelokupnog umjetnikovog rada. Slike Krista i apostola koje je stvorio majstor su neobično svijetle, izražajne i žive. Unatoč konkretnosti i realnosti prikazane situacije, ispostavlja se da je sadržaj freske ispunjen dubokim filozofskim značenjem. Ovdje je utjelovljena vječna tema sukoba dobra i zla, samozadovoljstva i duhovne bešćutnosti, istine i laži. Izvedene slike nisu samo skup individualnih karakternih osobina (svakog pojedinca u svoj raznolikosti njegovog temperamenta), već i svojevrsna psihološka generalizacija.

Slika je veoma dinamična. Publika zaista osjeća uzbuđenje koje je obuzelo sve prisutne na objedu nakon što je Krist izgovorio proročke riječi o nadolazećoj izdaji koju će jedan od apostola morati počiniti. Platno se ispostavlja kao svojevrsna enciklopedija najsuptilnijih nijansi ljudskih emocija i raspoloženja.

Leonardo da Vinci je posao završio iznenađujuće brzo: nakon samo dvije godine slika je bila u potpunosti završena. Međutim, monasima se to nije svidjelo: način njegovog izvođenja se previše razlikovao od ranije prihvaćenog stila slikovnog pisanja. Majstorova inovacija se sastojala ne samo i ne toliko u upotrebi boja nove kompozicije. Posebnu pažnju privlači način na koji je perspektiva prikazana na slici. Izrađena posebnom tehnikom, freska kao da širi i uvećava stvarni prostor. Čini se kao da su zidovi sobe prikazane na slici nastavak zidova manastirske trpezarije.

Monasi nisu cijenili niti razumjeli umjetnikove stvaralačke namjere i dostignuća, pa im nije previše stalo do očuvanja slike. Već dvije godine nakon oslikavanja freske, njene boje su počele kvariti i blijediti, površina zida sa nanesenom slikom kao da je bila prekrivena najfinijim tkaninom. To se desilo, s jedne strane, zbog lošeg kvaliteta novih boja, as druge, zbog stalnog izlaganja vlazi, hladnom vazduhu i pari koja je prodirala iz kuhinje manastira. Izgled slike je potpuno narušen kada su monasi odlučili da u zidu sa freskom usijeku dodatni ulaz u trpezariju. Kao rezultat toga, slika je odrezana na dnu.

Pokušaji restauracije remek-djela vršeni su od 13. stoljeća. Međutim, ispostavilo se da su svi bili uzaludni; boja se i dalje pogoršava. Razlog za to je trenutno pogoršanje ekološke situacije. Na kvalitet freske utiče povećana koncentracija izduvnih gasova u vazduhu, kao i isparljivih materija koje u atmosferu emituju fabrike i fabrike.

Sada čak možemo reći da su se rani restauratorski radovi na slici pokazali ne samo nepotrebnim i besmislenim, već su imali i svoju negativnu stranu. Tokom restauracije, umjetnici su često dodavali fresku, mijenjajući izgled likova predstavljenih na platnu i prikazanom interijeru. Tako se nedavno saznalo da jedan od apostola u početku nije imao dugu, zakrivljenu bradu. Osim toga, crna platna prikazana na zidovima blagovaonice nisu bila ništa drugo do mali tepisi. Samo
u 20. veku To smo uspjeli otkriti i djelimično obnoviti njihov ukras.

Moderni restauratori, među kojima se posebno istakla grupa koja je radila pod vodstvom Carla Bertelija, odlučili su vratiti izvorni izgled freske, oslobodivši je kasnije primijenjenih elemenata.

Tema majčinstva, slike mlade majke koja se divi svom djetetu, dugo je ostala ključna u radu velikog majstora. Prava remek-djela su njegove slike “Madonna Litta” i “Madonna with a Flower” (“Benois Madonna”). Trenutno se „Madonna Litta” čuva u Državnom muzeju Ermitaž u Sankt Peterburgu. Sliku je kupio ruski car Aleksandar II 1865. godine od porodice italijanskog vojvode Antonija Lite, kome je prethodno bila poklonjena od vojvoda Viskonti. Po nalogu ruskog cara, slika je prebačena sa drveta na platno i okačena u jednoj od sala čuvenog peterburškog muzeja.

Umjetnici smatraju (a to su i naučna istraživanja dokazala) da rad na stvaranju slike nije dovršio sam autor. Završio ga je jedan od Leonardovih učenika, Boltraffio.

Platno je najupečatljiviji izraz teme majčinstva u slikarstvu renesansnog perioda. Slika Majke Madone je svetla i duhovna. Pogled okrenut bebi je neobično nježan, istovremeno izražava
tuga, i mir, i unutrašnji mir. Majka i dijete ovdje kao da formiraju svoj, jedinstveni svijet, čineći jedinstvenu harmoničnu cjelinu. Ukupna ideja slike može se izraziti sljedećim riječima: dva živa bića, majka i dijete, sadrže osnovu i smisao života.

Slika Madone koja drži dijete je monumentalna. Kompletnost i sofisticiranost mu daje poseban, glatki prijelaz svjetla i sjene. Nježnost i krhkost figure naglašavaju draperije ogrtača prebačenog preko ženskih ramena. Prozori prikazani u pozadini slike balansiraju i upotpunjuju kompoziciju, naglašavajući odvojenost dvoje bliskih ljudi od ostatka svijeta.

Sliku „Madona sa cvetom“ („Benoa Madona“), oko 1478. godine, otkupio je car Nikolaj II 1914. od njenih poslednjih ruskih vlasnika posebno za Ermitaž. Njegovi rani vlasnici ostaju nepoznati. Postoji samo legenda koja kaže da je sliku u Rusiju donio talijanski putujući glumac, nakon čega ju je u Samari 1824. godine kupio trgovac Sapožnikov. Kasnije je platno naslijeđeno sa oca na kćer, M. A. Sapozhnikova (od njenog muža - Benoit), od koje ga je car kupio. Od tada slika nosi dva imena: „Madona sa cvetom“ (autora) i „Benoa Madona“ (po imenu poslednjeg vlasnika).

Slika Bogorodice s djetetom odražava obična, zemaljska osjećanja majke koja se igra sa svojim djetetom. Cijela scena je izgrađena na kontrastu: majka koja se smije i dijete sa punom ozbiljnošću proučava cvijet. Umjetnik, fokusirajući se upravo na ovu opoziciju, pokazuje čovjekovu želju za znanjem, njegove prve korake na putu ka istini. Ovo je glavna ideja platna.

Igra svjetla i sjene daje poseban, intiman ton cijeloj kompoziciji. Majka i beba su u svom svetu, odsečeni od zemaljske vreve. Unatoč određenoj uglatosti i krutosti prikazanih draperija, kist Leonarda da Vincija prilično je lako prepoznati po glatkim, mekim prijelazima nijansi korištenih boja i kombinacijama svjetla i sjene. Platno je oslikano nežnim, mirnim bojama, održavano u jedinstvenoj shemi boja, što slici daje mekan karakter i izaziva osjećaj nezemaljskog, kosmičkog sklada i spokoja.

Leonardo da Vinci je priznati majstor portreta. Među njegovim najpoznatijim slikama su Dama s hermelinom (oko 1483-1484) i Portret muzičara.

Likovni kritičari i istoričari sugerišu da slika „Dama s hermelinom“ prikazuje Ceciliju Gallerani, koja je bila miljenica milanskog vojvode Luja Moroa pre njegovog braka. Postoje podaci da je Cecilija bila vrlo obrazovana žena, što je u to vrijeme bilo vrlo rijetko. Osim toga, istoričari i biografi slavne umjetnice također vjeruju da je bila blisko upoznata sa Leonardom da Vincijem, koji je jednog dana odlučio da naslika njen portret.

Ova slika do nas je stigla samo u prepisanoj verziji, pa su naučnici dugo sumnjali u Leonardovo autorstvo. Međutim, dobro očuvani dijelovi slike koji prikazuju hermelin i lice mlade žene omogućavaju nam da sa povjerenjem govorimo o stilu velikog majstora da Vincija. Još jedna zanimljiva činjenica je da su gusta tamna pozadina, kao i neki detalji frizure, dodatni crteži napravljeni kasnije.

“Dama s hermelinom” jedna je od najsjajnijih psiholoških slika u galeriji portreta umjetnika. Cijela figura djevojke izražava dinamičnost, težnju naprijed i svjedoči o neobično voljnom i snažnom ljudskom karakteru. Ispravne crte lica to samo naglašavaju.

Portret je zaista kompleksan i višeznačan; sklad i potpunost slike postižu se spajanjem više elemenata: izraz lica, okretanje glave, položaj ruku. Oči žene odražavaju izuzetnu inteligenciju, energiju i pronicljivost. Čvrsto stisnute usne, ravan nos, oštra brada - sve naglašava volju, odlučnost i nezavisnost. Graciozan okret glave, otvoren vrat i ruka s dugim prstima koja miluje gracioznu životinju naglašavaju krhkost i vitkost cijele figure. Nije slučajno što gospođa u naručju drži hermelin. Bijelo krzno životinje, slično prvom snijegu, ovdje simbolizira duhovnu čistoću mlade žene.

Portret je iznenađujuće dinamičan. Majstor je uspio precizno uhvatiti trenutak kada bi jedan pokret trebao glatko prelaziti u drugi. I zato se čini da će djevojka oživjeti, okrenuti glavu i njena ruka će kliziti po mekom krznu životinje...

Izuzetnu ekspresivnost kompoziciji daju jasnoća linija koje formiraju figure, kao i majstorska upotreba i upotreba tehnike prelaska svetlosti u senku, uz pomoć koje se stvaraju forme na platnu.

"Portret muzičara" jedini je muški portret među remek-djelima Leonarda da Vinčija. Mnogi istraživači poistovjećuju model sa regentom milanske katedrale Franchinom Gaffuriom. Međutim, brojni naučnici opovrgavaju ovo mišljenje, rekavši da ovdje nije prikazan regent, već običan mladić, muzičar. Uprkos prisustvu nekih detalja karakterističnih za da Vinčijevu tehniku ​​pisanja, istoričari umetnosti i dalje sumnjaju u Leonardovo autorstvo. Ove sumnje su vjerovatno povezane s upotrebom na platnu elemenata karakterističnih za umjetničku tradiciju lombardskih portretista.

Tehnika izvođenja portreta po mnogo čemu podsjeća na rad Antonela da Mesine. Na pozadini bujne kovrčave kose, jasne, stroge linije lica donekle se ističu. Pred publikom se pojavljuje inteligentan čovjek snažnog karaktera, iako se istovremeno u njegovom pogledu nazire nešto nezemaljsko i duhovno. Možda se upravo u ovom trenutku u duši muzičara rađa nova, božanska melodija, koja će nakon nekog vremena osvojiti srca mnogih ljudi.

Međutim, ne može se reći da umjetnik pokušava umjetno uzvisiti osobu. Majstor suptilno i vješto prenosi svo bogatstvo i širinu ljudske duše, ne pribjegavajući hiperboli i patosu.

Jedna od najpoznatijih da Vinčijevih slika je čuvena “Madona od stijena” (1483-1493). Napravio ga je Leonardo na zahtjev monaha crkve San Francesco Grande u Milanu. Kompozicija je bila namijenjena ukrašavanju oltara u kapeli Immacolata.

Postoje dvije verzije slike, od kojih se jedna čuva u Louvreu u Parizu, a druga u Nacionalnoj galeriji u Londonu.

Upravo je Luvr “Madonna of the Rocks” ukrašavao oltar crkve. Naučnici sugerišu da ga je sam umjetnik poklonio francuskom kralju Luju XII. Učinio je to, prema istoričarima, u znak zahvalnosti za kraljevo učešće u rješavanju sukoba koji je nastao između kupaca slika i izvođača.

Donirana verzija zamijenjena je drugom slikom, koja se sada nalazi u Nacionalnoj galeriji u Londonu. Godine 1785. kupio ga je i u Englesku donio izvjesni Hamilton.

Posebnost "Madonne of the Rocks" je stapanje ljudskih figura sa pejzažom. Ovo je prva slika velikog umjetnika na kojoj su slike svetaca skladno isprepletene s prirodom inspirisane njihovim prisustvom. Po prvi put u majstorovom djelu, figure su prikazane ne na pozadini bilo kojeg elementa arhitektonske građevine, već kao da su zatvorene u grubom stjenovitom krajoliku. Ovaj osjećaj se stvara iu kompoziciji zbog posebne igre svjetla i padajućih sjenki.

Slika Madone ovdje je predstavljena kao neobično duhovna i nezemaljska. Meka svjetlost pada na lica anđela. Umjetnik je napravio mnogo skica i skica prije nego što su njegovi likovi oživjeli i njihove slike postale svijetle i izražajne. Jedna od skica prikazuje glavu anđela. Ne znamo da li je ovo devojčica ili dečak. Ali jedno se može sa sigurnošću reći: ovo je nezemaljsko stvorenje, puno nježnosti, dobrote, čistoće. Cijela slika je prožeta osjećajem smirenosti, mira i tišine.

Verzija, koju je majstor kasnije naslikao, razlikuje se od prve po nizu detalja: oreoli se pojavljuju nad glavama svetaca, mali Ivan Krstitelj drži krst, položaj anđela se mijenja. I sama tehnika izvođenja postala je jedan od razloga da se autorstvo slike pripiše Leonardovim učenicima. Ovdje su sve figure predstavljene bliže, većeg razmjera, a osim toga, linije koje ih formiraju ispadaju uočljivije, čak i teške, šiljatije. Ovaj efekat se stvara zgušnjavanjem senki i isticanjem pojedinačnih mesta u kompoziciji.

Druga verzija slike, prema likovnim kritičarima, običnija je, prizemnija. Možda je razlog tome bila činjenica da su sliku dovršili Leonardovi učenici. Međutim, to ne umanjuje vrijednost platna. U njemu je jasno vidljiva umjetnikova namjera, a jasno je vidljiva majstorova tradicija u stvaranju i izražavanju slika.

Ništa manje zanimljiva je istorija čuvene slike Leonarda da Vinčija „Navještenje“ (1470-ih). Nastanak slike datira iz ranog perioda umetnikovog stvaralaštva, tokom studija i rada u radionici Andrea Verrocchia.

Brojni elementi tehnike pisanja omogućavaju nam da pouzdano izjavimo da je autor čuvenog remek-djela Leonardo da Vinci i isključuje učešće Verrocchia ili drugih njegovih učenika u njegovom pisanju. Ipak, pojedini detalji u kompoziciji karakteristični su za umjetničku tradiciju Verrocchio škole. To sugerira da je mladi slikar, uprkos svojoj originalnosti i talentu koji su već tada bili evidentni, još uvijek bio u određenoj mjeri pod utjecajem svog učitelja.

Kompozicija slike je prilično jednostavna: pejzaž, seoska vila, dvije figure - Marija i anđeo. Na pozadini
vidimo brodove, neke zgrade, luku. Prisutnost ovakvih detalja nije sasvim tipična za Leonardovo djelo i oni ovdje nisu glavna stvar. Za umjetnika je važnije prikazati planine skrivene u daljini, skrivene maglovitom izmaglicom, i svijetlo, gotovo prozirno nebo. Nadahnute slike mlade žene koja čeka radosnu vijest i anđela su izuzetno lijepe i nježne. Linije njihovih oblika osmišljene su u da Vinčijevom maniru, što je svojevremeno omogućilo da se platno definiše kao remek-djelo koje pripada kistu ranog Leonarda.

Tehnika izvođenja manjih detalja također je karakteristična za tradiciju slavnog majstora: uglačane klupe, kameni parapet, stalak za knjige ukrašen zamršeno uvijajućim granama bajkovitih biljaka. Prototipom potonjeg, inače, smatra se sarkofag grobnice Giovannija i Piera de' Medici, koji je postavljen u crkvi San Lorenzo. Ove elemente, svojstvene Verrocchiovoj školi i karakteristične za potonjeg djela, da Vinci je donekle preispitao. Žive su, obimne, skladno utkane u ukupnu kompoziciju. Čini se da je autor sebi postavio cilj, uzimajući za osnovu repertoar svog učitelja, da, koristeći vlastitu tehniku ​​i umjetnička izražajna sredstva, otkrije svijet svog talenta.

Trenutno se jedna verzija slike nalazi u galeriji Uffizi u Firenci. Druga verzija kompozicije čuva se u Louvreu u Parizu.

Slika u Luvru je konstruisana nešto složenije od svoje ranije verzije. Ovdje se jasno mogu vidjeti geometrijski ispravne linije zidova kamenog parapeta, čiji uzorak ponavljaju klupe smještene iza Marijinog lika. Slike iznesene u prvi plan postavljene su u kompoziciju prikladno i logično. Odjeća Marije i anđela, u poređenju s prvom opcijom, ispisana je izražajnije i dosljednije. Marija, nisko pognute glave, obučena u tamnoplavu haljinu sa nebeskoplavim ogrtačem prebačenim preko ramena, izgleda kao nezemaljsko stvorenje. Tamne boje odjeće ističu i jasnije ističu bjelinu njenog lica. Ništa manje izražajna nije ni slika anđela koji je doneo radosnu vest Madoni. Žućkasti somot, bogat crveni ogrtač sa draperijama koje se glatko spuštaju prema dolje upotpunjuju bajkovitu sliku dobrog anđela.

U kasnoj kompoziciji posebno je zanimljiv pejzaž koji je majstor fino nacrtao: drveće koje raste u daljini, lišeno svake konvencije, gotovo realno vidljivo, svijetloplavo, prozirno nebo, planine skrivene laganom maglom, živo cvijeće pod nogama anđela.

Slika „Sveti Jeronim“ datira iz perioda rada Leonarda da Vinčija u radionici Andrea Verrocchia (tzv. firentinski period stvaralaštva umjetnika). Platno je ostalo nedovršeno. Glavna tema kompozicije je usamljeni junak, grešnik koji se kaje. Telo mu se osušilo od gladi. Međutim, njegov pogled, pun odlučnosti i volje, jasan je izraz čovjekove ustrajnosti i duhovne snage. Ni u jednoj slici koju je stvorio Leonardo nećemo pronaći dvojnost ili dvosmislenost pogleda.

Likovi na njegovim slikama uvijek izražavaju najviši stepen vrlo specifične duboke strasti i osjećaja.

O autorstvu Leonarda svjedoči i majstorski oslikana glava pustinjaka. Njegova neobična rasprostranjenost govori o majstorovom odličnom vladanju slikarskim tehnikama i poznavanju zamršenosti anatomije ljudskog tijela. Iako je potrebno napraviti malu rezervu: umjetnik ovdje na mnogo načina slijedi tradiciju Andrea del Castagna i Domenica Veneziana, koji, pak, potječu od Antonija Pollaiuola.

Lik Jeronima je neobično ekspresivan. Čini se da je pustinjak koji kleči sav usmjeren naprijed. Desno
u ruci drži kamen, još trenutak - i udariće se njime u prsa, bičeći svoje telo i proklinjući dušu za grehe koje je počinio...

Zanimljiva je i kompoziciona struktura slike. Čini se da je cijeli sklop zatvoren u spiralu, koja počinje stijenama, nastavlja se likom lava koji se nalazi kod nogu pokajnika, a završava likom pustinjaka.

Možda najpopularnije od svih remek-djela svjetske likovne umjetnosti je La Gioconda. Zanimljiva je činjenica da, nakon što je završio rad na portretu, umjetnik se nije odvajao od njega do svoje smrti. Kasnije je slika došla u ruke francuskog kralja Franje I, koji ju je stavio u Luvr.

Svi umjetnici se slažu da je slika naslikana 1503. Međutim, još uvijek postoje kontroverze oko prototipa mlade djevojke prikazane na portretu. Općenito je prihvaćeno (tradicija potiče od poznatog biografa Đorđa Vasarija) da portret prikazuje suprugu firentinskog građanina Francesca di Gioconda, Mona Lizu.

Gledajući sliku, možemo sa sigurnošću reći da je umjetnik postigao savršenstvo u stvaranju ljudske slike. Ovdje majstor odstupa od ranije prihvaćenog i raširenog načina izvođenja portreta. Mona Liza je naslikana na svijetloj pozadini i, osim toga, okrenuta je za tri četvrtine okreta, njen pogled je usmjeren direktno na gledatelja - to je bilo novo u portretnoj umjetnosti tog vremena. Zahvaljujući otvorenom pejzažu iza leđa djevojke, čini se da je figura ove djevojke dio pejzaža, harmonično se stapajući s njim. To se postiže posebnom umjetničkom i vizualnom tehnikom koju je Leonardo kreirao i koristio u svom radu - sfumato. Njegova suština leži u činjenici da su linije kontura nejasno ocrtane, zamagljene, a to u kompoziciji stvara osjećaj fuzije, međusobnog prožimanja njenih pojedinačnih dijelova.

Na portretu takva tehnika (spajanje ljudske figure i velikog prirodnog pejzaža) postaje način izražavanja filozofske ideje: ljudski svijet je ogroman, širok i raznolik kao i svijet prirode koji ga okružuje. nas. Ali, s druge strane, glavna tema kompozicije može se predstaviti i kao nemogućnost potpunog poznavanja prirodnog svijeta od strane ljudskog uma. S tom mišlju mnogi likovni kritičari povezuju ironični osmijeh na usnama Mona Lize. Čini se da kaže: “Svi ljudski napori da razumiju svijet su apsolutno uzaludni i uzaludni.”

Portret Mona Lize, prema istoričarima umetnosti, jedno je od najvećih dostignuća Leonarda da Vinčija. U njemu je umjetnik zaista mogao utjeloviti i najpotpunije izraziti ideju harmonije i neizmjernosti svijeta, ideju prioriteta razuma i umjetnosti.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti, italijanski slikar, vajar, arhitekta i pjesnik, rođen je u gradu Caprese kod Firence 6. marta 1475. godine. Michelangelov otac, Lodovico Buonarroti, bio je gradonačelnik grada Caprese. Sanjao je da će ga sin uskoro zamijeniti na službenom mjestu. Međutim, protiv želje svog oca, Michelangelo odlučuje da svoj život posveti slikarstvu.

Godine 1488. Michelangelo je otišao u Firencu i tamo upisao umjetničku školu, koju je tada vodio poznati majstor likovne umjetnosti Domenico Ghirlandaio. Godinu dana kasnije, 1489. godine, mladi umjetnik je već radio u radionici koju je osnovao Lorenzo Medici. Ovdje mladić uči slikati od drugog poznatog umjetnika i vajara svog vremena, Bertolda di Giovannija, koji je bio Donatellov učenik. U ovoj radionici Michelangelo je radio zajedno sa Angelom Polizianom i Picom della Mirandolom, koji su uvelike utjecali na razvoj likovne metode mladog slikara. Međutim, Mikelanđelovo delo nije bilo ograničeno na krug Lorenca de Medičija. Njegov talenat se stalno razvijao. Umjetnikovu pažnju sve više su privlačile velike herojske slike djela velikih Giotta i Masaccia.

U prvoj polovini 90-ih. U 15. veku pojavile su se prve skulpture Mikelanđela: „Madona od stepenica“ i „Bitka Kentaura“.

U „Madoni“ se vidi uticaj opšteprihvaćenog načina umetničkog predstavljanja u umetnosti tog vremena. U Michelangelovom djelu isti je detalj u plastičnosti figura. No, ovdje je već vidljiva čisto individualna tehnika mladog kipara, koja se očituje u stvaranju uzvišenih, herojskih slika.

Na reljefu „Bitke Kentaura“ više nema tragova spoljašnjeg uticaja. Ovaj rad je prvi samostalni rad talentiranog majstora, koji prikazuje njegov individualni rukopis. Na reljefu se pred gledaocem u cijelosti pojavljuje mitološka slika bitke Lapita s kentaurima. Scenu odlikuje izvanredna dramatičnost i realizam, što je izraženo precizno prenesenom plastikom prikazanih figura. Ova skulptura se može smatrati himnom heroju, ljudskoj snazi ​​i ljepoti. Uprkos dramatičnosti radnje, cjelokupna kompozicija sadrži duboku unutrašnju harmoniju.

Stručnjaci umjetnosti smatraju da je „Bitka Kentaura“ polazna tačka Mikelanđelovog rada. Kažu da umjetnikov genije potječe iz ovog djela. Reljef, koji datira iz ranih majstorovih radova, jedinstven je odraz cjelokupnog bogatstva Mikelanđelovog umjetničkog stila.

Od 1495. do 1496. Michelangelo Buonarroti boravio je u Bolonji. Ovdje se upoznaje sa slikama Jacopa della Quercia, koje su privukle pažnju mladog umjetnika monumentalnošću stvorenih slika.

Godine 1496. majstor se nastanio u Rimu, gdje je proučavao plastičnu umjetnost i način izvođenja nedavno otkrivenih antičkih skulptura, uključujući “Laocoon” i “Belvedere Torso”. Umjetnički stil starogrčkih kipara odrazio je Michelangelo u Bacchusu.

Od 1498. do 1501. umjetnik je radio na stvaranju mramorne grupe, nazvane “Pieta” i koja je Michelangelu donijela slavu jednog od prvih majstora Italije. Cijela scena koja prikazuje mladu majku koja plače nad tijelom svog ubijenog sina prožeta je osjećajem izuzetne ljudskosti i nježnosti. Nije slučajno da je umjetnik za model odabrao mladu djevojku - sliku koja personificira duhovnu čistoću.

Ovaj rad mladog majstora, koji prikazuje idealne junake, bitno se razlikuje od skulptura nastalih u 15. vijeku. Mikelanđelove slike su dublje i psihološkije. Osećaj tuge i tuge suptilno se prenosi kroz poseban izraz majčinog lica, položaj njenih ruku i njenog tela, čije su obline naglašene mekim draperijama njene odeće. Prikaz potonjeg, inače, može se smatrati svojevrsnim korakom unatrag u majstorovom radu: detaljni detalji elemenata kompozicije (u ovom slučaju nabori haljine i kapuljača) karakteristična su karakteristika umjetnost predrenesanse. Ukupna kompozicija je neobično ekspresivna i patetična, što je odlika stvaralaštva mladog vajara.

Godine 1501. Michelangelo, već poznati majstor skulpture u Italiji, ponovo odlazi u Firencu. Ovdje se nalazi njegov mermerni “David”. Za razliku od svojih prethodnika (Donatello i Verrocchio), Michelangelo je prikazao mladog heroja koji se upravo priprema za bitku. Ogromna statua (njena visina je 5,5 m) izražava neobično snažnu volju osobe, fizičku snagu i ljepotu njegovog tijela. Slika čovjeka u Michelangelovom umu slična je likovima mitoloških divovskih titana. David se ovdje pojavljuje kao oličenje ideje savršene, snažne i slobodne osobe, spremne da savlada sve prepreke na svom putu. Sve strasti koje su ključale u junakovoj duši prenesene su kroz okret Davidovog tijela i izraza lica, što govori o njegovom odlučnom i voljnom karakteru.

Nije slučajno što je Davidov kip krasio ulaz u Palazzo Vecchio (zgradu gradske uprave Firence) kao simbol moći, izuzetne snage i nezavisnosti grada-države. Cijela kompozicija izražava harmoniju snažne ljudske duše i jednako snažnog tijela.

Godine 1501., uz Davidov kip, pojavljuju se prva djela monumentalnog slikarstva („Bitka kod Cascine“) i štafelajnog slikarstva („Madonna Doni“ u okruglom formatu). Potonji se trenutno čuva u galeriji Uffizi u Firenci.

Godine 1505. Michelangelo se vratio u Rim. Ovdje radi na stvaranju grobnice pape Julija II. Prema planu, grobnica je trebalo da bude grandiozna arhitektonska građevina, oko koje bi se nalazilo 40 statua isklesanih od mermera i bronzanih reljefa. Međutim, nakon nekog vremena, papa Julije II je napustio svoj red, a Michelangelovim grandioznim planovima nije bilo suđeno da se ostvare. Izvori ukazuju da se kupac prilično grubo ponašao prema majstoru, zbog čega je on, uvrijeđen do srži, odlučio napustiti glavni grad i ponovo se vratiti u Firencu.

Međutim, firentinske vlasti su uvjerile slavnog kipara da sklopi mir s papom. Ubrzo se obratio Michelangelu s novim prijedlogom - ukrasiti strop Sikstinske kapele. Majstor, koji je sebe smatrao prvenstveno vajarom, nevoljko je prihvatio narudžbu. Unatoč tome, stvorio je sliku koja je i danas priznato remek-djelo svjetske umjetnosti i ostavila je u sjećanju slikara mnogim generacijama.

Treba napomenuti da je Michelangelo radio na oslikavanju stropa, čija je površina više od 600 kvadratnih metara. m, potpuno sam, bez pomoćnika. Međutim, četiri godine kasnije freska je u potpunosti završena.

Cijela površina stropa za farbanje podijeljena je na nekoliko dijelova. Centralno mjesto zauzima devet scena koje prikazuju stvaranje svijeta, kao i život prvih ljudi. U uglovima svake takve scene nalaze se figure golih mladića. Lijevo i desno od ove kompozicije su freske sa likovima sedam proroka i pet gatara. Strop, lučni svodovi i oplate ukrašeni su pojedinačnim biblijskim scenama. Treba napomenuti da su Mikelanđelove figure ovde različitih razmera. Ova posebna tehnička tehnika omogućila je autoru da usmjeri pažnju gledatelja na najvažnije epizode i slike.

Do sada su umjetnici zbunjeni problemom ideološkog koncepta freske. Činjenica je da su sve radnje koje ga čine napisane kršeći logički slijed razvoja biblijske radnje. Na primjer, slika "Nojevo pijanstvo" prethodi kompoziciji "Razdvajanje svjetla od tame", iako bi trebalo biti obrnuto. Međutim, takva raštrkanost tema nikako nije utjecala na umjetničku vještinu slikara. Očigledno, umjetniku je bilo važnije da ne otkrije sadržaj priče, već opet (kao u kipu “David”) da prikaže harmoniju prelijepe, uzvišene duše osobe i njegovog moćnog, snažnog tijela.
To potvrđuje i slika starijeg Sabaota nalik titanijumu (freska „Stvaranje Sunca i Meseca“), koji stvara svetila.

Na gotovo svim freskama koje govore o stvaranju svijeta, publici je predstavljen gigantski čovjek u kojem se, po želji tvorca, budi život, odlučnost, snaga i volja. Ideja nezavisnosti provlači se kroz sliku „Pad“, gde Eva, posežući za zabranjenim plodom, kao da izaziva sudbinu i izražava odlučnu želju za slobodom. Slike freske "Potop" također su pune iste nefleksibilnosti i žeđi za životom, čiji junaci vjeruju u nastavak života i rase.

Slike sibila i proroka predstavljene su likovima ljudi koji personificiraju snažna osjećanja i svijetlu individualnost likova. Mudri Joel je ovdje suprotnost očajnom Ezekielu. Gledaoca zadivljuju slike produhovljenog Isaije i prekrasne Delfijske Sibile s velikim jasnim očima, prikazane u trenutku predviđanja.

Patos i monumentalnost slika koje je stvorio Michelangelo zabilježeni su više nego jednom gore. Zanimljiva je činjenica da čak i tzv. Ispostavilo se da su pomoćne figure od strane gospodara obdarene istim osobinama kao i glavni likovi. Slike mladića, smještene u uglovima pojedinačnih slika, utjelovljenje su životne radosti koju osoba doživljava i svijest o vlastitoj duhovnoj i fizičkoj snazi.

Povjesničari umjetnosti s pravom smatraju da je slika Sikstinske kapele djelo koje je zaokružilo razdoblje Mikelanđelovog stvaralačkog razvoja. Ovdje je majstor tako uspješno podijelio strop da, unatoč svoj raznolikosti tema, freska u cjelini stvara dojam sklada i jedinstva slika koje je stvorio umjetnik.

Tokom čitavog Mikelanđelovog rada na fresci, majstorova umetnička metoda postepeno se menjala. Kasniji likovi su predstavljeni u većim dimenzijama - to je značajno povećalo njihovu monumentalnost. Osim toga, tako velika slika dovela je do činjenice da je plastičnost figura postala mnogo složenija. Međutim, to ni na koji način nije utjecalo na izražajnost slika. Možda se ovdje, više nego bilo gdje drugdje, razotkrio talenat vajara, koji je suptilno mogao prenijeti svaku liniju kretanja ljudske figure. Čini se kao da slike nisu slikane bojama, već majstorski izvajani volumetrijski reljefi.

Priroda fresaka na različitim dijelovima stropa je različita. Ako središnji dio izražava najoptimističnija raspoloženja, onda se u lučnim svodovima nalaze slike koje utjelovljuju sve nijanse sumornih osjećaja: mir, tugu i tjeskobu ovdje zamjenjuju zbunjenost i obamrlost.

Zanimljiva je i Mikelanđelova interpretacija slika Hristovih predaka. Neki od njih izražavaju osjećaj porodičnog jedinstva. Drugi su, naprotiv, puni ljutnje i mržnje jedni prema drugima, što nije tipično za biblijske junake pozvane da u svijet donose svjetlost i dobrotu. Povjesničari umjetnosti kasnije dogradnje kapele smatraju manifestacijom nove umjetničke metode, početkom kvalitativno novog razdoblja u stvaralaštvu slavnog majstora slikara.

U 20-im godinama U 16. veku pojavila su se Mikelanđelova dela koja su bila namenjena ukrašavanju grobnice pape Julija II. Narudžbu za izgradnju potonjeg primio je poznati kipar od papinih nasljednika. U ovoj verziji grobnica je trebala biti nešto manjih dimenzija sa minimalnim brojem statua. Ubrzo je majstor završio rad na tri skulpture: statuama dva roba i Mojsija.

Michelangelo je radio na slikama zarobljenika od 1513. Ključna tema ovog rada je čovjek koji se bori protiv njemu neprijateljskih snaga. Ovdje su monumentalne figure pobjedničkih heroja zamijenjene likovima koji umiru u neravnopravnoj borbi protiv zla. Štaviše, ove slike ispadaju podređene ne jednom cilju i zadatku umjetnika, već predstavljaju preplet emocija i osjećaja.

Svestranost slike izražena je jedinstvenom umjetničkom i vizualnom metodom koju koristi majstor. Ako je prije tog vremena Michelangelo nastojao prikazati figuru ili skulpturalnu grupu s jedne strane, sada slika koju je stvorio umjetnik postaje plastična i mijenja se. U zavisnosti od toga na kojoj se strani statua nalazi, ona poprima određene oblike, a ovaj ili onaj problem postaje sve akutniji.

Ilustracija gore navedenog može se vidjeti u “The Bound Prisoner”. Dakle, ako gledalac obiđe skulpturu u smjeru kazaljke na satu, lako će vidjeti sljedeće: prvo, figura vezanog zatvorenika zabačene glave i bespomoćnog tijela izražava neljudsku patnju od svijesti o vlastitoj nemoći, slabost ljudske duše i tela. Međutim, kako se krećemo dalje po skulpturi, slika se značajno mijenja. Zatvorenikova prethodna slabost nestaje, mišići mu se pune snagom, glava mu se ponosno diže. I sada pred gledateljem više nije iscrpljeni mučenik, već moćna figura titanskog heroja, koji se nekom apsurdnom nesrećom našao okovan. Čini se da će za samo trenutak veze biti pokidane. Međutim, to se ne dešava. Idući dalje, gledalac vidi kako čovekovo telo ponovo slabi, glava mu pada. I tu opet imamo pred sobom jadnog zatvorenika, pomirenog sa svojom sudbinom.

Ista varijabilnost može se pratiti i u statui “Umirući zatvorenik”. Dok se gledalac kreće naprijed, vidi kako se tijelo koje kuca u agoniji postepeno smiruje i utruje, izazivajući ideju vječne tišine i mira.

Skulpture zatvorenika su neobično ekspresivne, što nastaje realističnim prenošenjem plastičnog pokreta figura. Oživljavaju bukvalno pred očima gledaoca. Po snazi ​​izvršenja, statue zarobljenika mogu se porediti samo sa najranijim umetnikovim skulpturom, "Bitka Kentaura".

Kip “Mojsije” je, za razliku od “Zatvorenika”, nešto suzdržanijeg karaktera, ali ništa manje izražajan. Ovdje se Michelangelo ponovo okreće stvaranju slike titanskog čovjeka-heroja. Mojsijeva figura je oličenje vođe, vođe, čovjeka neobično snažne volje. Njegova suština je najpotpunije otkrivena u poređenju sa Davidom. Ako ovo drugo simbolizira povjerenje u nečiju snagu i nepobjedivost, onda je Mojsije ovdje personifikacija ideje da pobjeda zahtijeva ogroman trud. Ovu duhovnu napetost junaka majstor prenosi ne samo kroz prijeteći izraz lica, već i uz pomoć plastičnosti figure: oštro prelomljene linije nabora odjeće, podignutih pramenova Mojsijeve brade. .

Od 1519. Mikelanđelo je radio na još četiri statue zatvorenika. Međutim, ostali su nedovršeni. Nakon toga su uredili pećinu u vrtovima Boboli u Firenci. Statue se trenutno čuvaju u Firentinskoj akademiji. U tim se radovima pojavljuje nova tema za Michelangela: veza između skulpturalne figure i kamenog bloka uzetog kao izvornog materijala. Skulptor ovdje iznosi ideju o glavnoj namjeri umjetnika: osloboditi sliku od kamenih okova. S obzirom na to da su se skulpture pokazale kao nedovršene i da se u njihovim donjim dijelovima jasno vide neobrađeni komadi kamena, gledalac može vidjeti cijeli proces stvaranja slike. Ovdje je prikazan novi umjetnički sukob: čovjek i svijet oko njega. Štaviše, ovaj sukob se ne rješava u korist osobe. Okolina potiskuje sva njegova osećanja i strasti.

Djelo koje je označilo završetak faze visoke renesanse i ujedno predstavljalo novu fazu u Mikelanđelovom stvaralaštvu bilo je slikanje kapele Mediči u Firenci. Rad je trajao 15 godina, od 1520. do 1534. godine. Umjetnik je neko vrijeme bio primoran da obustavi rad zbog političkih događaja koji su se tada dešavali u Italiji. Godine 1527, kao odgovor na poraz Rima, Firenca se proglasila republikom.

Mikelanđelo je, kao pristalica republičke vlasti, izabran na mesto šefa fortifikacionih poslova i dao je veliki doprinos u odbrani grada. Kada je Firenca pala i Medičiji ponovo došli na vlast, nad slavnim umjetnikom, a sada i političarem, nadvila se ozbiljna prijetnja smrću. Spas je došao potpuno neočekivano. Papa Klement VII de' Medici, kao ponosan i tašt čovjek, izrazio je želju da svojim potomcima ostavi uspomenu na sebe i svoje rođake. Ko bi drugi osim Mikelanđela, čuvenog po svojoj umetnosti slikanja divnih slika i pravljenja odličnih statua, mogao ovo da uradi?

Tako su nastavljeni radovi na izgradnji kapele Mediči. Potonji je mala građevina sa visokim zidovima, na vrhu sa kupolom. Kapela sadrži dvije grobnice: vojvoda Giuliano od Nemoursa i Lorenzo od Urbina, smještene uz zidine. Na trećem zidu, nasuprot oltara, nalazi se kip Madone. Lijevo i desno od njega su skulpture koje personificiraju slike svetih Kozme i Damjana. Utvrđeno je da su ih izradili učenici velikog majstora. Istraživači sugerišu da su upravo za grobnicu Medičija napravljene statue “Apolon” ​​(drugo ime je “David”) i “Čučući dječak”.

Pored skulptura vojvoda, koji nisu imali spoljašnju sličnost sa svojim prototipovima, postavljene su alegorijske figure: „Jutro“, „Dan“, „Veče“ i „Noć“. Ovdje su predstavljeni kao simboli prolaznosti zemaljskog vremena i ljudskog života. Statue smještene u uskim nišama izazivaju utisak depresije, skorog dolaska nečeg strašnog i prijetećeg. Trodimenzionalni likovi vojvoda, sa svih strana smrskani kamenim zidovima, izražavaju duhovnu slomljenost i unutrašnju prazninu slika.

Najskladnija u ovom ansamblu je slika Madone. Izuzetno izražajan i pun lirizma, nedvosmislen je i neopterećen sumornim crtama.

Kapela Mediči posebno je zanimljiva sa stanovišta umjetničkog jedinstva arhitektonskih i skulpturalnih oblika. Linije zgrade i kipovi su ovdje podređeni jednoj ideji umjetnika. Kapela je upečatljiv primjer sinteze i harmonije interakcije dvije umjetnosti - skulpture i arhitekture, gdje se dijelovi jedne skladno nadopunjuju i razvijaju značenje elemenata druge.

Godine 1534. Michelangelo je napustio Firencu i nastanio se u Rimu, gdje je ostao do kraja života. Rimski period stvaralaštva velikog majstora protekao je u kontekstu borbe protivreformacije protiv ideja koje su veličali pisci, slikari i vajari renesanse. Kreativnost ovih potonjih zamjenjuje umjetnost manirista.

U Rimu se Michelangelo zbližio s ljudima koji su činili vjersko-filozofski krug koji je predvodila poznata italijanska pjesnikinja tog vremena Vittoria Colonna. Međutim, kao i u mladosti, Michelangelove misli i ideje bile su daleko od onih koje su lebdjele u glavama članova kruga. U stvari, majstor je živio i radio u Rimu u okruženju nerazumijevanja i duhovne usamljenosti.

U to vrijeme (1535-1541) pojavila se freska “Posljednji sud” koja je ukrašavala oltarski zid Sikstinske kapele.

Autor je ovdje reinterpretirao biblijsku priču. Sliku Posljednjeg suda gledatelj ne doživljava kao pozitivan početak, trijumf najviše pravde, već kao univerzalnu tragediju smrti cijele rase, poput Apokalipse. Ogromne ljudske figure pojačavaju dramatičnost kompozicije.

Spontana priroda slike u potpunosti odgovara zadatku umjetnika - prikazati osobu izgubljenu u općoj masi. Zahvaljujući ovakvom rješenju umjetničke slike, gledalac ima osjećaj usamljenosti u ovom svijetu i nemoći pred neprijateljskim silama sa kojima se nema smisla boriti. Tragične note dobijaju prodorniji zvuk i zato što majstor ovde nema čvrstu, monolitnu sliku kolektiva ljudi (kako bi to bilo predstavljeno na platnima umetnika kasne renesanse), svaki od njih živi svoje život. Međutim, nesumnjivom zaslugom slikara može se smatrati činjenica da je prikazao, doduše još nesuvislu, ali više ne bezličnu, ljudsku masu.

U Posljednjem sudu Mikelanđelo predstavlja neobično ekspresivnu kolorističku tehniku. Kontrast svijetlih nagih tijela i tamnog, crno-plavog neba pojačava utisak tragične napetosti i depresije u kompoziciji.

Michelangelo. Last Judgment. Freska Sikstinske kapele u Vatikanu. Fragment. 1535-1541

U periodu od 1542. do 1550. godine Michelangelo je radio na oslikavanju zidova kapele Paolina u Vatikanu. Veliki majstor slikar naslikao je dvije freske, od kojih je jedna kasnije nazvana “Obraćenje Pavla”, a druga “Raspeće Petrovo”. U potonjem, u likovima koji promatraju pogubljenje Petra, u potpunosti je zastupljena ideja prešutnog pristanka, nedjelovanja i pokoravanja osobe svojoj sudbini. Ljudi nemaju ni fizičku ni psihičku snagu da se nekako odupru nasilju i zlu.

Krajem 1530-ih. Pojavljuje se još jedna Mikelanđelova skulptura - bista Bruta. Ovo djelo je poslužilo kao jedinstven odgovor slavnog majstora na ubistvo despotskog vojvode Alesandra Medičija, koje je počinio njegov rođak Lorenzo. Bez obzira na prave motive, ovaj potonji radosno je dočekao umetnik, pristalica republikanaca. Slika Bruta ispunjena je građanskim patosom, predstavljenog kao plemenitog, ponosnog, nezavisnog gospodara, čovjeka velike inteligencije i toplog srca. Ovdje se Michelangelo kao da se vraća slici idealne osobe s visokim duhovnim i intelektualnim kvalitetima.

Posljednje godine Mikelanđelovog rada protekle su u atmosferi gubitka prijatelja i voljenih i još oštrije reakcije javnosti. Inovacije kontrareformista nisu mogle a da ne utiču na radove majstora, u kojima su se očitovale najprogresivnije ideje renesanse: humanizam, ljubav prema slobodi, nepokornost sudbini. Dovoljno je reći da je odlukom jednog od vatrenih poštovalaca kontrareforma, Pavla IV Karafe, izvršene promene u kompoziciji „Poslednje presude“ slavnog slikara. Papa je gole figure ljudi prikazanih na fresci smatrao nepristojnim. Po njegovom nalogu, Mikelanđelov učenik Daniele da Volterra sakrio je golotinju nekih Mikelanđelovih slika draperijom ogrtača.

Mikelanđelova poslednja dela - serija crteža i skulptura - prožeta su tmurnim i bolnim raspoloženjem usamljenosti i kraha svih nada. Upravo ti radovi najjasnije odražavaju unutrašnje kontradikcije priznatog majstora.

Tako je Isus Krist u Pieti iz Palestrine predstavljen kao heroj slomljen pod pritiskom vanjskih sila. Ista slika u "Pieti" ("Pogrebu") iz firentinske katedrale već je prizemnija i humanizirana. Ovo više nije titanski heroj. Ispada da je umjetniku važnije da pokaže duhovnu snagu, emocije i doživljaje likova.

Izlomljene konture Hristovog tela, lik majke koja se saginje nad mrtvim telom svog sina, Nikodim spušta telo
Isus u grob - sve je podređeno jednom zadatku: oslikavanju dubine ljudskih iskustava. Štaviše, istina
Prednost ovih radova je u tome što majstor prevazilazi razjedinjenost slika. Osobe na slici ujedinjuje osjećaj dubokog sažaljenja i gorčine gubitka. Ova Mikelanđelova tehnika razvijena je u sledećoj fazi razvoja italijanske umetnosti, u delima umetnika i skulptora kasne renesanse.

Vrhunac posljednje faze Mikelanđelovog rada može se smatrati skulpturom, kasnije nazvanom "Pieta Rondanini". Slike prikazane ovdje su predstavljene kao oličenje nježnosti, duhovnosti, duboke tuge i tuge. Ovdje tema ljudske usamljenosti u svijetu u kojem ima toliko ljudi zvuči oštrije nego ikad.

Isti motivi mogu se čuti i u kasnijim grafičkim radovima velikog majstora, koji je crtež smatrao temeljnom osnovom skulpture, slikarstva i arhitekture.

Slike Michelangelovih grafičkih radova ne razlikuju se od junaka njegovih monumentalnih kompozicija: ovdje su predstavljeni isti veličanstveni junaci titana. U posljednjem periodu svog stvaralaštva Michelangelo se okreće crtežu kao samostalnom umjetničkom i vizualnom žanru. Dakle, do 30-40-ih. U 16. veku su se pojavile majstorove najupečatljivije i najizrazitije kompozicije, kao što su „Pad Faetona“ i „Vaskrsenje Hristovo“.

Koristeći primjere grafičkih radova, lako se može pratiti evolucija majstorove umjetničke metode. Ako prvi crteži napravljeni olovkom sadrže vrlo specifične slike figura prilično oštrih kontura, kasnije slike postaju nejasnije i mekše. Ova lakoća nastaje zbog činjenice da umjetnik koristi sanguinu ili talijansku olovku, uz pomoć koje se stvaraju tanje i nježnije linije.

Međutim, Michelangelov kasniji rad obilježen je ne samo tragično beznadežnim slikama. Čini se da arhitektonske strukture velikog majstora iz ovog vremena nastavljaju tradiciju renesanse. Njegova katedrala Svetog Petra i arhitektonska cjelina Kapitola u Rimu oličenje su renesansnih ideja visokog humanizma.

Michelangelo Buonarroti je umro u Rimu 18. februara 1564. Njegovo tijelo je u najstrožoj tajnosti odvedeno iz glavnog grada i poslato u Firencu. Veliki umjetnik sahranjen je u crkvi Santa Croce.

Rad majstora slikarstva i skulpture odigrao je veliku ulogu u formiranju i razvoju umjetničke metode mnogih Michelangelovih sljedbenika. Među njima su Raphael, maniristi, koji su često kopirali linije slika koje je stvorio slavni slikar. Mikelanđelova umetnost nije bila ništa manje važna za umetnike koji su predstavljali barokno doba. Međutim, bilo bi pogrešno reći da su slike baroka (osobe nošene ne unutarnjim impulsima, već vanjskim silama) slične Michelangelovim junacima, koji veličaju humanizam, volju i unutarnju snagu čovjeka.

Rafael Santi

Rafael Santi rođen je u gradiću Urbinu 1483. godine. Nije bilo moguće utvrditi tačan datum rođenja velikog slikara. Prema nekim izvorima, rođen je 26. ili 28. marta. Drugi naučnici tvrde da je Rafaelov datum rođenja bio 6. april 1483. godine.

Krajem 15. veka Urbino je postao jedan od najvećih kulturnih centara u zemlji. Biografi sugerišu da je Raphael studirao sa svojim ocem, Giovannijem Santijem. Od 1495. godine mladić radi u umjetničkoj radionici urbinskog majstora Timotea della Vitea.

Najranijim Rafaelovim radovima koji su preživjeli do danas smatraju se minijature “San viteza” i “Tri gracije”. Već se u ovim djelima u potpunosti odražavaju humanistički ideali koje su propovijedali majstori renesanse.

U „Viteškom snu“ dolazi do osebujnog preispitivanja mitološke teme o Heraklu, koji je pred izborom: hrabrost ili zadovoljstvo?.. U Rafaelu je Herkul prikazan kao usnuli mladi vitez. Ispred njega su dvije mlade žene: jedna sa knjigom i mačem u rukama (simbol znanja, hrabrosti i oružanih podviga), druga sa cvjetnom grančicom koja oličava užitke i užitke. Cijela kompozicija je smještena u pozadini prekrasnog pejzaža.

“Tri gracije” ponovo predstavlja antičke slike, preuzete, po svoj prilici, iz starogrčke kameje (slika na dragom ili poludragom kamenu).

Unatoč činjenici da u ranim radovima mladog umjetnika ima mnogo pozajmica, već se ovdje jasno vidi kreativna individualnost autora. Izražena je u lirizmu slika, posebnoj ritmičkoj organizaciji djela i mekoći linija koje formiraju figure. Kao umjetniku visoke renesanse, o njemu govori izuzetna harmonija prikazanih slika, kao i kompoziciona jasnoća i jasnoća, svojstvena ranim Rafaelovim radovima.

Godine 1500. Raphael je napustio svoj rodni grad i otišao u Perugiu, glavni grad Umbrije. Ovdje je učio slikarstvo u radionici Pietra Perugina, koji je bio osnivač Umbrijske umjetničke škole. Rafaelovi savremenici svjedoče: sposoban učenik je toliko duboko usvojio slikarski stil svog učitelja da se njihove slike nisu mogle ni razlikovati. Vrlo često su Raphael i Perugino ispunjavali narudžbu, radeći zajedno na slici.

Međutim, pogrešno bi bilo reći da se izvorni talenat mladog umjetnika u tom periodu uopće nije razvio. To potvrđuje i čuvena “Madonna Conestabile”, nastala oko 1504. godine.

Na ovoj slici se prvi put pojavljuje slika Madone, koja će kasnije zauzeti jedno od vodećih mjesta u stvaralaštvu umjetnika. Madona je naslikana u pozadini predivnog pejzaža sa drvećem, brdima i jezerom. Slike objedinjuje činjenica da je pogled Madone i bebe usmeren na knjigu koju mlada majka čita. Kompletnost kompozicije ne prenose samo figure glavnih likova, već i sam oblik slike - tondo (okrugli), koji nimalo ne ograničava slobodu slika. Obimne su i lagane. Dojam prirodnosti i realizma stvara se korištenjem svijetlih, hladnih boja i njihovih posebnih kombinacija u kompoziciji: Madonin tamnoplavi rt, prozirno plavo nebo, zeleno drveće i jezerska voda, planine prekrivene snijegom sa bijelim vrhovima. Sve to, gledajući sliku, stvara osjećaj čistoće i nježnosti.

Još jedno jednako poznato Rafaelovo djelo, koje također datira iz ranog perioda njegovog stvaralaštva, je slika nastala 1504. godine pod nazivom „Marijina zaruka“. Slika se trenutno čuva u galeriji Brera u Milanu. Ovdje je posebno zanimljiva kompoziciona struktura. Vjerski i obredni obred zaruka slikar je sa zidova crkve, vidljivih u daljini, prenio na ulicu. Sakrament se odvija pod vedrim svijetloplavim nebom. U sredini slike je svećenik, lijevo i desno od njega su Marija i Josip, pored kojih u malim grupama stoje djevojke i mladići. Crkva, postavljena u perspektivi kompozicije, svojevrsna je pozadina na kojoj se odvija angažman. Ona je simbol božanske naklonosti i naklonosti prema Mariji i Josipu. Logičku zaokruženost slici daje polukružni okvir platna u njegovom gornjem dijelu, koji ponavlja liniju crkvene kupole.

Likovi na slici su neobično lirični i istovremeno prirodni. Pokreti i plastičnost ljudskog tijela ovdje su vrlo precizno i ​​suptilno dočarani. Upečatljiv primjer za to je figura dječaka, smještena u prvom planu kompozicije, koji lomi štap na kolenu. Marija i Josip gledaocu djeluju graciozno, gotovo eterično. Njihova duhovna lica ispunjena su ljubavlju i nježnošću. Unatoč određenoj simetriji u rasporedu figura, platno ne gubi svoj lirski zvuk. Slike koje je stvorio Raphael nisu dijagrami, oni su živi ljudi u svoj raznolikosti njihovih osjećaja.

Upravo se u ovom radu po prvi put, u poređenju s prethodnim radovima, otkrio talent mladog majstora u sposobnosti suptilnog organiziranja ritma kompozicije. Zahvaljujući ovom svojstvu, slike arhitektonskih objekata skladno su uključene u cjelokupnu sliku, koje nisu samo element pejzaža u Raphaelu, već se i izjednače s glavnim likovima, otkrivajući njihovu suštinu i karakter.

Umjetnikovo korištenje boja određenih tonova također je diktirano željom da se stvori poseban ritam u radu. Tako je kompozicija „Zaručnica Marijina“ izgrađena na samo četiri boje.

Zlatnožuti, zeleni i crveni tonovi, kombinovani u odjeći likova, pejzažu, arhitekturi i postavljajući potreban ritam cjelokupne kompozicije, čine harmoniju sa svijetloplavim nijansama neba.

Vrlo brzo Peruginov umjetnički atelje postaje premali za daljnji rast slikarskog talenta. Godine 1504. Raphael je odlučio da se preseli u Firencu, gdje se razvijaju ideje i estetika umjetnosti visoke renesanse. Ovdje se Raphael upoznaje sa djelima Michelangela i Leonarda da Vincija. Sa sigurnošću možemo reći da su oni bili učitelji mladog slikara u ovoj fazi formiranja njegove kreativne metode. U djelima ovih majstora mladi umjetnik je pronašao nešto što nije bilo dostupno u umbrijskoj školi: originalan stil stvaranja slika, ekspresivnu plastičnost prikazanih figura, obimniji prikaz stvarnosti.

Nova umjetnička i vizualna rješenja već su se odrazila u radovima Raphaela 1505. godine. Portreti tada poznatog filantropa iz Firence Angela Donija i njegove supruge trenutno se nalaze u galeriji Pitti. Slike su lišene bilo kakvog herojskog patosa i hiperbolizacije. To su obični ljudi, međutim, obdareni najboljim ljudskim osobinama, uključujući odlučnost i snažnu volju.

Ovdje, u Firenci, Raphael je naslikao niz slika posvećenih Madoni. Pojavljuju se njegove slike „Madona u zelenilu“, „Madona sa češljugom“, „Madona baštovanka“. Ove kompozicije su varijacije jednog djela. Sve slike prikazuju Bogorodicu s Djetetom sa malim Jovanom Krstiteljem. Figure su postavljene na pozadini fantastično lijepog krajolika. Raphaelove slike su neobično lirične, meke i nježne. Njegova Madona je oličenje sveopraštajuće, spokojne majčinske ljubavi. U ovim djelima javlja se određena doza sentimentalnosti i pretjeranog divljenja prema vanjskoj ljepoti junaka.

Posebnost slikareve umjetničke metode u ovom periodu je nedostatak jasne vizije boje svojstvene svim majstorima firentinske škole. Na platnima nema dominantnih boja. Slike su predstavljene u pastelnim bojama. Boja ovdje nije najvažnija stvar za umjetnika. Ispada da mu je važnije da što preciznije prenese linije koje formiraju figuru.

Prvi primjeri monumentalnog slikarstva Raphaela nastali su u Firenci. Među njima je najzanimljivija Bogorodica s Ivanom Krstiteljem i sv., nastala između 1506. i 1507. godine. Nikole" (ili "Madona od Ansideja"). Na umjetnikov kreativni metod uvelike su utjecale slike firentinskih slikara, uglavnom Leonarda da Vincija i Fra Bartolomea.

Godine 1507, želeći da se uporedi sa najboljim majstorima firentinske škole, to su bili Leonardo da Vinči i Mikelanđelo, Rafael je stvorio prilično veliko platno, nazvano "Zagreb". Pojedini elementi slika kompozicije su ponavljanja poznatih slikara. Tako su glava i tijelo Krista posuđeni iz Mikelanđelove skulpture “Pieta” (1498-1501), a lik žene koja podržava Mariju je sa slike “Madonna Doni” istog majstora. Mnogi likovni kritičari ne smatraju ovo Rafaelovo djelo originalnim, otkrivajući njegov izvorni talenat i posebnosti njegove umjetničke i vizualne metode.

Uprkos njegovom posljednjem neuspješnom radu, Raphaelova dostignuća u umjetnosti bila su značajna. Ubrzo su savremenici primijetili i prepoznali radove mladog umjetnika, a sam autor je stavljen u ravan s istaknutim majstorima slikara renesanse. 1508. godine, pod pokroviteljstvom čuvenog arhitekte Bramantea, Rafaelova sunarodnika, slikar odlazi u Rim, gde je među pozvanima na papski dvor.

Julije II, koji je u to vrijeme bio na papskom tronu, bio je poznat kao sujetan, odlučan i snažan čovjek.
Tokom njegove vladavine ratom su se papske vlasti znatno proširile. Ista “ofanzivna” politika vođena je iu odnosu na razvoj kulture i umjetnosti. Tako su na papski dvor pozvani najpoznatiji umjetnici, vajari i arhitekti. Rim, ukrašen brojnim arhitektonskim građevinama, počeo se primjetno transformirati: Bramante je sagradio katedralu sv. Petra; Mikelanđelo je, privremeno obustavivši izgradnju grobnice Julija II, počeo da oslikava plafon Sikstinske kapele. Postepeno se oko pape formirao krug pjesnika i naučnika koji su propovijedali visoke humanističke principe i ideje. U takvoj atmosferi našao se i Rafael Santi, koji je stigao iz Firence.

Stigavši ​​u Rim, Rafael je započeo rad na oslikavanju papinih stanova (tzv. strofa). Freske su nastale u periodu od 1509. do 1517. godine. Od sličnih djela drugih majstora razlikuju se po nizu karakteristika. Prije svega, ovo je razmjer slika. Ako se u djelima prethodnih slikara nekoliko malih kompozicija nalazilo na jednom zidu, onda je kod Raphaela svaka slika dobila poseban zid. Shodno tome, prikazane figure su takođe „rasle“.

Dalje, potrebno je napomenuti bogatstvo Rafaelovih fresaka s raznim dekorativnim elementima: stropovima ukrašenim umjetnim mramorom i pozlatom, freskama i mozaičkim kompozicijama, podovima oslikanim zamršenim uzorcima. Takva raznolikost, međutim, ne stvara utisak ekscesa i haosa. Dekorativni elementi postavljeni na svoja mjesta i vješto raspoređeni izazivaju osjećaj harmonije, reda i određenog ritma koji je majstor postavio. Kao rezultat ovakvih kreativnih i tehničkih inovacija, slike koje je umjetnik stvorio na svojim slikama jasno su vidljive gledaocu i stoga dobivaju potrebnu jasnoću i jasnoću.

Sve freske trebale su biti podređene zajedničkoj temi: veličanju Katoličke crkve i njenog poglavara. U tom smislu, slike su zasnovane na biblijskim temama i scenama iz istorije papstva (sa slikama Julija II i njegovog nasljednika Lava X). Međutim, kod Raphaela takve specifične slike dobivaju generalizirano alegorijsko značenje, otkrivajući suštinu humanističkih ideja renesanse.

Od posebnog interesa s ove tačke gledišta je Stanza della Segnatura (soba za potpise). Freske kompozicije su izraz četiri oblasti čovekove duhovne delatnosti. Tako, freska “Rasprava” prikazuje teologiju, “Atinska škola” - filozofiju, "Parnas" - poeziju, "Mudrost, umjerenost i snagu" - pravdu. Gornji dio svake freske okrunjen je alegorijskom slikom figure koja personificira posebnu vrstu aktivnosti. U uglovima svodova nalaze se male kompozicije koje su tematski slične određenoj fresci.

Kompozicija slike Stanza della Segnatura zasnovana je na kombinaciji biblijskih i drevnih grčkih tema (biblijski - "Pad", antički - "Pobjeda Apolona nad Marsijom"). Sama činjenica da je kombinacija mitološke, paganske i svjetovne tematike korištena za ukrašavanje papinskih soba svjedoči o odnosu ljudi tog vremena prema vjerskoj dogmi. Rafaelove freske izražavale su prioritet sekularnog nad crkveno-religioznim.

Najupečatljivija i najpotpunije reflektirajuća freska vjerskog kulta bila je slika „Disputa“. Ovdje se čini da je kompozicija podijeljena na dva dijela: nebo i zemlju. Ispod, na zemlji, nalaze se likovi crkvenih otaca, kao i sveštenstvo, starješine i omladina. Njihove slike su neobično prirodne, što nastaje kroz realističan prijenos plastičnosti tijela, okreta i kretanja figura. Među masom lica ovdje možete lako prepoznati Dantea, Savonarolu i slikara Fra Beato Angelica.

Iznad figura ljudi nalaze se slike koje simboliziraju Sveto Trojstvo: Bog Otac, odmah ispod njega je Isus Krist sa Majkom Božjom i Jovanom Krstiteljem, ispod njih je golub - personifikacija Duha Svetoga. U središtu cjelokupne kompozicije, kao simbol zajedništva, nalazi se napolita.

U Disputu se Rafael pojavljuje kao nenadmašni majstor kompozicije. Unatoč brojnim simbolima, sliku odlikuje izvanredna jasnoća slika i jasnoća misli autora. Simetriju rasporeda figura u gornjem dijelu kompozicije ublažavaju gotovo haotično postavljene figure u donjem dijelu. I stoga, neka skiciranost na slici prvog postaje jedva primjetna. Presječni kompozicioni element ovdje je polukrug: polukrug svetaca i apostola smještenih u gornjem dijelu na oblacima i, kao njegov odjek, polukrug slobodnih i prirodnijih figura ljudi u donjem dijelu slike.

Jedna od najboljih Rafaelovih fresaka i dela iz ovog perioda njegovog stvaralaštva smatra se slika „Atinska škola“. Ova freska je oličenje visokih humanističkih ideala povezanih sa umetnošću antičke Grčke. Umjetnik je prikazao poznate antičke filozofe i naučnike. U središnjem dijelu kompozicije nalaze se figure Platona i Aristotela. Platonova ruka pokazuje na zemlju, a Aristotelova na nebo, simbolizirajući učenja antičkih filozofa.

Na lijevoj strani Platona nalazi se Sokratov lik koji vodi razgovor sa grupom ljudi, među kojima se primjetno ističe lice mladog Alkibijada, čije je tijelo zaštićeno školjkom, a glava prekrivena šlemom. Na stepenicama je Diogen, osnivač kiničke škole filozofije. Ovdje je predstavljen kao prosjak koji stoji na ulazu u hram i moli milostinju.

Na dnu kompozicije nalaze se dvije grupe ljudi. Na lijevoj strani je lik Pitagore okružen učenicima. Desno je Euklid, koji crta nešto na ploči, također okružen učenicima. Desno od posljednje grupe su Zoroaster i okrunjeni Ptolomej sa sferama u rukama. U blizini je autor postavio svoj autoportret i lik slikara Sodome (upravo je on počeo slikati Stanzu della Segnatura). Lijevo od centra, umjetnik je postavio zamišljenog Heraklita iz Efeza.

U poređenju sa slikama na fresci Disputa, figure Atinske škole su mnogo veće i monumentalnije. Ovo su heroji obdareni izuzetnom inteligencijom i velikom snagom. Glavne slike freske su Platon i Aristotel. Njihov značaj određen je ne samo i ne toliko mjestom u kompoziciji (zauzimaju centralno mjesto), već izrazima lica i posebnom plastikom tijela: ove figure imaju zaista kraljevski stav i hod. Zanimljiva je činjenica da je prototip Platonove slike bio Leonardo da Vinci. Uzor za slikanje Euklidove slike bio je arhitekta Bramante. Prototip Heraklita bila je figura koju je Mikelanđelo prikazao na plafonu Sikstinske kapele. Neki naučnici sugeriraju da je majstor kopirao sliku Heraklita od samog Mikelanđela.

Tu se mijenja i tema: freska zvuči kao svojevrsna himna ljudskom umu i ljudskoj volji. Zato su svi likovi smješteni na pozadini grandioznih arhitektonskih građevina, simbolizirajući beskonačnost ljudskog uma i kreativne misli. Ako su junaci „Disputa” pasivni, onda su slike predstavljene u „Atinskoj školi” aktivni i energični graditelji svojih života, transformatori svetskog društvenog poretka.

Zanimljiva su i kompoziciona rješenja freske. Tako su figure Platona i Aristotela smještene u pozadini, zbog činjenice da su prikazane u pokretu, glavne na slici. Osim toga, oni čine dinamički centar kompozicije. Istučeći iz dubine, kao da se kreću naprijed prema gledaocu, što stvara utisak dinamike i razvijenosti kompozicije koju uokviruje polukružni luk.

Radove na slici iza sobe za pečate Stanze d'Eliodoro izveo je Rafal između 1511. i 1514. godine. Teme za freske u ovoj prostoriji bile su biblijske legende i činjenice iz povijesti papstva, uljepšane pričama u kojima je glavno mesto je dato božanskom proviđenju i čudima.

Soba je dobila ime po završetku dekorativnih radova na fresci "Protjerivanje Eliodora", čija je radnja zasnovana na priči o sirijskom zapovjedniku Eliodoru, koji je želio ukrasti bogatstvo pohranjeno u jeruzalemskom zamku. Međutim, spriječio ga je nebeski konjanik. Freska je poslužila kao podsjetnik na to kako su trupe pape Julija II porazile i sramotno protjerale francusku vojsku iz Papske države.

Međutim, ovu fresku ne odlikuje snaga izraza umjetnikove stvaralačke namjere. To se vjerovatno događa zbog činjenice da je cjelokupna kompozicija podijeljena na dva odvojena dijela. Lijevo prikazuje prekrasnog konjanika koji zajedno sa dva anđela pokušava pobijediti Eliodora. Na desnoj strani freske je Julije II zavaljen na nosilima. Među onima koji podržavaju nosila, slikar je prikazao poznatog njemačkog slikara Albrechta Durera. Unatoč tobožnjoj herojskoj patetici radnje, Raphaelove slike ovdje su potpuno lišene dinamike i drame.

Nešto snažnijeg karaktera i savršenije kompozicione strukture je freska pod nazivom “Misa u Bolseni”. Radnja je zasnovana na priči o nevjernom svećeniku čija je oblanda postala umrljana krvlju dok je dijelio sakrament. Svjedoci ovog čuda na Rafaelovom platnu bili su papa Julije II, kardinali stacionirani iza njega i švicarska garda.

Posebnost ovog rada poznatog umjetnika bio je veći stepen prirodnosti i autentičnosti u prikazu likova u odnosu na prethodne radove. To više nisu apstraktne figure, upečatljive svojom vanjskom ljepotom, već vrlo stvarni ljudi. Najupečatljiviji dokaz o tome su slike Švajcaraca iz papske garde, čija su lica puna unutrašnje energije i izražavaju snažnu ljudsku volju. Međutim, njihova osjećanja nisu kreativna mašta umjetnika. Ovo su veoma stvarne ljudske emocije.

U ovom radu autor veliku pažnju posvećuje boji, kolorističkom sadržaju platna i slikama. Slikar se sada bavi ne samo tačnim prikazivanjem konturnih linija figura, već i zasićenošću boja slika, prikazom njihovog unutrašnjeg svijeta kroz određeni ton.

Jednako izražajna je i freska “Izlaganje Petra”, koja prikazuje scenu oslobađanja apostola Petra od strane anđela. Povjesničari umjetnosti vjeruju da je ova slika simbol fantastičnog oslobođenja papskog legata Lava X (koji je kasnije postao papa) iz francuskog ropstva.

Za ovu fresku posebno je zanimljiva kompozicija i kolorističko rješenje koje je pronašao autor. Reproducira noćno osvjetljenje, što pojačava dramatičnost cjelokupne kompozicije. Razotkrivanju sadržaja i većoj emocionalnoj punoći slike umnogome olakšava precizno odabrana arhitektonska pozadina: tamnica od masivnih cigli, teški lučni svod, debele rešetkaste rešetke.

Četvrtu i posljednju fresku u Stanci d'Eliodoro, kasnije nazvanu "Susret pape Lava I sa Atilom", izveli su po Rafaelovim skicama njegovi učenici, Đulio Romano i Frančesko Peni. Radovi su izvedeni u periodu od 1514. do 1517. godine. Sam majstor, koji je do tada postao izuzetno popularan umjetnik, čija se slava širila po cijeloj Italiji i koji je dobio mnogo narudžbi, nije mogao dovršiti radove na ukrašavanju papske odaje. Osim toga, Rafael je u to vrijeme bio imenovan za glavnog arhitektu katedrale Svetog Petra, a također je nadgledao arheološka iskopavanja koja su tada obavljena u Rimu i njegovoj okolini.

Slike koje su ukrašavale Stanzu del Incendio bile su zasnovane na pričama iz istorije papstva. Među svim freskama, možda samo jedna zaslužuje posebnu pažnju - „Vatra u Borgu“. Govori o požaru koji se dogodio u jednoj od rimskih četvrti 847. godine. Tada je papa Lav IV učestvovao u gašenju požara. Ovu fresku odlikuje pretjerana patetika i umjetna dramatika u prikazu ljudi koji pokušavaju pobjeći od katastrofe: sina koji nosi oca, mladića koji se penje preko zida, djevojke koja drži vrč.

Freske vatikanskih strofa jasno pokazuju evoluciju Rafaelovog stvaralaštva: umjetnik postupno prelazi od idealnih slika svojih ranih djela do drame i, istovremeno, približavanja životu u djelima koja datiraju iz kasnog razdoblja (predmetne kompozicije i portreti).

Gotovo odmah po dolasku u Rim, 1509. godine, Rafael je, nastavljajući temu Bogorodice, naslikao platno “Madona Alba”. U poređenju sa figurama u Madonni Conestabile, slike u Madoni Albi su mnogo složenije. Marija je ovdje prikazana kao mlada žena snažnog karaktera, energična i samouvjerena. Pokreti bebe su jednako snažni. Slika je rađena u obliku tonda. Međutim, ovdje su figure izvučene u cijelosti, što nije bilo tipično za okrugla platna. Takav raspored figura, međutim, ne dovodi do pojave statičnih slika. Oni, kao i cjelokupna kompozicija u cjelini, prikazani su u dinamici. Ovaj osjećaj nastaje zbog činjenice da majstor suptilno i precizno prenosi plastične pokrete ljudskog tijela.

Za razvoj umjetnikove kreativne metode od posebnog je značaja bila slika “Madona u fotelji” (ili “Madonna della Sedia”), rad na kojoj je završen oko 1516. godine. Pomalo idealizirana slika Madone ovdje je utemeljena zbog uvođenje specifičnih, stvarnih elemenata u kompoziciju. Na primjer, Marijina prsa prekrivena su širokim, svijetlim šalom sa resama. Takve marame bile su omiljena odjeća svih talijanskih seljanki u to vrijeme.

Likovi Bogorodice, malog Hrista i malog Jovana Krstitelja nalaze se blizu jedan drugom. Čini se kao da se slike glatko prelivaju jedna u drugu. Cijela slika je prožeta neobično svijetlim lirskim osjećajem. Uvijek živa tema majčinske ljubavi ovdje se prenosi ne samo u Marijinom pogledu, već i u plastičnosti njenog lika. Tondo oblik daje čitavoj kompoziciji logičnu zaokruženost. Likovi Marije i bebe, postavljeni na okruglo platno, simbol su jedinstva dvoje najbližih ljudi: majke i djeteta. Ovo
Rafaelovo slikarstvo su njegovi savremenici prepoznali kao vrhunac štafelajnog slikarstva, ne samo sa stanovišta kompozicione strukture, već i zbog suptilnog prikaza plastičnih linija slika.

Od 10-ih godina XVI vijek Rafael radi na kompozicijama za oltare. Tako se 1511. pojavljuje “Madona od Foligna”. A 1515. godine slavni umjetnik počinje stvarati platno koje će kasnije slikaru donijeti slavu velikog majstora i osvojiti srca više od jedne generacije ljudi. Sikstinska Madona je slika koja je označila završnu fazu u razvoju Rafaelove umjetničke metode. Tema majčinstva je ovdje dobila, u poređenju sa prethodnim radovima, najveći razvoj i najpotpunije oličenje.

Po ulasku u katedralu, pogled gledaoca odmah privlači veličanstvena figura Madone koja u naručju nosi bebu Isusa Hrista. Ovaj efekat se postiže posebnim kompozicionim rasporedom likova. Blago otvorena zavjesa, pogledi svetih Siksta i Barbare okrenuti Mariji - sve to ima za cilj da istakne i učini mladu majku središtem kompozicije.

Otkrivajući sliku Madone, Raphael se udaljio od renesansnih umjetnika. Madonna se ovdje direktno obraća gledaocu. Nije zauzeta djetetom (kao Madona Leonarda da Vinčija) i nije zaokupljena sobom (kao junakinje iz ranih majstorovih djela). Ova Marija, krećući se po snježno bijelim oblacima prema gledaocu, vodi razgovor s njim. U njenim širom otvorenim očima vidi se majčinska ljubav, neka zbunjenost, beznađe, poniznost i duboka zabrinutost za buduću sudbinu njenog sina. Ona, kao vidovnjakinja, zna sve što će se desiti njenom detetu. Međutim, da bi spasila ljude, njegova majka je spremna da ga žrtvuje. Slika malog Hrista obdarena je istom ozbiljnošću. Čini se da je cijeli svijet sadržan u njegovim očima, on nam, poput proroka, govori o sudbini čovječanstva i njegove vlastite.

Raphael. Sikstinska Madona. 1515-1519

Slika Marije puna je drame i neobično ekspresivna. Međutim, on je lišen idealizacije i nije obdaren hiperboličkim osobinama. Ovdje se stvara osjećaj zaokruženosti i zaokruženosti slike zahvaljujući dinamičnosti kompozicije, koja je izražena preciznim i vjernim prikazom plastičnosti figura i draperije odjeće likova. Sve figure su predstavljene, žive, pokretne, svijetle. Marijino lice, poput bebe Krista s nedjetinjasto tužnim očima, izražava čitav niz osjećaja, koji se mijenjaju jedno za drugim doslovno pred očima gledatelja: tugu, tjeskobu, poniznost i, na kraju, odlučnost.

Među povjesničarima umjetnosti i dalje ostaje otvoreno pitanje prototipa Sikstinske Madone. Neki naučnici ovu sliku poistovjećuju s likom mlade žene prikazane na portretu „Dama pod velom“ (1514.). Međutim, prema svjedočenju umjetnikovih suvremenika, Marija na slici “Sikstinska Madona” predstavlja više generalizirani tip žene, rafaelski ideal, nego konkretnu sliku bilo koga.

Među Rafaelovim portretnim djelima posebno je zanimljiv portret pape Julija II, naslikan 1511. Ovdje je kao svojevrsni ideal prikazana stvarna osoba, što je bila karakteristična crta slikareve stvaralačke metode.

Posebnu pažnju zaslužuje portret grofa Baldassarea Castiglionea, nastao 1515. godine, koji prikazuje mirnog, uravnoteženog, skladno razvijenog čovjeka. Raphael se ovdje pojavljuje kao divan majstor boja. Koristi složene kombinacije boja i tonske prijelaze. Isto majstorstvo u nijansama odlikuje se i drugim slikarevim radom: ženskim portretom „Dama u velu“ („La donna velata“, 1514), gdje je dominantna boja bijela boja (ženska snježnobijela haljina odiše svetlosni veo).

Značajan dio Rafaelovog stvaralaštva zauzimaju monumentalna djela. Među njegovim kasnijim sličnim djelima najzanimljivija je freska “Trijumf Galateje” koja je 1515. krasila zidove vile Farnesine (nekadašnje vlasništvo bogataša Čigija). Ovu sliku odlikuje neobično radosno raspoloženje. Slike su bukvalno preplavljene srećom. Sličan ton nastaje korištenjem posebne kombinacije svijetlih, zasićenih boja: gola bijela tijela ovdje su skladno kombinirana s prozirnim plavim nebom i plavim valovima mora.

Posljednji Rafaelov monumentalni rad bio je uređenje zidova lučne galerije, smještene na drugom katu Vatikanske palače. Dekor za dvorane bio je ukrašen slikama i mozaicima od umjetnog mramora. Teme za freske umjetnik je crtao iz biblijskih legendi i tzv. groteske (slike otkrivene na drevnim grčkim grobnicama - špiljama). Ukupno ima 52 slike. Kasnije su spojeni u ciklus pod opštim naslovom „Rafaelova Biblija“. Zanimljivo je i da je poznati umjetnik radove na uređenju dvorana Vatikanske palače izvodio zajedno sa svojim učenicima, među kojima su istaknuto mjesto zauzimali Giulio Romano, Francesco Penni, Perino del Vaga, Giovanni da Udine.

Rafaelove kasnije štafelajne slike bile su svojevrsni odraz i izraz majstorove postepeno rastuće kreativne krize. Idući putem sve veće dramatizacije slika koje stvaraju majstori visoke renesanse, ali istovremeno ostajući vjeran svojim već ustaljenim metodama umjetničkog prikazivanja, Rafael dolazi do kontradikcija stila. Pokazalo se da su njegova sredstva i načini izražavanja misli premali da bi stvorio kvalitativno nove, savršenije slike sa stanovišta prenošenja njihovog unutrašnjeg svijeta i vanjske ljepote. Živopisni primjeri koji ilustruju ovaj period Rafaelovog rada su „Nošenje krsta“ (1517), ciklus „Svete porodice“ (oko 1518) i oltarska kompozicija „Preobraženje“.

Sasvim je moguće da bi tako talentirani slikar poput Raphaela pronašao izlaz iz takvog kreativnog ćorsokaka, da nije iznenadna smrt koja je šokirala sve majstorove suvremenike. Raphael Santi je umro 6. aprila 1520. godine u dobi od 37 godina. Održana je veličanstvena sahrana. Pepeo velikog slikara sahranjen je u Panteonu u Rimu.

Raphaelova djela do danas ostaju remek-djela svjetske umjetnosti. Ove slike, kao primjer klasične umjetnosti, osmišljene su da prikažu čovječanstvu savršenu, nezemaljsku ljepotu. Oni su gledaocu predstavili svijet u kojem su ljudi opsjednuti visokim osjećajima i mislima. Raphaelov rad je svojevrsna himna umjetnosti, koja preobražava čovjeka, čineći ga čistijim, svjetlijim, ljepšim.

Tizian (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio je rođen u vojnoj porodici u gradiću Pieve di Cadore, koji se nalazi u planinama i dio je venecijanske oblasti. Naučnici nisu mogli precizno odrediti datum i godinu Tizianovog rođenja. Neki vjeruju da je ovo 1476-1477, drugi - 1485-1490.

Naučnici sugerišu da je porodica Vecellio bila drevna i prilično uticajna u gradu. Prepoznavši dječakovu ranu sposobnost slikanja, njegovi roditelji su odlučili poslati Tiziana u umjetničku radionicu venecijanskog majstora mozaika. Nakon nekog vremena, mladi Vecellio je raspoređen da uči u radionici prvo Gentilea Bellinija, a potom Giovannija Bellinija. U to vrijeme mladi umjetnik upoznaje Giorgionea, čiji se utjecaj ogleda u njegovim ranim radovima.

Sav rad umjetnika može se podijeliti u dva perioda: prvi - tzv. Džordžonevski - do 1515-1516. (kada je uticaj Giorgionea najjače izražen u slikarevim radovima); drugi - od 40-ih godina. 16. stoljeće (u to vrijeme Tizian je već bio etablirani majstor koji je predstavljao umjetnost kasne renesanse).

Prateći rani razvoj umjetničke metode Giorgionea i renesansnih slikara, Tizian ponovno promišlja načine rješavanja umjetničkih problema. Ispod umjetnikovog kista izranjaju nove slike koje se bitno razlikuju od uzvišenih i sofisticiranih figura, na primjer, Raphaela i Leonarda da Vincija. Tizianovi junaci su prizemni, puni tijela, senzualni i u velikoj mjeri imaju paganski element. Umjetnikove rane slike odlikuju se prilično jednostavnom kompozicijom, koja je ipak prožeta neobično radosnim raspoloženjem i sviješću bezoblačne sreće, potpunosti i beskonačnosti zemaljskog života.

Među djelima ovog perioda, koja najpotpunije izražavaju umjetnikov kreativni metod, jedno od najupečatljivijih je platno „Ljubav zemaljska i nebeska“ datirana u 10-te godine. 16. vek. Za autora je važno ne samo da prenese radnju, već i da prikaže prekrasan krajolik koji budi misli o smirenosti i sreći života, te senzualnoj ljepoti žene.

Ženske figure su nesumnjivo uzvišene, ali nisu apstrahovane od života i nisu idealizovane od strane autora. Pejzaž, obojen nežnim bojama i smješten u pozadini, služi kao odlična kulisa za graciozne i elegantne, ali u isto vrijeme vrlo stvarne, specifične ženske slike: zemaljsku i nebesku. Vješto komponirana kompozicija i suptilan osjećaj za boje pomogli su umjetniku da stvori neobično skladno djelo, čiji je svaki element podređen autorovoj želji da prikaže prirodnu ljepotu zemaljske prirode i čovjeka.

U kasnijem Tizianovom djelu, koji datira iz 1518. godine, “Asunta” (ili “Uzašašće Marije”) nema one mirne kontemplacije i spokoja koji zvuči u djelu “Ljubav zemaljska i nebeska”. Ovdje je više dinamike, snage, energije. Centralna figura kompozicije je Marija, prikazana kao mlada žena puna zemaljske lepote i snage. Pogledi apostola usmjereni su prema njoj, čije slike izražavaju istu unutrašnju vitalnost i energiju. Svojevrsna himna ljudskoj ljepoti i snažnom ljudskom osjećaju je kompozicija “Bakh i Arijadna” (iz ciklusa “Bahanalije”, 1523).

Glorifikacija zemaljske ženske ljepote postala je tema drugog Tizianova djela, nazvanog "Venera iz Urbina". Nastao je 1538. godine. Unatoč činjenici da nema apsolutno nikakve uzvišenosti i duhovnosti slike, ovo drugo još uvijek ne umanjuje estetsku vrijednost platna. Venera je ovde zaista prelepa. Međutim, njena ljepota je prizemna i prirodna, što razlikuje sliku koju je Tizian stvorio od Botticellijeve Venere.

Međutim, bilo bi pogrešno reći da su slike iz ranog perioda razvoja umjetnika veličale samo vanjsku ljepotu osobe. Čitav njihov izgled oslikava harmoničnu osobu, čija je vanjska ljepota izjednačena sa duhovnom i druga je strana jednako lijepe duše.

Sa ove tačke gledišta, najzanimljivija je slika Isusa Hrista na platnu „Denarije od Cezara“, nastala u periodu od 1515. do 1520. godine. Ticijanov Isus uopšte nije prikazan kao božansko, uzvišeno, nebesko biće. Nadahnuti izraz njegovog lica sugerira da je pred gledaocem plemenit čovjek sa savršenom mentalnom organizacijom.

Istu duhovnost ispunjavaju i slike nastale u oltarskoj kompoziciji „Madona od Pezara“, napisanoj između 1519. i 1526. godine. Ovi junaci nisu dijagrami ili apstrakcije. Stvaranje žive, stvarne slike uvelike je olakšano korištenjem raznih boja majstora: Marijinog snježnobijelog prekrivača, nebesko plave, grimizne, jarko crvene, zlatne odjeće heroja, bogatog zelenog tepiha. Takva raznolikost tonova ne unosi haos u kompoziciju, već, naprotiv, pomaže slikaru da stvori harmoničan i skladan sistem slika.

1520-ih godina. Tizian je stvorio prvo djelo dramske prirode. Ovo je poznata slika „Zakopavanje“. Kristova slika ovdje se tumači na isti način kao na slici "Denarije Cezarov". Isus je predstavljen ne kao biće koje je sišlo s neba da bi spasilo čovječanstvo, već kao potpuno zemaljski heroj koji je pao u neravnopravnoj borbi. Bez obzira na svu tragediju i dramatičnost radnje, platno ne izaziva raspoloženje beznađa kod gledatelja. Naprotiv, slika koju je stvorio Tizian simbol je optimizma i herojstva, personificirajući unutarnju ljepotu čovjeka, plemenitost i snagu njegovog duha.

Ovaj lik značajno razlikuje ovo umjetnikovo djelo od njegovog kasnijeg istoimenog djela iz 1559. godine, u kojem optimistična raspoloženja zamjenjuje beznadežna tragedija. Ovdje, kao i na drugoj Tizianovoj slici - „Ubistvo sv. Petra mučenika”, čiji nastanak datira iz perioda od 1528. do 1530. godine, majstor koristi novu metodu umjetničkog prikaza. Slike prirode prikazane na platnima (zalazak sunca prenet tamnim, tmurnim bojama u “Pogrebu” i drveće koje se savija pod jakim naletima vjetra u “Ubistvu sv. Petra mučenika”) pokazuju se kao jedinstveni izrazitelji ljudska osećanja i strasti. Velika Majka Priroda se ovdje pokorava Suverenom Čovjeku. U gore navedenim kompozicijama, Tizian kao da potvrđuje ideju: sve što se događa u prirodi uzrokovano je ljudskim djelovanjem. On je gospodar i vladar svijeta (uključujući prirodu).

Novu etapu u razvoju umjetnikove vještine u stvaranju višefiguralnih kompozicija predstavljalo je platno pod nazivom „Uvod u hram“ iz 1534-1538. Unatoč činjenici da je Tizian ovdje naslikao mnoge slike, sve se ispostavilo da su ujedinjene u kompozicionu cjelinu interesom za značajan događaj koji se odvija pred njihovim očima - uvođenje Marije u hram. Figura glavne junakinje odvojena je od sporednih (ali ne manje značajnih) likova prostornim pauzama: od gomile znatiželjnika i svećenika odvojena je stepenicama. Praznično raspoloženje, osjećaj značaja onoga što se događa stvara se u kompoziciji gestikulacijom i plastikom figura. Međutim, zahvaljujući uključivanju u sliku lika prodavača jaja, postavljenog u prvi plan, umanjuje se pretjerani patos rada i pojačava dojam realizma i prirodnosti situacije koju je umjetnik opisao.

Uvođenje narodnih slika u kompoziciju karakteristično je za Tizianov umjetnički i vizualni metod u periodu od 30-ih godina. XVI vijek. Upravo takve slike pomažu majstoru da stvori životno istinitu sliku.

Najpotpunije kreativna ideja da se prikaže harmonična osoba, lijepa i dušom i tijelom, oličena je u portretnim radovima Tiziana. Jedno od prvih djela ove prirode je “Portret mladića s rukavicom”. Nastanak platna datira iz perioda od 1515. do 1520. godine. Slika mladog čovjeka predstavlja čitavu generaciju ljudi tog vremena - renesanse. Portret utjelovljuje ideju harmonije ljudskog duha i tijela. Široka ramena, slobodna plastičnost tijela, opušteno otkopčana kragna košulje, smireno samopouzdanje izraženo pogledom mladića - sve je usmjereno na prenošenje autorove glavne ideje o radosti ljudskog postojanja i sreći običnog čovjeka koji ne poznaje tugu i ne razdire ga unutrašnje kontradikcije.

Isti tip harmonično uređene sretne osobe može se vidjeti na platnima “Violante” i “Portret Tomasa Mostija” (oba 1515-1520).

U portretima nastalim mnogo kasnije, gledalac se više neće susresti sa direktnošću i jasnom određenošću karaktera slika koja je bila tipična za takva djela iz perioda 1515-1520. Suština kasnijih Tizianovih likova, u poređenju sa ranim, mnogo je složenija i višestruka. Upečatljiv primjer promjene autorove umjetničke metode je slika "Portret Ippolita Riminaldija", nastala krajem 1540-ih. Portret prikazuje mladića čije lice, oivičeno malom bradom, izražava duboku unutrašnju borbu osjećaja i emocija.

Slike koje je Tizian stvorio u tom periodu nisu tipične za umjetnost visoke renesanse: složene su, u velikoj mjeri kontradiktorne i dramatične. Ovo su junaci kompozicije pod nazivom “Portret pape Pavla III sa Alessandrom i Ottaviom Farneseom”. Slika je nastala između 1545. i 1546. godine. Papa Pavle III je prikazan kao lukava i nepovjerljiva osoba. Sa zabrinutošću i ljutnjom promatra Ottavija, svog nećaka, poznatog laskavca i licemjera na dvoru.

Tizian se pokazao kao izvanredan majstor umjetničke kompozicije. Suština likova ljudi u ovom radu otkriva se kroz međusobnu interakciju likova, kroz njihove geste i poze.

Portret koji prikazuje Karla V (1548) izgrađen je na kombinaciji veličanstvenih dekorativnih i realističnih elemenata. Unutrašnji svijet modela prikazan je sa majstorskom preciznošću. Gledalac shvata da je pred njim konkretna osoba složenog karaktera, čije su glavne karakteristike i velika inteligencija i hrabrost, kao i lukavstvo, okrutnost i licemerje.

U portretima koje je stvorio Tizian koji su jednostavniji sa stanovišta kompozicione konstrukcije, sva pažnja gledatelja usmjerena je na unutrašnji svijet slike. Na primjer, možemo navesti sliku „Portret Aretino“ iz 1545. godine. Uzor za umjetnika bio je tada poznati čovjek u Veneciji, Pietro Aretino, koji je postao poznat po svojoj izuzetnoj pohlepi za novcem i zemaljskim zadovoljstvima. Međutim, i pored toga, veoma je cijenio umjetnost, i sam je bio autor niza novinarskih članaka, velikog broja komedija, kratkih priča i pjesama (iako ne uvijek
pristojan sadržaj).

Tizian je odlučio prikazati takvu osobu u jednom od svojih djela. Njegov Aretino je složena realistička slika koja sadrži najrazličitije, ponekad čak i kontradiktorne osjećaje i karakterne crte.

Tragični sukob osobe sa njemu neprijateljskim silama prikazan je na slici „Evo čovjeka“, napisanoj 1543. godine. Radnja je inspirisana sve intenzivnijom reakcijom javnosti pristalica kontrareformacije u Italiji u to vrijeme, rež. protiv humanističkih ideja renesanse. U kompoziciji je slika Hrista kao nosioca visokih univerzalnih ideala suprotstavljena Pilatu, prikazanom kao ciničan, zao i ružan. U tome
Po prvi put se u djelu pojavljuju note poricanja senzualnih, zemaljskih užitaka i radosti.

Tizian. Portret pape Pavla III sa Alessandrom i Ottaviom Farneseom. 1545-1546

Isti upečatljiv kontrast obilježavaju slike platna „Danae“, naslikane oko 1554. Djelo se odlikuje visokim stepenom dramatičnosti. U njoj autor, kao i ranije, veliča ljepotu i sreću čovjeka. Međutim, ta sreća je privremena i trenutna. Na slici nema nepromjenjivosti raspoloženja i smirenog spokoja likova, koji razlikuju prethodno stvorene slike („Zemaljska i nebeska ljubav“, „Venera iz Urbina“).

Glavna tema rada je sudar lepog i ružnog, visokog i niskog. A ako mlada djevojka izražava sve što je najuzvišenije u osobi, onda stara služavka, pokušavajući uhvatiti novčiće zlatnog pljuska, personificira najniže ljudske kvalitete: sebični interes, pohlepu, cinizam.

Drama je u kompoziciji naglašena određenom kombinacijom tamnih i svijetlih tonova. Uz pomoć boje umjetnik stavlja semantičke akcente na sliku. Dakle, mlada djevojka simbolizira ljepotu i svijetla osjećanja. A starica, koja je okružena sumornim tamnim tonovima, sadrži izraz osnovnog principa.

Ovaj period Tizianovog rada karakteriše ne samo stvaranje kontradiktornih slika punih dramatike. Istovremeno, umjetnik je naslikao niz radova čija je tema bila očaravajuća ljepota žene. Ipak, potrebno je napomenuti činjenicu da su ova djela lišena onog optimističkog i životno-potvrđujućeg raspoloženja koje zvuči, na primjer, u “Ljubavi zemaljskoj i nebeskoj” i “Bahanaliji”. Među slikama najzanimljivije su „Dijana i Akteon“, „Pastir i nimfa“ (1559), „Venera sa Adonisom“.

Jedno od najboljih Tizianovih radova je slika Marija Magdalena Kaj, nastala 60-ih godina. 16. vek. Mnogi renesansni umjetnici okrenuli su se ovoj biblijskoj priči. Međutim, Tizian reinterpretira sliku pokajnice Marije Magdalene. Lik mlade žene, pune ljepote i zdravlja, prije izražava ne kršćansko pokajanje, već tugu i čežnju za zauvijek izgubljenom srećom. Čovjek je, kao i uvijek, lijep u Tizianu, ali njegovo blagostanje, smirenost i duševni mir zavise od vanjskih sila. Oni su ti koji miješanjem u nečiju sudbinu uništavaju harmoniju duha. Nije slučajno što je slika Magdalene, shrvana tugom, prikazana na pozadini tmurnog pejzaža, koji je krunisan tamnim nebom sa crnim oblacima koji se naziru - predznakom
nadimci grmljavine.

Ista tema ljudske patnje čuje se i u kasnijim djelima slavnog majstora: “Krunjenje trnjem” (1570) i ​​“Sv. Sebastijana" (1570.).

U “Trnjevim krunama” umjetnik predstavlja Isusa u liku običnog čovjeka, superiornog fizičkim i, što je najvažnije, moralnim osobinama svojim mučiteljima.

Međutim, on je sam i to je jedini razlog zašto ne može biti pobjednik. Dramatičnost i emocionalnu napetost scene pojačavaju sumorni, tamni kolorit.

Tema usamljenog junaka u sukobu sa svijetom oko sebe čuje se i u djelu „Sv. Sebastian". Glavni lik je ovdje prikazan kao veličanstveni titan - slika karakteristična za renesansnu umjetnost. Međutim, on i dalje završava poraženim.

Pejzaž, koji simbolizira sile neprijateljske prema liku, ovdje igra nezavisnu ulogu. Unatoč dramatičnosti radnje, kompozicija u cjelini prožeta je životno-potvrđujućim raspoloženjem.

Svojevrsna himna ljudskom umu, mudrosti i odanosti prihvaćenim idealima je majstorov autoportret, nastao 60-ih godina. XVI vijek

Jedna od Tizianovih najizrazitijih slika je „Pieta“ (ili „Oplaćanje Hrista“), naslikana oko 1576. godine. Ovde su prikazani likovi ožalošćenih žena na pozadini kamene niše i sumornog pejzaža. Marija se, poput kipa, ukočila od tuge. Slika Magdalene je neobično svijetla i dinamična: lik žene usmjeren naprijed, podignuta ruka, razbacana vatrenocrvena kosa, blago otvorena usta iz kojih samo što nije prolomiti krik očaja. Isus je prikazan ne kao božansko nebesko biće, već kao vrlo stvarna osoba, poražena u neravnopravnoj borbi sa silama neprijateljskim prema ljudskom svijetu. Tragedija slika je izražena na slici uz pomoć tonova i prijelaza svjetla i sjene. Glavni likovi se nalaze kao da su uhvaćeni zracima svjetlosti iz tame noći.

Ovo Tizianovo djelo veliča čovjeka obdarenog dubokim osjećajima. Platno “Pieta” bila je svojevrsna oproštajna pjesma posvećena svijetlim, uzvišenim i veličanstvenim junacima nastalim u vrijeme renesanse.

Veliki slikar, koji je svijetu dao lijepe slike, umro je 27. avgusta 1576. godine, vjerovatno od kuge. Iza sebe je ostavio mnoge slike koje i danas oduševljavaju gledaoce svojim majstorstvom izvedbe i suptilnim osjećajem za boje. Tizian se pred nama pojavljuje i kao divan psiholog, stručnjak za ljudsku dušu. Među njegovim učenicima bili su umjetnici kao što su Jacopo Nigreti (Palma stariji), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma mlađi.

Prvi vjesnici renesansne umjetnosti pojavili su se u Italiji u 14. vijeku. Umjetnici tog vremena, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (najpoznatiji) Giotto (1267-1337) pri stvaranju slika tradicionalnih vjerskih tema, počeli su koristiti nove umjetničke tehnike: graditi trodimenzionalnu kompoziciju, koristeći pejzaž u pozadini, što im je omogućilo da slike budu realističnije i animirane. To je oštro razlikovalo njihov rad od prethodne ikonografske tradicije, prepune konvencija na slici.
Termin koji se koristi za označavanje njihove kreativnosti Proto-renesansa (1300-te - "Trecento") .

Giotto di Bondone (oko 1267-1337) - talijanski umjetnik i arhitekta protorenesanse. Jedna od ključnih ličnosti u istoriji zapadne umetnosti. Prevazilazeći bizantsku ikonopisnu tradiciju, postao je pravi začetnik italijanske slikarske škole i razvio potpuno novi pristup prikazivanju prostora. Giottova djela su inspirisana Leonardom da Vinčijem, Rafaelom, Mikelanđelom.


Rana renesansa (1400-te - Quattrocento).

Početkom 15. vijeka Filippo Brunelleschi (1377-1446), firentinski naučnik i arhitekta.
Bruneleski je želeo da percepciju kupatila i pozorišta koje je rekonstruisao učini vizuelnijim i pokušao je da stvori geometrijski perspektivne slike iz svojih planova za određenu tačku gledišta. U ovoj potrazi je otkriveno direktna perspektiva.

To je omogućilo umjetnicima da dobiju savršene slike trodimenzionalnog prostora na ravnom slikarskom platnu.

_________

Drugi važan korak na putu ka renesansi bila je pojava nereligijske, svjetovne umjetnosti. Portret i pejzaž etablirali su se kao nezavisni žanrovi. Čak su i religijski subjekti dobili drugačiju interpretaciju - renesansni umjetnici su svoje likove počeli gledati kao heroje s izraženim individualnim osobinama i ljudskom motivacijom za djelovanje.

Najpoznatiji umjetnici ovog perioda su Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - poznati italijanski slikar, najveći majstor firentinske škole, reformator slikarstva Quattrocento ere.

Freska. Čudo sa statirom.

Slikarstvo. Raspeće.

Piero Della Francesco (1420-1492). Radove majstora odlikuju veličanstvena svečanost, plemenitost i skladnost slika, generalizirani oblici, kompoziciona ravnoteža, proporcionalnost, preciznost perspektivnih konstrukcija i mekana paleta puna svjetlosti.

Freska. Priča o kraljici od Sabe. Crkva San Francesco u Arezzu

Sandro Botticelli(1445-1510) - veliki italijanski slikar, predstavnik firentinske slikarske škole.

Proljeće.

Rođenje Venere.

Visoka renesansa ("Cinquecento").
Došao je najveći procvat renesansne umjetnosti za prvu četvrtinu 16. veka.
Radi Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Tizian (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) predstavljaju zlatni fond evropske umetnosti.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Firenca) (1452-1519) - italijanski umetnik (slikar, vajar, arhitekta) i naučnik (anatom, prirodnjak), pronalazač, pisac.

Auto portret

Dama sa hermelinom. 1490. Muzej Czartoryski, Krakov

Mona Liza (1503-1505/1506)

Leonardo da Vinci je postigao veliku vještinu u prenošenju izraza lica ljudskog lica i tijela, metodama prenošenja prostora i građenju kompozicije. Istovremeno, njegova djela stvaraju skladnu sliku osobe koja ispunjava humanističke ideale.

Madonna Litta. 1490-1491. Muzej Ermitaž.

Madonna Benois (Madonna with a Flower). 1478-1480

Madona sa karanfilom. 1478

Leonardo da Vinči je tokom svog života napravio hiljade beleški i crteža o anatomiji, ali nije objavio svoje radove. Dok je secirao tijela ljudi i životinja, precizno je prenio strukturu skeleta i unutrašnjih organa, uključujući male detalje. Prema profesoru kliničke anatomije Peteru Abramsu, da Vinčijev naučni rad bio je 300 godina ispred svog vremena i po mnogo čemu superiorniji od čuvene Grejeve anatomije.

Spisak izuma, kako stvarnih tako i pripisanih njemu:

Padobran, doDvorac Olestsovo, ubicikl, tank, llaki prenosivi mostovi za vojsku, strprojektor, doatapult, roboje, dVuhlens teleskop.

Ove inovacije su kasnije razvijene Rafael Santi (1483-1520) - veliki slikar, grafičar i arhitekta, predstavnik umbrijske škole.

Auto portret. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - talijanski vajar, umjetnik, arhitekta, pjesnik, mislilac.

Slike i skulpture Michelangela Buonarottija pune su herojskog patosa i, istovremeno, tragičnog osjećaja krize humanizma. Njegove slike veličaju snagu i moć čovjeka, ljepotu njegovog tijela, a istovremeno ističu njegovu usamljenost u svijetu.

Mikelanđelov genij ostavio je traga ne samo na umetnosti renesanse, već i na čitavoj kasnijoj svetskoj kulturi. Njegove aktivnosti vezane su uglavnom za dva italijanska grada - Firencu i Rim.

Međutim, umjetnik je uspio ostvariti svoje najambicioznije planove upravo u slikarstvu, gdje je djelovao kao pravi inovator boje i forme.
Po narudžbi pape Julija II, oslikao je plafon Sikstinske kapele (1508-1512), predstavljajući biblijsku priču od stvaranja svijeta do potopa i uključuje više od 300 figura. 1534-1541, u istoj Sikstinskoj kapeli, naslikao je grandioznu, dramatičnu fresku "Posljednji sud" za papu Pavla III.
Sikstinska kapela 3D.

Djela Giorgionea i Tiziana odlikuju se interesom za pejzaž i poetizacijom radnje. Obojica umjetnika postigla su veliko majstorstvo u umjetnosti portreta, uz pomoć kojih su prenijeli karakter i bogat unutrašnji svijet svojih likova.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - talijanski umjetnik, predstavnik venecijanske slikarske škole.

Sleeping Venus. 1510

Judith. 1504g

Tizian Vecellio (1488/1490-1576) - italijanski slikar, najveći predstavnik venecijanske škole visoke i kasne renesanse.

Tizian je slikao slike na biblijske i mitološke teme, postao je poznat i kao slikar portreta. Primao je naređenja od kraljeva i papa, kardinala, vojvoda i prinčeva. Tizian nije imao ni trideset godina kada je proglašen za najboljeg slikara Venecije.

Auto portret. 1567

Venera od Urbina. 1538

Portret Tommasa Mostija. 1520

Kasna renesansa.
Nakon pljačke Rima od strane carskih snaga 1527. godine, italijanska renesansa je ušla u period krize. Već u stvaralaštvu pokojnog Rafaela ocrtava se nova umjetnička linija tzv manirizam.
Ovo doba karakteriziraju napuhane i isprekidane linije, izdužene ili čak deformirane figure, često gole, napete i neprirodne poze, neobični ili bizarni efekti povezani s veličinom, osvjetljenjem ili perspektivom, korištenje zajedljivog kromatskog raspona, preopterećena kompozicija itd. prvi savladava manirizam Parmigianino , Pontormo , Bronzino- živio je i radio na dvoru vojvoda iz kuće Mediči u Firenci. Maniristička moda se kasnije proširila širom Italije i šire.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - “stanovnik Parme”) (1503-1540) talijanski umjetnik i graver, predstavnik manirizma.

Auto portret. 1540

Portret žene. 1530.

Pontormo (1494-1557) - talijanski slikar, predstavnik firentinske škole, jedan od osnivača manirizma.


U 1590-im, umjetnost je zamijenila manirizam barok (prelazne brojke - Tintoretto I El Greco ).

Jacopo Robusti, poznatiji kao Tintoretto (1518. ili 1519.-1594.) - slikar venecijanske škole kasne renesanse.

Poslednja večera. 1592-1594. Crkva San Giorgio Maggiore, Venecija.

El Greco ("grčki" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) - španski umjetnik. Po poreklu - Grk, rodom sa ostrva Krit.
El Greco nije imao suvremene sljedbenike, a njegov genij je ponovo otkriven skoro 300 godina nakon njegove smrti.
El Greco je studirao u Tizianovom ateljeu, ali se, međutim, njegova slikarska tehnika bitno razlikuje od tehnike njegovog učitelja. El Grecova djela odlikuju brzina i ekspresivnost izvođenja, što ih približava modernom slikarstvu.

Hristos na krstu. UREDU. 1577. Privatna zbirka.

Trinity. 1579 Prado.

Slikarstvo Italije tokom renesanse je zaista grandiozan fenomen. Nijedna od narednih epoha, niti ijedna nacionalna škola nije poznavala toliki broj briljantnih imena. Nije slučajno što su u narednim vekovima umetnici uvek crpili iskustvo i inspiraciju iz likovne umetnosti italijanske renesanse.

U renesansnom sistemu pogleda, posebna je uloga pripadala likovnoj umjetnosti. U doba renesanse čovjek se osjećao sposobnim da razumije svijet, ali mu se u početku sam svijet činio, kao u srednjem vijeku, kao grandiozno umjetničko djelo, tvorevina najvećeg umjetnika - Boga.

Masaccio "Trojstvo" 1426-1428. Crkva Santa Maria Novella Zahvaljujući vještoj upotrebi chiaroscura i poznavanju zakona perspektive, Masaccio je slici dao životnu uvjerljivost. “Trojstvo” (1425-1428).

Stoga se slika svijeta smatrala jednim od načina da se ona razumije. Razvoj sistema direktne perspektive učinio je slikarstvo „najhumanizovanijim“ oblikom umetnosti – oko gledaoca je postalo „referentna tačka“ u „prostoru“ slike. Pojava i širenje uljanih boja otvorilo je obećavajući put za razvoj tonskih i svjetlosnih principa.

Bitka kod San Romana (1440-1450), kompoziciono izuzetno složena, Uccellove inovativne slike često nisu nailazile na razumijevanje među njegovim savremenicima.

Slike Firence, Siene i Perugie.

Firentinsko slikarstvo rane renesanse, koje je aktivno eksperimentisalo na polju prostorne perspektive, odigralo je veliku ulogu u razvoju italijanske likovne umetnosti. Sposobnost prenošenja odnosa stvarnog prostora na ravni visoko je podigla društveni status umjetnika, prevodeći ga iz pozicije skromnog zanatlije-dekoratora u kategoriju naučnog geometra, koji razumije zakone ustrojstva svijeta.

Angelico je umjetnik najdublje vjere. Njegove Madone su ideal duhovne lepote i pobožnosti.

Bruneleskija ranih 1420-ih stvorio dvije slike s pogledom na Firencu, koje su oduševljavale svoje savremenike svojom iluzornom preciznošću, ali su se mogle vidjeti samo uz pomoć genijalnog sistema ogledala i prozora. Reproduciranje dubine prostora za pravog gledatelja na bilo kojoj ploči ili zidu uz održavanje optičkog jedinstva slike zahtijeva ne samo znanje, već i iskustvo i njuh visokoprofesionalnog slikara. Masaccio (1401-1428) je posjedovao sve ove kvalitete. Naslikao ga 1427-1428. Kapela Brancacci u firentinskoj crkvi Santa Maria del Carmine odmah je postala svojevrsna škola za umjetnike.

Piero della Francesca postao je poznat po svom neverovatnom majstorstvu boja.

Strastveni obožavalac Masaccia bio je Učelo (1397-1475), pravi pevač detalja. Umjetnik je provodio noći skicirajući neki mali detalj iz složene perspektive, na primjer, strukturu perja ptice koja leti. Drugi Masacciov sljedbenik, majstor strogih lapidarnih oblika, Andrea del Castagno (oko 1421-1457), postao je najpoznatiji po oslikavanju dvorane vile Carducci, na kojoj je, između ostalog, prikazan kondotijer Pippo Spano, Španac koji je u krajem života postao je vladar Hrvatske.

Mantegnin stil odlikuje se skulpturalnošću u prikazivanju volumetrijskih oblika. “Judith” (oko 1490.).

Skulpturalno moćna figura ratnika, koji bez napora može saviti čeličnu oštricu, samouvjereno upada u prostor dvorane. Castagno je ovaj utisak postigao pomicanjem desne ruke i lijeve noge svog lika izvan ukrasnog okvira freske.

Međutim, nisu svi firentinski slikari prve polovine 15. stoljeća. bili željni prenošenja perspektive. Tako je umetnik-monah Beato Anđeliko (oko 1400-1455) bio inspirisan uglavnom minijaturama iz 14. veka.

U Giorgioneu pejzaž dobija neviđeni značaj. “Oluja sa grmljavinom” (1507-1508).

Firentinsko slikarstvo sredine veka, u poređenju sa prethodnim periodom, mirnije je, ali manje ozbiljno. Masaccio je na svojim freskama osvetio zemaljsko postojanje, sada? najsvetije teme uronjene su u svakodnevnu prozu: ovo je, općenito, svijet slikarstva Fra Filippa Lippija, naseljen lijepim, veselim, ali nikako uzvišenim madonnama i anđelima; takav je zamršeno luksuzan spektakl povorke magova, koji je 1459. godine na zidovima kapele kuće Medici prikazao umjetnik Benozzo Gozzoli. Briljantan i tragičan završetak rane firentinske renesanse oličen je u Botičelijevim slikama.

Tizianova slika postala je vrhunac venecijanske škole. “Venera od Urbane” (1538).

Sliku Siene najoriginalnije predstavlja Saseta, autorka slike „Povorka magova“. U njemu, svijetla bajkovitost umjetničkog jezika ne ometa smjela umjetnička otkrića. Kontrast između guste emajlirane boje prednjeg plana i mekih, svjetlijih tonova horizonta jedan je od prvih pokušaja da se prostor prikaže isključivo likovnim sredstvima.

Ovaj zadatak bio je sposoban samo Piero della Francesca (oko 1420-1462), možda najveći od Quattrocento slikara. Nakon što je trenirao u Firenci, on je, međutim, razvio vlastiti kreativni stil. Ako su Firentinci čovjeka postavili u središte prikazanog svemira, Piero je vjerovao da je čovjek samo organska karika u velikom svijetu prirode, a ovaj potonji, sa svom svojom raznolikošću, podliježe zakonu broja. Proporcije ljudskog tijela su oblici prirode, ova potonja, sa svom svojom raznolikošću, podliježe zakonu broja. proporcije ljudskog tijela, forme prirode, stvarnu geometriju likovne ravni umjetnik povezuje: Kristov lik sa svojim zahvalnim, „rastućim“ člankom u skladu je s vertikalom stabla; bujna sferna krošnja drveta prirodno je upisana u polukrug kompozicije.

Vrhunac rada Piera della Francesca bile su freske u oltaru crkve San Francesco u Arezzu (1452-1466). Posvećeni su prilično rijetkoj temi - povijesti Životvornog Drveta, koje su prvi ljudi donijeli na Zemlju iz Edena, a koje je kasnije bilo predodređeno da postane oruđe Kristovog pogubljenja - i najveće svetinje kršćanskog svijeta. . Umjetniku je strana ideja o slikarstvu kao vizualnoj iluziji. Majstor cijeni prirodnu, čak i površinu zida na kojem piše, pretvarajući njegovu ravan u oslonac za svoje veličanstvene i stroge kompozicije. Izbjegava složene lične karakteristike: njegovi likovi su istog tipa, jer su samo glumci u univerzalnoj predstavi. U mnogim kreativnim primjerima, Piero della Francesca vratio se iskustvu Giotta, ali je u razumijevanju boja bio vekovima ispred svojih savremenika. Slikari su navikli koristiti boju kao mehaničku „boju“ gotovih linija ili oblika. Za Pierrota, forma je nastala iz suptilnih gradacija boja. Njegova paleta je neiscrpno bogata. Umjetnikovo oko primjećuje ne samo prirodnu boju predmeta, već i bojenje zraka sunčevom svjetlošću; blago vidljiva srebrna nijansa daje Pierrotovoj paleti nevjerovatnu vjernost, lakoću oblika i dubinu prostoru.

Peruška slikarska škola je naglo i briljantno procvjetala u posljednjim decenijama 15. vijeka. Domaći umjetnici bili su poznati prvenstveno kao majstori dekorativnog slikarstva. Veoma su karakteristične freske takozvanih Bordžia stanova u papskoj palati u Rimu (1493.). Njihov autor, Pinturicchio (oko 1454-1513), stvara svijetao i zamršen dekor, gdje je svaki detalj promišljen - od obojenih podnih pločica do svijetlo plavih i pozlaćenih stropova. Perugino (1445/1452-1523) je radio na strožiji i smireniji način. U nastojanju da dezorijentiše posmatrača, ovaj majstor je rado replicirao lepe, ali slične motive: sanjivo nežna lica, laganu lučnu arhitekturu, „uskršnje“ pejzaže sa tankim drvećem.

Slike sjeverne Italije i Venecije

Slikarstvo majstora sjeverne Italije prolazilo je kroz svoje faze, različite od drugih škola. Ako je firentinsko slikarstvo, općenito upućeno umu, prikazivalo prvenstveno trodimenzionalna tijela, a majstori centralne Italije su se vodili osjećajima i rješavali uglavnom prostorne probleme, onda je glavna sfera estetskog utjecaja među umjetnicima sjevernotalijanske škole bila imaginacije, njena glavna tema bila je supstancija: plastična tekstura predmeta, zraka i svjetlosti. Tokom prve trećine 15. vijeka. Feudalni centri sjeverne Italije (Ferrara, Verona, Mantova) bili su uključeni u orbitu takozvane “međunarodne” gotike. Glavni stilski problemi ovog pokreta - osjetljivost na prirodne pojave, majstorska kontrola linije - našli su izraz u djelu Pisanella (1395-1455). Na portretu princeze iz kuće Este u Ferrari (1430-ih) majstor je naglasio nježnu smirenost djevojčinog lica stavljajući ga na kontrastnu pozadinu tamnog i tvrdog lišća, prošaranu svijetlim, treperavim mrljama cvijeća i leptira.

Bellini je jedan od najistaknutijih slikara portreta svog vremena. “Portret dužda Leonarda Loredana” (1501-1505).

Uloga središta renesansne kulture 1430-ih. dobio Padovu, grad bogate antičke prošlosti, koji je 1406. pripojen mletačkim posjedima. Zajedno sa svojim antičkim univerzitetom, Padova je postala poznata po radionici Francesca Squarcionea, samoukog slikara, dubokog poznavaoca antičkih spomenika, koji je stvorio pravu akademiju, u kojoj je do 100 mladića istovremeno studiralo slikarstvo, a među njima i usvojeni Squarcione. sin Andrea Mantegna (1431-1506), najveći majstor sjevernoitalijanskog Quattrocenta, koji je u svojim djelima spojio životnost sa živom fantastičnošću.

Radikalne promjene dogodile su se u slikarstvu Venecije dolaskom južnotalijanskog umjetnika Antonella da Messine (oko 1430-1479). Giovanni Bellini (oko 1430-1516) odigrao je veliku ulogu u formiranju originalnog stila venecijanske škole. Zasnovao je svoj stil na kolorizmu. Meka harmonija umjetnikovih boja prožetih svjetlošću srodna je njegovim omiljenim jednostavnim idiličnim scenama, gdje seoski večernji pejzaž igra značajnu ulogu.

Procvat venecijanske slikarske škole dogodio se u prvoj polovini 16. stoljeća, kada su djelovali veliki Giorgione (1477-1510) i Tizian (1488/1490-1576). Giorgione je stvorio vlastiti slikarski žanr - "poezija". Ove slike je naslikao po narudžbi privatnih lica i svojom su tematikom izdvajali iz moderne evropske umetnosti. Osnova njihove figurativne strukture je hirovita mašta autora, a ne bilo koji događaj izvučen iz istorijskog ili književnog izvora. Tizian je naslijedio Giorgioneov lirizam i spojio ga sa zdravom senzualnošću i aktivnom percepcijom postojanja. Venecijanska visoka renesansa našla je izraz u radu ovog majstora.

Italijansko renesansno slikarstvo – Giotto, Masaccio, Angelico, Tizian i Giorgione ažurirano: 2. jula 2017. od: web stranica

Renesansa (renesansa). Italija. 15-16. vijek. Rani kapitalizam. Državom vladaju bogati bankari. Zanimaju ih umjetnost i nauka.
Bogati i moćni okupljaju oko sebe talentovane i mudre. Pjesnici, filozofi, umjetnici i vajari svakodnevno razgovaraju sa svojim pokroviteljima. Na trenutak se učinilo da narodom vladaju mudri ljudi, kako je Platon želio.
Sjetili su se starih Rimljana i Grka. Koji je takođe izgradio društvo slobodnih građana. Gdje su glavna vrijednost ljudi (ne računajući robove, naravno).
Renesansa nije samo kopiranje umjetnosti drevnih civilizacija. Ovo je mješavina. Mitologija i kršćanstvo. Realizam prirode i iskrenost slika. Fizička lepota i duhovna lepota.
Bio je to samo bljesak. Razdoblje visoke renesanse traje otprilike 30 godina! Od 1490-ih do 1527 Od početka procvata Leonardovog stvaralaštva. Prije pljačke Rima.

Privid idealnog svijeta brzo je izblijedio. Italija se pokazala previše krhkom. Ubrzo ju je porobio drugi diktator.
Međutim, ovih 30 godina odredilo je glavne karakteristike evropskog slikarstva za narednih 500 godina! Do impresionisti.
Realizam slike. Antropocentrizam (kada je osoba glavni lik i heroj). Linearna perspektiva. Uljane boje. Portret. Pejzaž…
Nevjerovatno, tokom ovih 30 godina radilo je nekoliko briljantnih majstora odjednom. Koji se u drugim vremenima rađaju jednom u 1000 godina.
Leonardo, Michelangelo, Raphael i Tizian su titani renesanse. Ali ne možemo ne spomenuti njihova dva prethodnika. Giotto i Masaccio. Bez kojih ne bi bilo renesanse.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccella. Giotto da Bondogni. Fragment slike “Pet majstora firentinske renesanse”. Rani 16. vijek. Louvre, Pariz.

14. vek Proto-renesansa. Njegov glavni lik je Giotto. Ovo je majstor koji je sam napravio revoluciju u umjetnosti. 200 godina prije visoke renesanse. Da nije bilo njega, teško da bi nastupila era kojom se čovečanstvo toliko ponosi.
Prije Giotta postojale su ikone i freske. Stvoreni su prema vizantijskim kanonima. Lica umjesto lica. Ravne figure. Nepoštivanje proporcija. Umjesto pejzaža nalazi se zlatna pozadina. Kao, na primjer, na ovoj ikoni.

Guido da Siena. Adoration of the Magi. 1275-1280 Altenburg, Lindenau muzej, Njemačka.

I odjednom se pojavljuju freske Giotta. Imaju obimne figure. Lica plemenitih ljudi. Tužan. Tugaljivo. Iznenađen. Staro i mlado. Drugačije.

Giotto. Oplakivanje Hrista. Fragment

Giotto. Judin poljubac. Fragment

Giotto. Sveta Ana

Freske Giotta u crkvi Scrovegni u Padovi (1302-1305). Lijevo: Oplakivanje Krista. Sredina: Judin poljubac (fragment). Desno: Navještenje sv. Ane (Majke Marije), fragment.
Giottovo glavno djelo je ciklus njegovih fresaka u kapeli Scrovegni u Padovi. Kada se ova crkva otvorila za parohijane, u nju su se slijevale gomile ljudi. Jer ovako nešto nikada nisu videli.
Uostalom, Giotto je učinio nešto bez presedana. Kao da je prevodio biblijske priče na jednostavan, razumljiv jezik. I postali su mnogo dostupniji običnim ljudima.

Giotto. Adoration of the Magi. 1303-1305 Freska u kapeli Scrovegni u Padovi, Italija.

Upravo to će biti karakteristično za mnoge majstore renesanse. Lakonske slike. Žive emocije likova. Realizam.
Između ikone i realizma renesanse."
Giotto je bio divljen. Ali njegove inovacije nisu dalje razvijane. Moda za internacionalnu gotiku došla je u Italiju.
Tek nakon 100 godina pojavit će se majstor, dostojan Giottov nasljednik.
2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportret (fragment freske “Sv. Petar na amvonu”). 1425-1427 Kapela Brancacci u crkvi Santa Maria del Carmine, Firenca, Italija.

Rani 15. vijek. Takozvana rana renesansa. Na scenu stupa još jedan inovator.
Masaccio je bio prvi umjetnik koji je koristio linearnu perspektivu. Dizajnirao ga je njegov prijatelj, arhitekta Brunelleschi. Sada je prikazani svijet postao sličan stvarnom. Arhitektura igračaka je stvar prošlosti.

Masaccio. Sveti Petar liječi svojom sjenom. 1425-1427 Kapela Brancacci u crkvi Santa Maria del Carmine, Firenca, Italija.

Usvojio je Giottov realizam. Međutim, za razliku od svog prethodnika, on je već dobro poznavao anatomiju.
Umjesto blokovanih likova, Giotto ima lijepo građene ljude. Baš kao i stari Grci.

Masaccio. Krštenje neofita. 1426-1427 Kapela Brancacci, crkva Santa Maria del Carmine u Firenci, Italija.

Masaccio. Izgon iz raja. 1426-1427 Freska u kapeli Brancacci, crkva Santa Maria del Carmine, Firenca, Italija.

Masaccio je živio kratak život. Umro je, kao i njegov otac, neočekivano. Sa 27 godina.
Međutim, imao je mnogo sljedbenika. Majstori narednih generacija odlazili su u kapelu Brancacci da proučavaju njegove freske.
Tako su Masacciove inovacije preuzeli svi veliki titani visoke renesanse.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Auto portret. 1512 Kraljevska biblioteka u Torinu, Italija.

Leonardo da Vinci je jedan od titana renesanse. Što je imalo ogroman uticaj na razvoj slikarstva.
Upravo je on sam podigao status umjetnika. Zahvaljujući njemu, predstavnici ove profesije više nisu samo zanatlije. To su kreatori i aristokrati duha.
Leonardo je napravio proboj prvenstveno u portretiranju.
Vjerovao je da ništa ne smije odvratiti pažnju od glavne slike. Pogled ne bi trebao lutati od jednog detalja do drugog. Tako su nastali njegovi poznati portreti. Laconic. Harmoničan.

Leonardo da Vinci. Dama sa hermelinom. 1489-1490 Muzej Czertoryski, Krakov.

Leonardova glavna inovacija je da je pronašao način da slike... ožive.
Prije njega, likovi na portretima izgledali su poput manekena. Linije su bile jasne. Svi detalji su pažljivo nacrtani. Naslikani crtež nikako nije mogao biti živ.
Ali onda je Leonardo izmislio sfumato metodu. Zasenčio je linije. Učinio je prijelaz iz svjetla u sjenu veoma mekim. Čini se da su njegovi likovi prekriveni jedva primjetnom izmaglicom. Likovi su oživjeli.

Leonardo da Vinci. Mona lisa. 1503-1519 Louvre, Pariz.

Od tada će sfumato biti uključen u aktivni vokabular svih velikih umjetnika budućnosti.
Često postoji mišljenje da je Leonardo, naravno, genije. Ali nije znao kako da završi bilo šta. I često nisam završio slike. I mnogi njegovi projekti ostali su na papiru (usput rečeno u 24 toma). I općenito je bio bačen ili u medicinu ili u muziku. A jedno vrijeme me čak zanimala i umjetnost služenja.
Međutim, razmislite sami. 19 slika. I on je najveći umjetnik svih vremena. A neki nisu ni blizu veličine. Istovremeno, u životu je naslikao 6.000 platna. Očigledno je ko ima veću efikasnost.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (fragment). 1544 Metropolitan muzej umjetnosti, New York.

Mikelanđelo je sebe smatrao vajarom. Ali on je bio univerzalni majstor. Kao i njegove druge renesansne kolege. Stoga ni njegovo slikarsko nasljeđe nije ništa manje grandiozno.
Prepoznatljiv je prvenstveno po fizički razvijenim karakterima. Zato što je glumio savršenog muškarca. U kojoj fizička ljepota znači duhovnu ljepotu.
Zato su svi njegovi junaci tako mišićavi i izdržljivi. Čak i žene i starci.

Michelangelo. Fragment freske "Posljednji sud"

Michelangelo. Fragmenti freske Posljednjeg suda u Sikstinskoj kapeli, Vatikan.
Michelangelo je često slikao lik golog. A onda je dodao odjeću na vrh. Tako da tijelo bude što je moguće više izvajano.
Sam je oslikao plafon Sikstinske kapele. Iako je ovo nekoliko stotina brojki! Nije dozvolio nikome ni da trlja farbu. Da, bio je usamljenik. Poseduje hladan i svadljiv karakter. Ali najviše od svega bio je nezadovoljan... sobom.

Michelangelo. Fragment freske “Stvaranje Adama”. 1511 Sikstinska kapela, Vatikan.

Mikelanđelo je živeo dug život. Preživjevši pad renesanse. Za njega je to bila lična tragedija. Njegovi kasniji radovi puni su tuge i tuge.
Generalno, Mikelanđelov kreativni put je jedinstven. Njegovi rani radovi su slavlje ljudskog heroja. Slobodni i hrabri. U najboljim tradicijama antičke Grčke. Kako se zove David?
U posljednjim godinama života to su tragične slike. Namjerno grubo tesani kamen. Kao da gledamo spomenike žrtvama fašizma 20. veka. Pogledaj njegovu Pietà.

Michelangelo. Davide

Michelangelo. Pieta Palestrina

Michelangelove skulpture na Akademiji likovnih umjetnosti u Firenci. Lijevo: David. 1504 Desno: Palestrinina Pietà. 1555
Kako je to moguće? Jedan umjetnik u jednom životu prošao je sve faze umjetnosti od renesanse do 20. stoljeća. Šta bi sljedeće generacije trebale učiniti? Pa, idi svojim putem. Shvativši da je letvica postavljena veoma visoko.

5. Rafael (1483-1520)

Raphael. Auto portret. 1506 Galerija Uffizi, Firenca, Italija.

Raphael nikada nije zaboravljen. Njegova genijalnost je oduvek bila priznata. I tokom života. I posle smrti.
Njegovi likovi su obdareni senzualnom, lirskom ljepotom. Upravo se njegove Madone s pravom smatraju najljepšim ženskim slikama ikada stvorenim. Njihova vanjska ljepota odražava i duhovnu ljepotu heroina. Njihova krotkost. Njihova žrtva.

Raphael. Sikstinska Madona. 1513 Galerija starih majstora, Drezden, Njemačka.

Fjodor Dostojevski je rekao čuvene reči „Lepota će spasiti svet“ posebno o Sikstinskoj Madoni. Ovo je bila njegova omiljena slika.
Međutim, senzualne slike nisu jedina Raphaelova jača strana. Vrlo pažljivo je promišljao kompozicije svojih slika. Bio je nenadmašan arhitekta u slikarstvu. Štoviše, uvijek je pronalazio najjednostavnije i najskladnije rješenje u organizaciji prostora. Čini se da drugačije ne može biti.

Raphael. Atinska škola. 1509-1511 Freska u strofama Apostolske palate, Vatikan.

Raphael je živio samo 37 godina. Iznenada je umro. Od prehlade i lekarske greške. Ali njegovo naslijeđe je teško precijeniti. Mnogi umjetnici su obožavali ovog majstora. Umnožavajući svoje senzualne slike u hiljadama svojih platna.

6. Tizian (1488-1576).

Tizian. Autoportret (fragment). 1562 Prado muzej, Madrid.

Tizian je bio neprevaziđen kolorista. Takođe je mnogo eksperimentisao sa kompozicijom. Generalno, bio je hrabar i briljantan inovator.
Svi su ga voljeli zbog takvog sjaja njegovog talenta. Zove se "Kralj slikara i slikar kraljeva".
Govoreći o Tizianu, želim da stavim uzvičnik iza svake rečenice. Uostalom, on je bio taj koji je unio dinamiku u slikarstvo. Patos. Entuzijazam. Svijetla boja. Sjaj boja.

Tizian. Uznesenje Marijino. 1515-1518 Crkva Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venecija.

Pred kraj života razvio je neobičnu tehniku ​​pisanja. Udarci su brzi. Gusta. Pasty. Boju sam nanosila ili kistom ili prstima. Ovo čini slike još življima i dišnijim. A radnje su još dinamičnije i dramatičnije.

Tizian. Tarquin i Lucretia. 1571 Muzej Fitzwilliam, Cambridge, Engleska.

Zar te ovo ne podsjeća ni na šta? Naravno, ovo je Rubensova tehnika. I tehnika umjetnika 19. stoljeća: Barbizona i impresionista. Tizian bi, poput Mikelanđela, prošao kroz 500 godina slikanja u jednom životu. Zato je genije.

***
Renesansni umjetnici su umjetnici velikog znanja. Da biste ostavili takvo nasljeđe, morali ste znati mnogo. U oblasti istorije, astrologije, fizike i tako dalje.
Stoga nas svaka njihova slika tjera na razmišljanje. Zašto je ovo prikazano? Koja je šifrovana poruka ovde?
Stoga gotovo nikada nisu griješili. Zato što su dobro razmislili o svom budućem radu. Koristeći sve svoje znanje.
Bili su više od umjetnika. Bili su filozofi. Objašnjavajući nam svijet kroz slikanje.
Zato će nam uvek biti duboko interesantni.

Renesansa je donijela duboke promjene u svim oblastima kulture – filozofiji, nauci i umjetnosti. Jedan od njih je. koja postaje sve nezavisnija od religije, prestaje da bude „služavka teologije“, iako je još uvek daleko od potpune nezavisnosti. Kao iu drugim oblastima kulture, u filozofiji se oživljavaju učenja antičkih mislilaca, prvenstveno Platona i Aristotela. Marsilio Ficino je osnovao Platonovu akademiju u Firenci i preveo djela velikog Grka na latinski. Aristotelove ideje vratile su se u Evropu još ranije, prije renesanse. Tokom renesanse, prema Luteru, on je, a ne Hrist, bio taj koji je „vladao evropskim univerzitetima“.

Zajedno sa drevnim učenjima, prirodna filozofija ili filozofija prirode. Propovijedaju ga filozofi kao što su B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. Njihovi radovi razvijaju ideje da filozofija ne treba proučavati natprirodnog Boga, već samu prirodu, da se priroda pokorava svojim unutrašnjim zakonima, da su osnova znanja iskustvo i opažanje, a ne božansko otkrivenje, da je čovjek dio prirode.

Širenje prirodno-filozofskih pogleda je olakšano naučnim otkrića. Glavni je bio heliocentrična teorija N. Kopernika, koji je napravio pravu revoluciju u idejama o svijetu.

Treba, međutim, napomenuti da su naučna i filozofska gledišta tog vremena još uvijek pod primjetnim utjecajem religije i teologije. Ovakav pogled često ima formu panteizam, u kojoj se postojanje Boga ne poriče, već se On rastvara u prirodi i poistovjećuje s njom. Ovome moramo dodati i uticaj takozvanih okultnih nauka – astrologije, alhemije, misticizma, magije itd. Sve se to događa čak i kod takvog filozofa kao što je D. Bruno.

Najznačajnije promjene koje je donijela renesansa bile su umjetnička kultura, umjetnost. Upravo se na tom području raskid sa srednjim vijekom pokazao najdubljim i najradikalnijim.

U srednjem vijeku umjetnost je uglavnom bila primijenjene prirode, utkana je u sam život i trebala ga je ukrašavati. U doba renesanse umjetnost je po prvi put dobila intrinzičnu vrijednost, postala je samostalna oblast ljepote. Istovremeno, u posmatraču se prvi put formira čisto umetničko, estetsko osećanje, prvi put se budi ljubav prema umetnosti radi nje same, a ne svrhe kojoj ona služi.

Nikada prije umjetnost nije uživala tako visoku čast i poštovanje. Čak je i u staroj Grčkoj rad umjetnika bio primjetno inferioran po svom društvenom značaju u odnosu na rad političara i građanina. Umjetnik je zauzimao još skromnije mjesto u starom Rimu.

Sad mjesto i uloga umjetnika u društvu se nemjerljivo povećavaju. Po prvi put je viđen kao nezavisni i cijenjeni profesionalac, naučnik i mislilac, jedinstvena osoba. U doba renesanse umjetnost je doživljavana kao jedno od najmoćnijih sredstava saznanja i kao takva se izjednačavala sa naukom. Leonardo da Vinci smatra nauku i umjetnost kao dva potpuno jednaka načina proučavanja prirode. On piše: „Slikarstvo je nauka i legitimna ćerka prirode.

Umjetnost kao kreativnost je još više cijenjena. Po svojim stvaralačkim sposobnostima, renesansni umjetnik se izjednačava sa Bogom Stvoriteljem. Otuda je jasno zašto je Rafael svom imenu dobio dodatak "Božansko". Iz istih razloga, Danteova “Komedija” nazvana je i “Božanstvena”.

U samoj umetnosti se dešavaju duboke promene.Čini odlučujući zaokret od srednjovjekovnog simbola i znaka ka realističnoj slici i pouzdanoj slici. Sredstva umjetničkog izražavanja postaju nova. Sada se zasnivaju na linearnoj i zračnoj perspektivi, trodimenzionalnosti volumena i doktrini proporcija. Umjetnost u svemu teži da bude vjerna stvarnosti, da postigne objektivnost, autentičnost i vitalnost.

Renesansa je prvenstveno bila italijanska. Stoga nije iznenađujuće da je upravo u Italiji umjetnost u tom periodu dostigla svoj najveći uspon i procvat. Ovdje se nalaze desetine imena titana, genija, velikih i jednostavno talentiranih umjetnika. Ima sjajnih imena iu drugim zemljama, ali Italija je van konkurencije.

Italijanska renesansa obično ima nekoliko faza:

• Protorenesansa: druga polovina 13. veka. - XIV vek
• Rana renesansa: gotovo cijeli 15. vijek.
• Visoka renesansa: kraj 15. stoljeća. - prva trećina 16. veka.
• Kasna renesansa: posljednje dvije trećine 16. stoljeća.

Glavne ličnosti protorenesanse su pjesnik Dante Alighieri (1265-1321) i slikar Giotto (1266/67-1337).

Sudbina je Danteu izložila mnoga iskušenja. Bio je proganjan zbog učešća u političkoj borbi, lutao je i umro u tuđini, u Raveni. Njegov doprinos kulturi prevazilazi poeziju. Pisao je ne samo ljubavnu liriku, već i filozofske i političke rasprave. Dante je tvorac italijanskog književnog jezika. Ponekad ga nazivaju posljednjim pjesnikom srednjeg vijeka i prvim pjesnikom modernog doba. Ova dva principa – stari i novi – zaista su usko isprepletena u njegovom radu.

Prva Danteova dela - "Novi život" i "Praznik" - su lirske ljubavne pesme posvećene njegovoj voljenoj Beatriče, koju je sreo jednom u Firenci i koja je umrla sedam godina nakon njihovog susreta. Pesnik je svoju ljubav zadržao do kraja života. Po svom žanru, Danteova lirika je u skladu sa srednjovekovnom dvorskom poezijom, gde je predmet pojanja slika „Lepe dame“. Međutim, osjećaji koje je pjesnik izrazio već pripadaju renesansi. Izazivaju ih stvarni susreti i događaji, ispunjeni iskrenom toplinom i obilježeni jedinstvenom ličnošću.

Vrhunac Danteove kreativnosti bio je „Božanstvena komedija“, koji je zauzeo posebno mjesto u istoriji svjetske kulture. Po svojoj konstrukciji, ova pjesma je također u skladu sa srednjovjekovnom tradicijom. Priča o avanturama čovjeka koji se nađe u zagrobnom životu. Pjesma ima tri dijela - pakao, čistilište i raj, od kojih svaki ima 33 pjesme napisane u strofama od tri reda.

Ponovljeni broj "tri" direktno odražava kršćansku doktrinu o Trojstvu. Tokom priče, Dante striktno slijedi mnoge zahtjeve kršćanstva. Konkretno, on ne pušta svog saputnika kroz devet krugova pakla i čistilišta - rimskog pjesnika Vergilija - u raj, jer je paganu to pravo lišeno. Ovdje pjesnika prati njegova preminula voljena Beatrice.

Međutim, u njegovim mislima i sudovima, u svom odnosu prema prikazanim likovima i njihovim grijesima. Dante često i veoma značajno odstupa od hrišćanskog učenja. Dakle. umjesto kršćanske osude čulne ljubavi kao grijeha, on govori o "zakonu ljubavi", prema kojem je čulna ljubav uključena u prirodu samog života. Dante se prema ljubavi Frančeske i Paola odnosi sa razumevanjem i simpatijom. iako je njihova ljubav povezana sa Frančeskinom izdajom muža. Duh renesanse trijumfuje kod Dantea iu drugim slučajevima.

Među istaknutim italijanskim pesnicima je takođe Francesco Petrarca. U svjetskoj kulturi poznat je prvenstveno po svojoj soneti. Istovremeno, bio je široki mislilac, filozof i istoričar. S pravom se smatra osnivačem cjelokupne renesansne kulture.

Petrarkino djelo je također dijelom u okvirima srednjovjekovne dvorske lirike. Poput Dantea, imao je ljubavnicu po imenu Laura, kojoj je posvetio svoju „Knjigu pesama“. Istovremeno, Petrarka odlučnije prekida veze sa srednjovjekovnom kulturom. U njegovim radovima izražena osećanja – ljubav, bol, očaj, čežnja – deluju mnogo oštrije i ogoljenije. U njima je jači lični element.

Još jedan istaknuti predstavnik književnosti bio je Giovanni Boccaccio(1313-1375). autor svjetski poznatih Dekameron." Boccaccio princip građenja svoje zbirke kratkih priča i nacrt radnje posuđuje iz srednjeg vijeka. Sve ostalo je prožeto duhom renesanse.

Glavni likovi kratkih priča su obični i obični ljudi. Napisane su iznenađujuće jarkim, živahnim, razgovornim jezikom. U njima nema dosadnog moraliziranja, naprotiv, mnoge kratke priče bukvalno svjetlucaju ljubavlju prema životu i zabavom. Zaplet nekih od njih je ljubavne i erotske prirode. Osim Dekamerona, Boccaccio je napisao i priču Fiametta, koja se smatra prvim psihološkim romanom u zapadnoj književnosti.

Giotto di Bondone je najistaknutiji predstavnik italijanske protorenesanse u likovnoj umjetnosti. Njegov glavni žanr bilo je fresko slikarstvo. Svi su napisani na biblijske i mitološke teme, prikazujući scene iz života Svete porodice, jevanđelista i svetaca. Međutim, u tumačenju ovih zapleta jasno dominira renesansni princip. U svom radu Giotto napušta srednjovjekovne konvencije i okreće se realizmu i verodostojnosti. On je taj koji je zaslužan za oživljavanje slikarstva kao same umjetničke vrijednosti.

Njegovi radovi prilično realistično prikazuju prirodni krajolik u kojem se jasno vide drveće, stijene i hramovi. Svi likovi koji sudjeluju, uključujući i same svece, pojavljuju se kao živi ljudi, obdareni fizičkim tijelom, ljudskim osjećajima i strastima. Njihova odjeća ocrtava prirodne oblike njihovih tijela. Giottova djela odlikuju svijetli kolorit i slikovitost, suptilna plastičnost.

Giottova glavna kreacija je slika Chapel del Arena u Padovi, koja govori o događajima iz života Svete porodice. Najimpresivniji je zidni ciklus, koji uključuje scene „Bek u Egipat“, „Judin poljubac“ i „Oplakavanje Hrista“.

Svi likovi prikazani na slikama izgledaju prirodno i pouzdano. Položaj njihovih tijela, gestovi, emocionalno stanje, pogledi, lica - sve je to prikazano sa rijetkom psihološkom uvjerljivošću. Istovremeno, svačije ponašanje striktno odgovara ulozi koja im je dodeljena. Svaka scena ima jedinstvenu atmosferu.

Tako u sceni “Bjekstvo u Egipat” prevladava suzdržan i općenito smiren emocionalni ton. “Judin poljubac” ispunjen je burnom dinamikom, oštrim i odlučnim postupcima likova koji se bukvalno bore jedni s drugima. I samo dva glavna učesnika - Juda i Hrist - su se ukočili ne mičući se i bore se očima.

Posebnom dramatičnošću je obeležena scena „Oplakovanje Hristovo“. Ispunjena je tragičnim očajem, nepodnošljivim bolom i patnjom, neutešnom tugom i tugom.

Rana renesansa je konačno uspostavljena nova estetska i umjetnička načela umjetnosti. Istovremeno, biblijske priče su i dalje veoma popularne. Međutim, njihova interpretacija postaje potpuno drugačija, u njoj je malo toga ostalo od srednjeg vijeka.

Domovina Rana renesansa Firenca je postala, a arhitekta se smatra "očevima renesanse" Philippe Brunelleschi(1377-1446), vajar Donatello(1386-1466). slikar Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi je dao ogroman doprinos razvoju arhitekture. Postavio je temelje renesansnoj arhitekturi i otkrio nove oblike koji su trajali stoljećima. Učinio je mnogo na razvoju zakona perspektive.

Najznačajniji Brunelleschijev rad je podizanje kupole nad već završenom strukturom katedrale Santa Maria del Fiore u Firenci. Bio je suočen sa izuzetno teškim zadatkom, jer je potrebna kupola morala biti ogromne veličine - oko 50 m u prečniku. Uz pomoć originalnog dizajna, briljantno prevladava tešku situaciju. Zahvaljujući pronađenom rješenju, ne samo da je sama kupola bila iznenađujuće lagana i kao da lebdi iznad grada, već je i cijela zgrada katedrale dobila sklad i veličanstvenost.

Ništa manje lijepo Brunelleschijevo djelo bila je poznata kapela Pazzi, podignuta u dvorištu crkve Santa Croce u Firenci. To je mala, pravougaona zgrada, u sredini pokrivena kupolom. Unutrašnjost je obložena bijelim mermerom. Kao i druge Brunelleschijeve građevine, kapela se odlikuje jednostavnošću i jasnoćom, elegancijom i gracioznošću.

Brunelleschijev rad je izvanredan po tome što nadilazi vjerske objekte i stvara veličanstvene građevine svjetovne arhitekture. Odličan primjer takve arhitekture je obrazovno sklonište, izgrađeno u obliku slova „P“, sa natkrivenom galerijom-lođom.

Firentinski vajar Donatello jedan je od najistaknutijih stvaralaca rane renesanse. Radio je u raznim žanrovima, svuda pokazujući istinsku inovativnost. U svom radu Donatello koristi antičko nasljeđe, oslanjajući se na duboko proučavanje prirode, hrabro ažurirajući sredstva umjetničkog izražavanja.

Učestvuje u razvoju teorije linearne perspektive, oživljava skulpturalni portret i sliku nagog tela i izliva prvi bronzani spomenik. Slike koje je stvorio oličenje su humanističkog ideala harmonično razvijene ličnosti. Donatello je svojim radom imao veliki uticaj na kasniji razvoj evropske skulpture.

Donatellova želja da idealizuje portretisanu osobu jasno se manifestuje u statua mladog Davida. U ovom djelu David se pojavljuje kao mlad, lijep mladić pun psihičke i fizičke snage. Ljepotu njegovog nagog tijela naglašava njegov graciozno zakrivljeni torzo. Mlado lice izražava zamišljenost i tugu. Ovaj kip je pratio čitav niz nagih figura u renesansnoj skulpturi.

Herojski princip zvuči snažno i jasno statua sv. George, koji je postao jedan od vrhunaca Donatelove kreativnosti. Ovdje je u potpunosti uspio utjeloviti ideju snažne ličnosti. Pred nama je visok, vitak, hrabar, miran i samouvjeren ratnik. U ovom radu majstor kreativno razvija najbolje tradicije antičke skulpture.

Donatellovo klasično djelo je bronzana statua zapovjednika Gattamelatte, prvi konjički spomenik u renesansnoj umjetnosti. Ovdje veliki skulptor dostiže krajnji nivo umjetničke i filozofske generalizacije, što ovo djelo približava antici.

Istovremeno, Donatello je kreirao portret specifične i jedinstvene ličnosti. Komandant se pojavljuje kao pravi renesansni heroj, hrabra, smirena, samouvjerena osoba. Kip se odlikuje lakonskim oblicima, jasnom i preciznom plastikom, te prirodnošću poze jahača i konja. Zahvaljujući tome, spomenik je postao pravo remek-djelo monumentalne skulpture.

U posljednjem periodu svog stvaralaštva Donatello stvara bronzanu grupu „Judita i Holofernes“. Ovo djelo je ispunjeno dinamikom i dramatičnošću: Judita je prikazana u trenutku kada podiže mač nad već ranjenim Holofernom. da ga dokrajčim.

Masaccio s pravom se smatra jednom od glavnih ličnosti rane renesanse. On nastavlja i razvija trendove koji dolaze iz Giotta. Masaccio je živio samo 27 godina i malo je uspio. Međutim, freske koje je stvorio postale su prava škola slikarstva za kasnije italijanske umjetnike. Prema Vasariju, savremeniku visoke renesanse i autoritativnom kritičaru, „nijedan majstor nije se toliko približio modernim majstorima kao Masaccio“.

Masacciova glavna kreacija su freske u kapeli Brancacci crkve Santa Maria del Carmine u Firenci, koje govore o epizodama iz legendi o Svetom Petru, a također prikazuju dvije biblijske scene - “Pad” i “Izgon iz raja”. ”

Iako freske govore o čudima koje je izveo sv. Peter, u njima nema ničeg natprirodnog ili mističnog. Prikazani Krist, Petar, apostoli i drugi učesnici događaja izgledaju kao potpuno zemaljski ljudi. Obdareni su individualnim osobinama i ponašaju se potpuno prirodno i ljudski. Konkretno, u sceni “Krštenje” iznenađujuće je pouzdano prikazan goli mladić koji drhti od hladnoće. Masaccio gradi svoju kompoziciju koristeći ne samo linearnu, već i zračnu perspektivu.

Od čitavog ciklusa, zaslužuje posebnu pažnju freska "Izgon iz raja". To je pravo slikarsko remek djelo. Freska je izuzetno lakonska, u njoj nema ničeg suvišnog. Na pozadini nejasnog pejzaža jasno se vide likovi Adama i Eve koji su napustili vrata Raja, iznad kojih lebdi anđeo s mačem. Sva pažnja usmjerena je na mamu i Evu.

Masaccio je bio prvi u povijesti slikarstva koji je mogao tako uvjerljivo i autentično naslikati nago tijelo, prenijeti njegove prirodne proporcije, dati mu stabilnost i pokretljivost. Unutrašnje stanje likova jednako je uvjerljivo i jasno izraženo. Hodajući široko, Adam je od stida spustio glavu i pokrio lice rukama. Jecajuća Eve je zabacila glavu u očajanju otvorenih usta. Ova freska otvara novu eru u umjetnosti.

Ono što je Masaccio radio nastavili su umjetnici kao Andrea Mantegna(1431 -1506) i Sandro Botticelli(1455-1510). Prvi je postao poznat prvenstveno po svojim slikama, među kojima posebno mjesto zauzimaju freske koje govore o posljednjim epizodama života sv. Jakov - povorka do pogubljenja i sama egzekucija. Botticelli je preferirao štafelajno slikarstvo. Njegove najpoznatije slike su “Proljeće” i “Rođenje Venere”.

Od kraja 15. veka, kada je italijanska umetnost dostigla svoj najveći uspon, Visoka renesansa. Za Italiju se ovaj period pokazao izuzetno teškim. Fragmentiran i stoga bespomoćan, bio je bukvalno razoren, opljačkan i iskrvavljen invazijama iz Francuske, Španije, Njemačke i Turske. Međutim, umjetnost je u tom periodu, začudo, doživjela neviđeni procvat. U to vrijeme stvaraju titani poput Leonarda da Vincija. Raphael. Mikelanđelo, Ticijan.

U arhitekturi, početak visoke renesanse povezuje se sa kreativnošću Donato Bramante(1444-1514). Upravo je on stvorio stil koji je odredio razvoj arhitekture ovog perioda.

Jedno od njegovih ranih radova bila je crkva manastira Santa Maria della Grazie u Milanu, u čijoj će trpezariji Leonardo da Vinči naslikati svoju čuvenu fresku „Poslednja večera“. Njegova slava počinje malom kapelom tzv Tempetto(1502), sagrađena u Rimu i koja je postala svojevrsni „manifest” visoke renesanse. Kapela ima oblik rotonde, odlikuje se jednostavnošću arhitektonskih sredstava, skladom dijelova i rijetkom ekspresivnošću. Ovo je pravo malo remek-djelo.

Vrhunac Bramanteovog rada je rekonstrukcija Vatikana i transformacija njegovih zgrada u jedinstvenu cjelinu. Razvio je i dizajn katedrale sv. Petra, koje će Michelangelo unijeti i početi provoditi.

Vidi također: Michelangelo Buonarroti

U umjetnosti talijanske renesanse posebno mjesto zauzima Venecija.Škola koja se ovdje razvila značajno se razlikovala od škola u Firenci, Rimu, Milanu ili Bolonji. Potonji su gravitirali stabilnim tradicijama i kontinuitetu, nisu bili skloni radikalnoj obnovi. Upravo se na te škole oslanjao klasicizam 17. vijeka. i neoklasicizam narednih vekova.

Venecijanska škola im je djelovala kao svojevrsna protuteža i antipod. Ovdje je vladao duh inovacije i radikalne, revolucionarne obnove. Od predstavnika drugih italijanskih škola, Leonardo je bio najbliži Veneciji. Možda je tu njegova strast za traganjem i eksperimentiranjem mogla naći dužno razumijevanje i priznanje. U čuvenom sporu između “starih i novih” umjetnika, potonji su se oslanjali na primjer Venecije. Tu su nastali trendovi koji su doveli do baroka i romantizma. I iako su romantičari poštovali Rafaela, njihovi pravi bogovi bili su Tizian i Veronese. U Veneciji je El Greco dobio svoj kreativni naboj, što mu je omogućilo da uzdrma špansko slikarstvo. Velázquez je prošao kroz Veneciju. Isto se može reći i za flamanske umjetnike Rubensa i Van Dycka.

Kao lučki grad, Venecija se našla na raskršću ekonomskih i trgovačkih puteva. Bio je pod uticajem Severne Nemačke, Vizantije i Istoka. Venecija je postala mjesto hodočašća mnogih umjetnika. ODGOVOR: Durer je bio ovde dva puta - krajem 15. veka. i početkom 16. veka. Goethe ju je posjetio (1790.). Wagner je ovdje slušao pjevanje gondolijera (1857.), pod čijom inspiracijom je napisao drugi čin Tristana i Izolde. Niče je takođe slušao pevanje gondolijera, nazivajući to pevanjem duše.

Blizina mora izazivala je tečne i pokretne forme, a ne jasne geometrijske strukture. Venecija je težila ne toliko razumu sa svojim strogim pravilima, koliko osjećajima, iz kojih se rodila zadivljujuća poezija venecijanske umjetnosti. U fokusu ove poezije bila je priroda - njena vidljiva i opipljiva materijalnost, žena - uzbudljiva lepota njenog tela, muzika - rođena iz igre boja i svetlosti i iz očaravajućih zvukova produhovljene prirode.

Umjetnici venecijanske škole davali su prednost ne formi i dizajnu, već boji, igri svjetla i sjene. Prikazujući prirodu, nastojali su prenijeti njene impulse i kretanje, promjenjivost i fluidnost. Oni su vidjeli ljepotu ženskog tijela ne toliko u harmoniji oblika i proporcija, koliko u samom živom i osjećajnom tijelu.

Realna uvjerljivost i autentičnost nisu im bili dovoljni. Oni su nastojali da otkriju bogatstvo svojstveno samom slikarstvu. Veneciji pripada zasluga otkrivanja čistog slikovnog principa, odnosno slikovitosti u svom čistom obliku. Venecijanski umjetnici prvi su pokazali mogućnost odvajanja slikovitog od predmeta i forme, mogućnost rješavanja problema slikarstva uz pomoć jedne boje, čisto likovnih sredstava, mogućnost da se slikovito posmatra kao samo sebi cilj. Sva naredna slika, zasnovana na ekspresiji i ekspresivnosti, ići će tim putem. Prema nekim stručnjacima, od Tiziana se može preći na Rubensa i Rembranta, zatim na Delacroixa, a od njega do Gauguina, Van Gogha, Cezannea itd.

Osnivač venecijanske škole je Giorgione(1476-1510). U svom radu djelovao je kao pravi inovator. Konačno ga osvaja svjetovni princip i umjesto biblijskih tema, radije piše na mitološke i književne teme. U njegovom opusu utemeljena je štafelajna slika koja više ne liči na ikonu ili oltarsku sliku.

Giorgione otvara novu eru u slikarstvu, kao prvi koji je slikao iz života. Prikazujući prirodu, on po prvi put pomjera naglasak na mobilnost, promjenjivost i fluidnost. Odličan primjer za to je njegova slika “Grum”. Giorgione je tajnu slikarstva počeo tražiti u svjetlu i njegovim prijelazima, u igri svjetla i sjene, djelujući kao prethodnik Caravaggia i Karavaggizma.

Giorgione je stvorio djela različitih žanrova i tema - “Ruralni koncert” i “Judith”. Njegovo najpoznatije djelo je bilo "uspavana Venera"" Ova slika je lišena bilo kakvog zapleta. Ona veliča ljepotu i šarm nagog ženskog tijela, predstavljajući „golotinju zbog same nje“.

Rukovodilac venecijanske škole je Tizian(oko 1489-1576). Njegovo djelo - zajedno sa djelima Leonarda, Raphaela i Michelangela - predstavlja vrhunac renesansne umjetnosti. Veći dio svog dugog života proveo je u kasnoj renesansi.

U Tizianovom djelu, umjetnost renesanse dostiže svoj najveći uspon i procvat. Njegova djela spajaju kreativno traženje i inovativnost Leonarda, ljepotu i savršenstvo Raphaela, duhovnu dubinu, dramu i tragediju Michelangela. Odlikuje ih izuzetna senzualnost, zbog čega imaju snažan uticaj na gledaoca. Ticijanova djela su iznenađujuće muzikalna i melodična.

Kako Rubens primećuje, sa Ticijanom je slikarstvo dobilo svoj ukus, a prema Delacroixu i Van Goghu, muzika. Njegova su platna oslikana otvorenim potezima koji su istovremeno lagani, slobodni i prozirni. U njegovim djelima boja kao da rastvara i apsorbira formu, a slikovni princip po prvi put dobiva autonomiju i pojavljuje se u svom čistom obliku. Realizam se u njegovim djelima pretvara u šarmantan i suptilan lirizam.

U djelima prvog perioda Tizian veliča bezbrižnu životnu radost, uživanje u zemaljskim dobrima. On veliča čulni princip, ljudsko meso koje pršti od zdravlja, vječnu ljepotu tijela, fizičko savršenstvo čovjeka. Tome su posvećene njegove slike kao što su “Ljubav zemaljska i nebeska”, “Venerina slava”, “Bakh i Arijadna”, “Danae”, “Venera i Adonis”.

Na slici preovladava senzualni princip „Pokajnica Magdalena“, iako je posvećena dramatičnoj situaciji. Ali i ovde grešnik koji se kaje ima senzualno telo, zadivljujuće telo koje zrači svetlošću, pune i senzualne usne, rumene obraze i zlatnu kosu. Platno “Dječak sa psima” ispunjeno je dušebrižnim lirizmom.

U djelima drugog razdoblja očuvano je čulno načelo, ali ga nadopunjuju rastući psihologizam i dramatika. Sve u svemu, Tizian pravi postepeni prelaz od fizičkog i senzualnog ka duhovnom i dramatičnom. Tekuće promjene u Tizianovom stvaralaštvu jasno su vidljive u oličenju tema i tema kojima se veliki umjetnik dva puta bavio. Tipičan primjer u tom pogledu je slika “Sveti Sebastijan”. U prvoj verziji sudbina usamljene patnice koju su ljudi napustili ne izgleda previše tužno. Naprotiv, prikazani svetac je obdaren vitalnošću i fizičkom ljepotom. U kasnijoj verziji slike, koja se nalazi u Ermitažu, ista slika poprima crte tragedije.

Još upečatljiviji primjer su varijante slike „Trno krunisanje“, posvećene epizodi iz Hristovog života. U prvom od njih, pohranjenom u Luvru. Krist se pojavljuje kao fizički lijep i snažan sportista, sposoban da odbije svoje silovatelje. U minhenskoj verziji, nastaloj dvadeset godina kasnije, ista epizoda je prenesena mnogo dublje, složenije i sadržajnije. Krist je prikazan u bijelom ogrtaču, oči su mu zatvorene, mirno podnosi batine i poniženja. Sada nije glavna stvar krunisanje i prebijanje, ne fizički fenomen, već psihički i duhovni. Slika je ispunjena dubokom tragedijom, izražava trijumf duha, duhovne plemenitosti nad fizičkom snagom.

U kasnijim Ticijanovim radovima tragični zvuk postaje sve intenzivniji. O tome svjedoči slika „Oplaćanje Krista“.