Diomed je prasnuo u smijeh, ne očekujući takvu bezobrazluk od pridošlice, i dovoljno se nasmijavši viknuo je svojim vojnicima:
Nahrani ga konjima!
Nije poznato zašto je Herkul lično došao kod Diomeda, možda samo da bi se uverio u okrutnost tračkog kralja, a sada je tu potvrdu dobio iz prve ruke. Čak stotinu tračkih ratnika nije uspjelo raniti poluboga, on ih je sve pobio. A Diomeda su, tresući se od straha, uhvatili za kragnu i odvukli u štalu.
Sada ćete i vi znati sudbinu svih koje ste osudili!
S tim riječima, Zevsov sin, iskusivši pravedni gnjev, bacio je kralja Bistona svojim zvijerima. Konji su rastrgali Diomeda kao i sve druge na koje su naišli, jer nisu prepoznali nijednog gospodara. Nakon toga je Herkul odveo konje na brod svog prijatelja, gdje je njihovu stražu povjerio svom prijatelju Abderi.
Možda se ne bi dogodila nikakva tragedija da nije bilo tračkih ratnika koji su krenuli u poteru za Herkulom, želeći da osvete kralja. Bitka s Tračanima nije bila duga; Herkul i njegovi pratioci su lako odbili napad, ali se za to vrijeme Abder nehotice približio monstruoznim stvorenjima i oni su ga razdvojili.
Nakon što su oplakali svog prijatelja i sahranili ga uz počasti, tim se vratio u Argos. Euristej je, videvši njuške konja umrljane ljudskom krvlju, užasnuo i naredio da ih odmah puste negde dalje od grada, u planine. Kažu da su ih tamo raskomadali divlji grabežljivci.
A u blizini mjesta gdje je Herkul sahranio Abderu, osnovan je grad nazvan po njemu.
U mitovima o Herkulovim trudovima, osmi zadatak koji junak mora da izvrši je da ukrade kobile Diomeda, kralja Trakije. Čini se da bi krađa konja trebala biti jednostavna stvar za sina boga, ali to su bili konji koji su jeli ljude. Ne znajući da su ti konji ludi, Herkul ih ostavlja sa svojim drugovima, koje su krvožedne životinje ubile i pojeli.
"Diomeda su proždirali konji." Gustave MoreauKao kaznu za Diomeda za podizanje takvih čudovišta, Herkul ga je nahranio svojim konjima. Ova radnja je bila osnova Moreauove slike, na kojoj možete vidjeti Herkula kako bezbrižno gleda u “osvetu” konja Diomedu. Moreau je poznat po svojim simboličnim slikama biblijskih i mitoloških tema, ali nijedna nije tako krvava kao ova.
2. "Noćna mora." Henry Fuseli
Čim je Fuseli predstavio ovu sliku javnosti, postala je poznata po tome što je demonstrirala "zastrašujući efekat kletvi na ljudske snove". Slika je postala toliko popularna da je Fuseli naslikao nekoliko njenih verzija. Glavna radnja je demonstracija sna osobe i noćnih mora koje vidi u njemu.
"Noćna mora". Henry Fuseli Na ovom platnu možete vidjeti inkubusa, muškog demona koji zavodi žene tokom sna. On sjedi na grudima žene koja spava i uzrokuje da ima otvoreno seksualne snove. Međutim, popularnost slike izazvala je mnoge kontradiktornosti (na kraju krajeva, doba nije bilo tako „slobodno“ u smislu izražavanja nečijih želja). Kao rezultat toga, platno je korišteno u mnogim satiričnim slikama gruzijskog i viktorijanskog doba.
"vodeni duh" Alfred Kubin. Nažalost, malo ljudi danas zna za austrijskog ilustratora Alfreda Kubina. Radio je prvenstveno u stilu simbolističke i impresionističke grafike, a bio je poznat i po svojim akvarelima i crtežima tušem i olovkom. Ima nekoliko radova napravljenih uljanim bojama, ali ovaj primjer savršeno prenosi kubanski mračni stil. Zapravo, možete pronaći nekoliko slika koje tako dobro prenose sumorno i depresivno raspoloženje. Zanimljivo je da su nacisti Kubinov rad nazvali "degeneriranim".
4. "Judita odrubljuje glavu Holofernu." Artemisia Gentileschi
Ova slika je vrlo slična djelu Caravaggia, ali je manje poznata. Sama Artemisia Gentileschi vodila je fascinantan život, a neke od karakternih osobina biblijske Judite mogu se vidjeti i na samoj umjetnici.
"Judith odsijeca glavu Holofernu." Artemisia Gentileschi Slika, čiji se stil u velikoj mjeri poklapa sa Karavađovim naturalizmom i nasiljem, ima još realističniju scenu odrubljivanja glave. U slučaju da u Caravaggiovim slikama treba tražiti neko skriveno značenje, kod Gentileschija je to jasno vidljivo na prvi pogled. Holofernovo lice u ovoj verziji sugerira da je očigledno pao u stupor u pijanom stanju, ne shvaćajući šta se događa.
5. “Ruke mu se opiru.” Bill Stoneham
Slika je postala internet senzacija 2000. godine kada je stavljena na prodaju na eBayu. Prodavci su tvrdili da su se djeca na slici kretala noću i ponekad izlazila iz slike. Na internetu su se počele pojavljivati čak i stranice posvećene slici, koje su prikazivale neke fotografije izbliza koje naglašavaju jezive priče povezane sa slikom.
"Ruke mu se opiru." Bill Stoneham. Objema djece nedostaju oči, ali možda najuznemirujuća karakteristika slike su malene ruke pritisnute na staklo na vratima iza djece. Umjetnik je dobio zadatak da naslika nastavak ove slike, prikazujući iste likove nekoliko decenija kasnije.
6. “Slika Dorijana Greja.” Ivan Olbrajt
Ivan Olbrajt je slikao u stilu „magijskog realizma“, ali nisu sve njegove slike pune fantastičnih hirova. Magični realizam u umjetnosti najbolje se može opisati kao stilski realizam, koji ima za cilj da prenese "unutarnju istinu" predmeta do gledatelja.
"Slika Doriana Greya". Ivan Olbrajt Ovaj stil je savršen za radnju ove slike. U romanu Oskara Vajlda Slika Dorijana Greja, mladićevi gresi su se odrazili na njegovu sliku, ali ne i na karakter. Ova slika je naručena za film MGM 1945. prema Vajldovoj knjizi. Tokom filma, portret se istroši, kao i duša mladića, pa je Olbrajtova angažovana da izvrši promene na njegovoj slici tokom snimanja.
7. "Pogo klovn" John Wayne Gacy
John Wayne Gacy bio je jedan od najozloglašenijih serijskih ubica u američkoj istoriji, koji je ubio najmanje 33 mladića i tinejdžera. Nakon hapšenja zbog ovih zločina, Gacy se bavio umjetnošću i slikao u zatvoru do pogubljenja. Ova slika prikazuje samog Gacyja u liku njegovog alter ega - klauna Poga.
"Pogo klovn" John Wayne Gacy. Bio je obučen kao Pogo koji je Gacy obično zabavljao djecu u divljini. Ovo svakako nije primjer velike umjetnosti, a veliki dio užasa ove slike zapravo je zasnovan na saznanju o Gacyjevim zločinima. Vrijedi obratiti pažnju na šiljaste kutove šminke Gacynih usta. Većina klovnova to izbjegava jer ima tendenciju da poveća latentnu kulofobiju (strah od klovnova) kod bilo koje osobe.
"Pogo klovn" John Wayne Gacy Vrisak Edvarda Munka je vjerovatno jedna od najpoznatijih ekspresionističkih slika, a ujedno je i jedna od najuznemirujućih. Njena središnja figura smatra se izrazom egzistencijalne tjeskobe s kojom se svi moraju pomiriti. S obzirom na popularnost ove slike, možda nije vredno ni opisivati je u detalje.
9. “Tri studije za figure u podnožju raspeća.” Francis Bacon
Bacon je poznat po svojoj depresivnoj umjetnosti i triptihima. Triptih iz 1944. "Tri studije za figure u podnožju raspeća" smatra se prvim Baconovim velikim umjetničkim djelom. Ove figure simboliziraju mnoge izvore, kao što su Furije iz grčkih mitova, likovi iz Grunewaldovog triptiha, pa čak i filma Bojni brod Potemkin.
"Tri studije za figure u podnožju raspeća." Francis Bacon. Mršav pogled na njihovim licima navodi na pomisao da se gomila ruga Isusu na putu do njegovog pogubljenja. Za razliku od mnogih Baconovih djela koja su milijarderi ukrali i u tajnosti otkupili, ovaj triptih se može vidjeti u britanskoj galeriji Tate. Bacon se kasnije vratio ovom djelu i naslikao njegovu veliku kopiju.
10. "Guernica" Pablo Picasso
26. aprila 1937. godine, njemačka legija Kondor, dobrovoljačka jedinica Luftwaffea, pod komandom španskih nacionalista bombardirala je grad Guernicu, potpuno ga uništivši. Priča o Nemcima koji su prekršili svoj pakt o neintervenciji u Španskom građanskom ratu je skoro odmah objavljena u štampi.
"Tri studije za figure u podnožju raspeća." Francis Bacon Španski republikanci su naručili Picassa da naslika mural bombardovanja grada za Svjetsku izložbu u Parizu. Od svog prvog prikazivanja, slika je postala simbol surovosti i stradanja rata. Možda najupečatljiviji dio rada je figura krajnje lijevo - vrišti žena koja drži mrtvo dijete.
Zbog umjetnosti Gustave Moreaudobrovoljno se izolovao od društva. Misterija kojom je okružio svoj život pretvorila se u legendu o samom umjetniku.
Život Gustava Moreaua (1826 - 1898), kao i njegovo delo, izgleda potpuno odvojeno od realnosti francuskog života u 19. veku. Ograničivši svoj društveni krug na članove porodice i bliske prijatelje, umjetnik se u potpunosti posvetio slikarstvu. Imajući dobar prihod od svojih platna, nije bio zainteresovan za promjene u modi na tržištu umjetnosti. Čuveni francuski simbolistički pisac Huysmans vrlo je precizno nazvao Moreaua „isposnikom koji se nastanio u samom srcu Pariza“.
Edip i Sfinga (1864.)
Moreau je rođen 6. aprila 1826. godine u Parizu. Njegov otac, Louis Moreau, bio je arhitekta čija je odgovornost bila održavanje gradskih javnih zgrada i spomenika. Smrt Moreauove jedine sestre, Camille, zbližila je porodicu. Umjetnikova majka, Polina, bila je svim srcem vezana za svog sina i, pošto je ostala udovica, nije se rastala od njega sve do svoje smrti 1884.
Roditelji su od ranog djetinjstva podsticali djetetovo interesovanje za crtanje i uvodili ga u klasičnu umjetnost. Gustav je mnogo čitao, volio je gledati albume s reprodukcijama remek-djela iz kolekcije Louvrea, a 1844. godine, nakon što je završio školu, dobio je diplomu - rijetko dostignuće za mlade buržuje. Zadovoljan uspjehom svog sina, Louis Moreau ga je rasporedio u atelje neoklasičnog umjetnika François-Edouarda Picoa (1786-1868), gdje je mladi Moreau dobio potrebnu obuku za upis u Školu likovnih umjetnosti, gdje je uspješno položio ispite u 1846
Sveti Đorđe i zmaj (1890.)
Griffin (1865)
Obuka je ovdje bila izuzetno konzervativna i uglavnom se sastojala od kopiranja gipsanih odljeva sa antičkih statua, crtanja muških aktova, proučavanja anatomije, perspektive i istorije slikarstva. U međuvremenu, Moreau je postao sve više fasciniran živopisnim slikama Delacroixa, a posebno njegovog sljedbenika Theodorea Chasseria. Pošto nije uspeo da osvoji prestižnu Prix de Rome (škola je slala pobednike ovog takmičenja o svom trošku na školovanje u Rim), Moro je napustio školu 1849. godine.
Mladi umjetnik je skrenuo pažnju na Salon, godišnju zvaničnu izložbu koju je svaki početnik nastojao posjetiti u nadi da će ga kritičari primijetiti. Slike koje je Moreau predstavio u Salonu 1850-ih, na primjer, "Pjesma nad pjesmama" (1853), otkrivale su snažan utjecaj Chasseria - izvedene na romantičan način, odlikovale su ih prodoran kolorit i mahnita erotizam.
Moreau nikada nije poricao da mnogo za svoj rad duguje Chasseriju, svom prijatelju koji je rano umro (u dobi od 37 godina). Šokiran njegovom smrću, Moreau mu je posvetio sliku “Mladost i smrt”.
Salome pleše pred Herodom (1876.)
Međutim, poštovaoci Moreauovog rada doživljavali su njegova nova djela kao poziv na oslobađanje mašte. Postao je idol simbolističkih pisaca, uključujući Huysmansa, Lorraina i Péladana. Međutim, Moreau se nije slagao s činjenicom da je klasifikovan kao simbolista; u svakom slučaju, kada je Péladan 1892. zamolio Moreaua da napiše pohvalnu recenziju salona simbolista ruže i križa, umjetnik je to odlučno odbio.
U međuvremenu, Moroova nelaskava slava nije ga lišila privatnih kupaca, koji su nastavili kupovati njegova mala platna, obično slikana na mitološke i vjerske teme. U periodu od 1879. do 1883. stvorio je četiri puta više slika nego u prethodnih 18 godina (najprofitabilnija za njega bila je serija od 64 akvarela, nastala prema La Fontaineovim basnama za marsejskog bogataša Anthonyja Roya - za svaki akvarel Moro je dobio od 1000 do 1500 franaka). I umjetnikova karijera je krenula.
Odisej pobjeđuje prosce (detalj)
Sam Moreau nije želio da prizna da je ili jedinstven, ili da nije u dodiru s vremenom, i, štaviše, neshvatljiv. Sebe je vidio kao umjetnika-mislioca, ali je istovremeno, što je posebno isticao, na prvo mjesto stavio boju, liniju i formu, a ne verbalne slike. Želeći da se zaštiti od neželjenih tumačenja, često je svoje slike pratio detaljnim komentarima i iskreno žalio što „do sada nije bilo nijedne osobe koja bi mogla ozbiljno da priča o mojoj slici“.
Herkul i Lernjska hidra (1876.)
Moreau je uvijek posebnu pažnju poklanjao radovima starih majstora, tim istim „starim mehovima” u koje je, prema Redonovoj definiciji, želio da ulije svoje „novo vino”. Moro je dugi niz godina proučavao remek-djela zapadnoevropskih umjetnika, a prvenstveno predstavnika talijanske renesanse, ali su ga herojski i monumentalni aspekti zanimali mnogo manje nego duhovna i mistična strana djela njegovih velikih prethodnika.
Moro je najdublje poštovao Leonarda da Vinčija, koji je u 19. veku. smatra pretečom evropskog romantizma. Moreauova kuća čuvala je reprodukcije svih Leonardovih slika predstavljenih u Louvreu, a umjetnik im se često obraćao, posebno kada je trebao prikazati stjenoviti pejzaž (kao, na primjer, na slikama "Orfej" i "Prometej") ili ženstvene muškarce. koji su ličili na one koje je stvorio Leonardo imidž Svetog Jovana. „Nikada ne bih naučio da se izražavam“, reći će Moreau, već zreo umetnik, „bez stalne meditacije pred djelima genija: Sikstinskom Madonom i nekim Leonardovim kreacijama“.
Tračanka sa Orfejevom glavom na njegovoj liri (1864.)
Moreauovo divljenje majstorima renesanse bilo je karakteristično za mnoge umjetnike 19. stoljeća. U to su vrijeme čak i klasični umjetnici poput Ingresa tražili nove teme, netipične za klasično slikarstvo, a brzi rast kolonijalnog francuskog carstva pobudio je interes gledatelja, posebno kreativnih ljudi, za sve egzotično.
Paun se žali Juno (1881.)
Arhiv muzeja Gustave Moreau otkriva nevjerovatnu širinu umjetnikovih interesovanja - od srednjovjekovnih tapiserija do antičkih vaza, od japanskih drvoreza do erotskih indijskih skulptura. Za razliku od Ingresa, koji se ograničio isključivo na povijesne izvore, Moreau je hrabro kombinirao na platnu slike preuzete iz različitih kultura i epoha. Njegovo"jednorozi", na primjer, kao da je posuđena iz galerije srednjovjekovnih slika, a slika “Prikazanje” je prava zbirka orijentalne egzotike.
Jednorozi (1887-88)
Moreau je namjerno nastojao da svoje slike zasiti što je više moguće nevjerovatnim detaljima, to je bila njegova strategija koju je nazvao "nužnost luksuza". Moreau je radio na svojim slikama dugo, ponekad i po nekoliko godina, neprestano dodajući sve više i više novih detalja koji su se množili na platnu, poput odraza u ogledalima. Kada umjetnik više nije imao dovoljno mjesta na platnu, opšivio je dodatne trake. To se dogodilo, na primjer, sa slikom “Jupiter i Semele” i sa nedovršenom slikom “Jason i Argonauti”.
Diomeda proždiru njegovi konji (1865.)
Međutim, Moreauove veze s modernizmom mnogo su složenije i suptilnije nego što se činilo dekadentima koji su obožavali njegovo djelo. Moreauovi učenici na Školi likovnih umjetnosti, Matisse i Rouault, uvijek su o svom učitelju govorili s velikom toplinom i zahvalnošću, a njegovu radionicu često su nazivali „kolijevkom modernizma“. Za Redona, Moreauov modernizam leži u njegovom „slijeđenju vlastite prirode“. Upravo je tu kvalitetu, u kombinaciji sa sposobnošću samoizražavanja, Moreau pokušavao na sve moguće načine razviti kod svojih učenika. Naučio ih je ne samo tradicionalnim osnovama zanatstva i kopiranja remek-djela Louvrea, već i kreativnoj neovisnosti - a majstorske lekcije nisu bile uzaludne. Matisse i Rouault bili su među osnivačima fovizma, prvog utjecajnog umjetničkog pokreta 20. stoljeća zasnovanog na klasičnim idejama o boji i formi. Tako je Moreau, koji je izgledao kao okorjeli konzervativac, postao kum pokreta koji je otvorio nove horizonte u slikarstvu 20. stoljeća.
Posljednji romantičar 19. stoljeća, Gustave Moreau, nazvao je svoju umjetnost "strastvenom tišinom". U njegovim radovima, oštra shema boja skladno je kombinirana s izrazom mitoloških i biblijskih slika. "Nikada nisam tražio snove u stvarnosti ili stvarnost u snovima. Dao sam slobodu mašti", voleo je da ponavlja Moro, smatrajući fantaziju jednom od najvažnijih sila duše. Kritičari su ga vidjeli kao predstavnika simbolizma, iako je sam umjetnik više puta i odlučno odbacivao ovu oznaku. I koliko god se Moreau oslanjao na igru svoje mašte, uvijek je pažljivo i duboko promišljao boju i kompoziciju platna, sve karakteristike linija i oblika i nikada se nije bojao najsmjelijih eksperimenata.
Autoportret (1850)
Zbog umjetnosti Gustave Moreau dobrovoljno se izolovao od društva. Misterija kojom je okružio svoj život pretvorila se u legendu o samom umjetniku.
Moreau je rođen 6. aprila 1826. godine u Parizu. Njegov otac, Louis Moreau, bio je arhitekta čija je odgovornost bila održavanje gradskih javnih zgrada i spomenika. Smrt Moreauove jedine sestre, Camille, zbližila je porodicu. Umjetnikova majka, Polina, bila je svim srcem vezana za svog sina i, pošto je ostala udovica, nije se rastala od njega sve do svoje smrti 1884.
Roditelji su od ranog djetinjstva podsticali djetetovo interesovanje za crtanje i uvodili ga u klasičnu umjetnost. Gustav je mnogo čitao, volio je gledati albume s reprodukcijama remek-djela iz kolekcije Louvrea, a 1844. godine, nakon što je završio školu, dobio je diplomu - rijetko dostignuće za mlade buržuje. Zadovoljan uspjehom svog sina, Louis Moreau ga je rasporedio u radionicu neoklasičnog umjetnika François-Edouarda Picoa (1786-1868), gdje je mladi Moreau stekao potrebnu obuku za upis u Školu likovnih umjetnosti, gdje je uspješno položio ispite u 1846.
Sveti Đorđe i zmaj (1890.)
Griffin (1865)
Obuka je ovdje bila izuzetno konzervativna i uglavnom se sastojala od kopiranja gipsanih odljeva sa antičkih statua, crtanja muških aktova, proučavanja anatomije, perspektive i istorije slikarstva. U međuvremenu, Moreau je postao sve više fasciniran živopisnim slikama Delacroixa, a posebno njegovog sljedbenika Theodorea Chasseria. Pošto nije uspeo da osvoji prestižnu Prix de Rome (škola je slala pobednike ovog takmičenja o svom trošku na školovanje u Rim), Moro je napustio školu 1849. godine.
Mladi umjetnik je skrenuo pažnju na Salon, godišnju zvaničnu izložbu koju je svaki početnik nastojao posjetiti u nadi da će ga kritičari primijetiti. Slike koje je Moreau predstavio u Salonu 1850-ih, na primjer, "Pjesma nad pjesmama" (1853), otkrivale su snažan utjecaj Chasseria - izvedene na romantičan način, odlikovale su ih prodoran kolorit i mahnita erotizam.
Moreau nikada nije poricao da mnogo za svoj rad duguje Chasseriju, svom prijatelju koji je rano umro (u dobi od 37 godina). Šokiran njegovom smrću, Moreau mu je posvetio sliku “Mladost i smrt”.
Uticaj Teodora Šaserija evidentan je i na dva velika platna koja je Moro počeo da slika 1850-ih, Penelopinim proscima i Tezejevim kćerima. Dok je radio na ovim ogromnim slikama sa puno detalja, gotovo nikada nije napuštao studio. Međutim, ta velika potražnja za sobom kasnije je često bila razlog zašto je umjetnik ostavio svoje djelo nedovršeno.
U jesen 1857, pokušavajući da popuni prazninu u obrazovanju, Moro je otišao na dvogodišnje putovanje u Italiju. Umjetnik je bio fasciniran ovom zemljom i napravio je stotine kopija i skica remek-djela renesansnih majstora. U Rimu se zaljubio u Mikelanđelova djela, u Firenci u freske Andrea del Sarta i Fra Angelica, u Veneciji je bijesno kopirao Carpaccia, a u Napulju je proučavao čuvene freske iz Pompeja i Herculaneuma. U Rimu je mladić upoznao Edgara Degasa i zajedno su više puta napravili skice. Inspirisan kreativnom atmosferom, Moro je napisao prijatelju u Parizu: „Od sada, i zauvek, postaću pustinjak... Uveren sam da me ništa neće naterati da skrenem sa ovog puta.“
Pari (Sveti slon). 1881-82
Vrativši se kući u jesen 1859. Gustave Moreau počeo je da piše sa žarom, ali su ga čekale promjene. U to vrijeme upoznao je guvernantu koja je radila u kući nedaleko od njegove radionice. Mlada žena se zvala Aleksandrina Duret. Moreau se zaljubio i, uprkos činjenici da je kategorički odbio da se oženi, bio joj je vjeran više od 30 godina. Nakon Aleksandrinine smrti 1890. godine, umjetnik joj je posvetio jednu od svojih najboljih slika - "Orfej kod Euridikine grobnice".
Orfej na Euridikinoj grobnici (1890.)
Godine 1862. umro je umjetnikov otac, ne znajući kakav uspjeh čeka njegovog sina u narednim decenijama. Tokom 1860-ih, Moreau je naslikao niz slika (zanimljivo je da su sve bile vertikalnog formata) koje su bile veoma dobro prihvaćene u Salonu. Najviše lovorika pripalo je slici „Edip i Sfinga“, izloženoj 1864. godine (sliku je na aukciji kupio princ Napoleon za 8.000 franaka). Bilo je to vrijeme trijumfa realističke škole, na čelu s Courbetom, a kritičari su Moreaua proglasili jednim od spasitelja žanra istorijskog slikarstva.
Francusko-pruski rat, koji je izbio 1870. godine, i kasniji događaji oko Pariske komune imali su dubok uticaj na Moreaua. Nekoliko godina, sve do 1876., nije izlagao u Salonu i čak je odbio da učestvuje u uređenju Panteona. Kada se umjetnik konačno vratio u Salon, predstavio je dvije slike nastale na istu temu – teško uočljivu uljanu sliku, "Salome" i veliki akvarel "fenomen", što je naišlo na neodobravanje kritičara.
Ova Moreauova slika neobična je interpretacija biblijske scene u kojoj prelijepa Saloma pleše pred kraljem Herodom, koji je obećao da će joj ispuniti svaku želju za ovim plesom. Na poticaj majke Irodijade, Saloma je zatražila od kralja glavu Ivana Krstitelja. Tako je kraljica htjela da se osveti Jovanu Krstitelju, koji je osudio njen brak sa Irodom. U Morovom remek-djelu, glava Jovana Krstitelja predstavljena je kao vizija, koja se pojavljuje Salomi u oreolu nebeske svjetlosti. Neki kritičari smatraju da slika prikazuje trenutak koji prethodi odrubljivanju glave Jovana Krstitelja, pa tako Salome vidi posledice svog postupka. Drugi vjeruju da se scena koju je umjetnik prikazao odvija nakon pogubljenja sveca. Bilo kako bilo, na ovom mračnom, detaljnom platnu vidimo koliko je Salome šokirana jezivim duhom koji lebdi zrakom.
Johnove oči gledaju ravno u Salome, a gusti mlazovi krvi teku niz Pretečinu dugu kosu na pod. Njegova odsečena glava lebdi u vazduhu, okružena jarkim sjajem. Ovaj oreol se sastoji od radijalnih zraka - tako je naslikan sjaj u srednjem vijeku i renesansi - to su oštri zraci koji dodatno naglašavaju uznemirujuću atmosferu slike.
Salome pleše pred Herodom (1876.)
Međutim, poštovaoci Moreauovog rada doživljavali su njegova nova djela kao poziv na oslobađanje mašte. Postao je idol simbolističkih pisaca, uključujući Huysmansa, Lorraina i Péladana. Međutim, Moreau se nije slagao s činjenicom da je klasifikovan kao simbolista; u svakom slučaju, kada je Péladan 1892. zamolio Moreaua da napiše pohvalnu recenziju o salonu simbolista „Ruža i krst“, umjetnik je to odlučno odbio.
Sveti Sebastijan i anđeo (1876.)
U međuvremenu, Moroova nelaskava slava nije ga lišila privatnih kupaca, koji su nastavili kupovati njegova mala platna, obično slikana na mitološke i vjerske teme. U periodu od 1879. do 1883. stvorio je četiri puta više slika nego u prethodnih 18 godina (najprofitabilnija za njega bila je serija od 64 akvarela, nastala prema La Fontaineovim basnama za marsejskog bogataša Anthonyja Roya - za svaki akvarel Moro je dobio od 1000 do 1500 franaka). I umjetnikova karijera je krenula.
Godine 1888. izabran je za člana Akademije likovnih umjetnosti, a 1892. godine 66-godišnji Moreau postaje šef jedne od tri radionice Škole likovnih umjetnosti. Njegovi učenici bili su mladi umjetnici koji su postali poznati već u 20. vijeku - Georges Rouault, Henri Matisse, Albert Marquet.
1890-ih, Moreauovo zdravlje se jako pogoršalo i počeo je razmišljati o završetku karijere. Umjetnik je odlučio da se vrati nedovršenim radovima i pozvao je neke od svojih učenika da pomognu, uključujući i svog omiljenog Rouaulta. U isto vrijeme, Moreau je započeo svoje posljednje remek djelo, Jupiter i Semele.
Jedino čemu je umjetnik sada težio je da svoju kuću pretvori u memorijalni muzej. Žurio je, oduševljeno je označavao buduću lokaciju slika, slagao ih, kačio - ali, nažalost, nije imao vremena. Moreau je umro od raka 18. aprila 1898. i sahranjen je na groblju Montparnasse u istom grobu sa svojim roditeljima. Svoju vilu zaveštao je državi zajedno sa radionicom u kojoj se čuvalo oko 1.200 slika i akvarela, kao i više od 10.000 crteža.
Gustave Moreau je uvijek pisao šta je htio. Pronalazeći inspiraciju u fotografijama i časopisima, srednjovjekovnim tapiserijama, antičkim skulpturama i orijentalnoj umjetnosti, bio je u mogućnosti da stvori svoj vlastiti svijet mašte koji postoji izvan vremena.
Muze napuštaju svog oca Apolona (1868.) 
Posmatrano kroz sočivo istorije umjetnosti, Moreauov rad može izgledati anahrono i čudno. Umjetnikova strast prema mitološkim temama i njegov bizaran stil slikanja nisu se dobro uklapali u doba procvata realizma i pojave impresionizma. Međutim, tokom Moreauovog života, njegove slike su prepoznate kao hrabre i inovativne. Gledajući Moreauov akvarel "faeton" Na Svjetskoj izložbi 1878. umjetnik Odilon Redon, šokiran radom, napisao je: "Ovo djelo je sposobno uliti novo vino u mehove stare umjetnosti. Umjetnikovu viziju odlikuje svježina i novina... Istovremeno vrijeme, on slijedi sklonosti svoje vlastite prirode.”
Redon je, kao i mnogi kritičari tog vremena, vidio Moreauovu glavnu zaslugu u tome što je mogao dati novi smjer tradicionalnom slikarstvu, izgraditi most između prošlosti i budućnosti. Simbolistički pisac Huysmans, autor kultnog dekadentnog romana "Naprotiv" (1884), smatrao je Moreaua "jedinstvenim umjetnikom" koji nije imao "ni pravih prethodnika ni mogućih sljedbenika".
Nisu svi, naravno, mislili isto. Kritičari Salona često nazivaju Moreauov stil "ekscentričnim". Davne 1864. godine, kada je umjetnik prikazao „Edipa i Sfingu“ – prvu sliku koja je zaista privukla pažnju kritičara – jedan od njih je primijetio da ga ovo platno podsjeća na „mješavinu tema Mantegne koju je stvorio njemački student koji je odmarao dok je radio za čitanje Šopenhauera."
Odisej pobeđuje prosce (1852.)
Odisej pobjeđuje prosce (detalj)
Sam Moreau nije želio da prizna da je ili jedinstven, ili da nije u dodiru s vremenom, i, štaviše, neshvatljiv. Sebe je vidio kao umjetnika-mislioca, ali je istovremeno, što je posebno isticao, na prvo mjesto stavio boju, liniju i formu, a ne verbalne slike. Želeći da se zaštiti od neželjenih tumačenja, često je svoje slike pratio detaljnim komentarima i iskreno žalio što „do sada nije bilo nijedne osobe koja bi mogla ozbiljno da priča o mojoj slici“.
Herkul i Lernjska hidra (1876.)
Moreau je uvijek posebnu pažnju poklanjao radovima starih majstora, tim istim „starim mehovima” u koje je, prema Redonovoj definiciji, želio da ulije svoje „novo vino”. Moro je dugi niz godina proučavao remek-djela zapadnoevropskih umjetnika, a prvenstveno predstavnika talijanske renesanse, ali su ga herojski i monumentalni aspekti zanimali mnogo manje nego duhovna i mistična strana djela njegovih velikih prethodnika.
Moro je najdublje poštovao Leonarda da Vinčija, koji je u 19. veku. smatra pretečom evropskog romantizma. Moreauova kuća čuvala je reprodukcije svih Leonardovih slika predstavljenih u Louvreu, a umjetnik im se često obraćao, posebno kada je trebao prikazati stjenoviti pejzaž (kao, na primjer, na slikama "Orfej" i "Prometej") ili ženstvene muškarce. koji su ličili na one koje je stvorio Leonardo imidž Svetog Jovana. „Nikada ne bih naučio da se izražavam“, reći će Moreau, već zreo umetnik, „bez stalne meditacije pred djelima genija: Sikstinskom Madonom i nekim Leonardovim kreacijama“.
Tračanka sa Orfejevom glavom na njegovoj liri (1864.)
Moreauovo divljenje majstorima renesanse bilo je karakteristično za mnoge umjetnike 19. stoljeća. U to su vrijeme čak i klasični umjetnici poput Ingresa tražili nove teme, netipične za klasično slikarstvo, a brzi rast kolonijalnog francuskog carstva pobudio je interes gledatelja, posebno kreativnih ljudi, za sve egzotično.
Paun se žali Juno (1881.)
Arhiv muzeja Gustave Moreau otkriva nevjerovatnu širinu umjetnikovih interesovanja - od srednjovjekovnih tapiserija do antičkih vaza, od japanskih drvoreza do erotskih indijskih skulptura. Za razliku od Ingresa, koji se ograničio isključivo na povijesne izvore, Moreau je hrabro kombinirao na platnu slike preuzete iz različitih kultura i epoha. Njegovo "jednorozi", na primjer, kao da je posuđena iz galerije srednjovjekovnih slika, a slika “Prikazanje” je prava zbirka orijentalne egzotike.
Jednorozi (1887-88)
Moreau je namjerno nastojao da svoje slike zasiti što je više moguće nevjerovatnim detaljima, to je bila njegova strategija koju je nazvao "nužnost luksuza". Moreau je radio na svojim slikama dugo, ponekad i po nekoliko godina, neprestano dodajući sve više i više novih detalja koji su se množili na platnu, poput odraza u ogledalima. Kada umjetnik više nije imao dovoljno mjesta na platnu, opšivio je dodatne trake. To se dogodilo, na primjer, sa slikom “Jupiter i Semele” i sa nedovršenom slikom “Jason i Argonauti”.
Moreov odnos prema slikama podsećao je na odnos njegovog velikog savremenog Vagnera prema njegovim simfonijskim pesmama – obojici stvaralaca najteže je bilo da svoja dela dovedu do završnog akorda. Morov idol Leonardo da Vinci je također ostavio mnoga djela nedovršena. Slike predstavljene na izložbi Muzeja Gustave Moreau jasno pokazuju da umjetnik nije bio u stanju u potpunosti utjeloviti svoje zamišljene slike na platnu.
Tokom godina, Moreau je sve više vjerovao da je ostao posljednji čuvar tradicije i rijetko je govorio blagonaklono o savremenim umjetnicima, čak i onima s kojima je bio prijatelj. Moreau je smatrao da je slikarstvo impresionista površno, lišeno morala i da nije moglo a da ne odvede ove umjetnike u duhovnu smrt.
Diomeda proždiru njegovi konji (1865.) 
Međutim, Moreauove veze s modernizmom mnogo su složenije i suptilnije nego što se činilo dekadentima koji su obožavali njegovo djelo. Moreauovi učenici na Školi likovnih umjetnosti, Matisse i Rouault, uvijek su o svom učitelju govorili s velikom toplinom i zahvalnošću, a njegovu radionicu često su nazivali „kolijevkom modernizma“. Za Redona, Moreauov modernizam leži u njegovom „slijeđenju vlastite prirode“. Upravo je tu kvalitetu, u kombinaciji sa sposobnošću samoizražavanja, Moreau pokušavao na sve moguće načine razviti kod svojih učenika. Naučio ih je ne samo tradicionalnim osnovama zanatstva i kopiranja remek-djela Louvrea, već i kreativnoj neovisnosti - a majstorske lekcije nisu bile uzaludne. Matisse i Rouault bili su među osnivačima fovizma, prvog utjecajnog umjetničkog pokreta 20. stoljeća zasnovanog na klasičnim idejama o boji i formi. Tako je Moreau, koji je izgledao kao okorjeli konzervativac, postao kum pokreta koji je otvorio nove horizonte u slikarstvu 20. stoljeća.
Posljednji romantičar 19. stoljeća, Gustave Moreau, nazvao je svoju umjetnost "strastvenom tišinom". U njegovim radovima, oštra shema boja skladno je kombinirana s izrazom mitoloških i biblijskih slika. "Nikada nisam tražio snove u stvarnosti ili stvarnost u snovima. Dao sam slobodu mašti", voleo je da ponavlja Moro, smatrajući fantaziju jednom od najvažnijih sila duše. Kritičari su ga vidjeli kao predstavnika simbolizma, iako je sam umjetnik više puta i odlučno odbacivao ovu oznaku. I koliko god se Moreau oslanjao na igru svoje mašte, uvijek je pažljivo i duboko promišljao boju i kompoziciju platna, sve karakteristike linija i oblika i nikada se nije bojao najsmjelijih eksperimenata.
Autoportret (1850)
Svijet slikarstva prepun je zaista prekrasnih platna, gledajući na koja želite živjeti i uživati u svijetu oko sebe. Veliki umjetnici su znali mnogo o ljepoti i trudili se da je prenesu na sve dostupne načine. Utoliko je iznenađujuće naići na takve slike od kojih vam se ledi krv i od kojih poželite da neprestano uplašeno gledate okolo. Ne možete a da se ne zapitate šta se dešavalo u glavi kreatora kada je ovo stvarao mnogo meseci. Zašto je odlučio da u svom radu prenese ne trijumf života, već strahote smrti, rata i poroka. Postoji nekoliko slika koje kada jednom vidite, još neko vrijeme nećete moći da se riješite ledenog užasa.
Johann Heinrich Fussli "Noćna mora"
Verovatno je "Noćna mora" najtačniji naziv za ono što je prikazano na slici. Demonska figura na grudima žene koja spava veoma dobro prenosi osećaj kada se probudite usred noći iz strašnog sna i dugo ne možete da dođete sebi.
Hijeronim Boš "Bašta zemaljskih užitaka"
Sama slika je zastrašujuća, i činjenica da nas upozorava na strašno i nepoznato što se može dogoditi ako podlegnemo iskušenju grijeha. Bosch je bio veliki majstor da zastraši svog gledaoca, ali ovo remek djelo slikarstva ne samo da plaši, već direktno prijeti svima koji sumnjaju u postojanje pakla.
Gustav Moreau "Diomedes proždiran od njegovih konja"
Svi se sjećamo mitova i legendi antičke Grčke, tako da ova slika nije ništa drugo nego ilustracija jednog od 12 Herkulovih trudova. Konji koji proždiru svog gospodara su strašne i nekontrolirane životinje koje su Herkulu bile potrebne da izvrši svoj sljedeći podvig.
Rubens "Saturn proždire svog sina"
Ovo je još jedan prikaz popularne teme u grčkoj i rimskoj mitologiji. Saturn je, zbog proročanstva da će njegova djeca zbaciti njegovu moć, jednostavno progutao svakog od njegovih sinova nakon rođenja. Zanimljivo je da nije samo Rubens volio ovu radnju i prikazao je u jednom od svojih djela.
Artemisia Gentileschi "Judith odrubljuje glavu Holofernu"
Ova slika zapravo slavi herojstvo, a ne samopovređivanje. Hrabra udovica po imenu Judita ubija Holoferna, asirskog generala koji je prijetio da će uništiti njen rodni grad. Sudeći po prikazanoj radnji, Judith nije imala vještinu da odsiječe glave jer se njena žrtva probudila usred procesa.
Hans Memling "Pakao, lijevi panel triptiha "Zemaljske taštine"
Ova slika je samo dio velikog triptiha koji nas upozorava na grijehe i iskušenja. Ako ukratko iznesemo umjetnikovu glavnu ideju, možda bismo mogli reći „Sjeti se smrti“. Hoćete li zaboraviti na ovo nakon što vidite Memlingovu sliku?
Francis Bacon "Studija za portret nevinog X"
Iskreno rečeno, umjetnik je imao normalan odnos prema papi Inoćentiju. Samo što je u skici pokušao da testira boje i preispita čuvenu radnju Diega Velaskeza, koji je i tumačio ovu slavnu istorijsku ličnost. Međutim, Bacon, prema vlastitom mišljenju, nije uspio. Kasnije je pokušaje da se naslika portret pape nazvao glupim.
Tizian "Marsijina kazna"
Najstrašniji detalj na ovoj slici nije čak ni proces skidanja kože sa satira po imenu Marsija, kojeg je Apolon kaznio jer je izgubio svađu. Pogledajte ovog malog psa, koji liže krv koja teče iz nesretnog poraženog čoveka, koji je, inače, još uvek živ i svesno podnosi ove muke.
William Bouguereau "Dante i Vergilije u paklu"
I opet pred nama pakao, voljen umjetnicima svih vremena i naroda. Ovoga puta - osmi krug iz Danteove Božanstvene komedije. Pisac, zajedno sa drevnim rimskim pjesnikom Vergilijem u njegovoj pratnji, posmatra dvojicu kažnjenih grešnika.
Francisco Goya "Saturn proždire svog sina"
Evo još jedne slike Saturna kako jede svoju djecu. Napisan od strane poznatog ljubitelja mračnih tema, Goya, izgleda još strašnije i izaziva istinski životinjski horor. Svi poznati horor filmovi su ništa u poređenju sa Gojinim slikama, to je odavno poznato. Ali ovaj zaplet je nadmašio sve najgore strahove.
Salvator Rosa "Iskušenja svetog Antuna"
Ovo je jedna od mnogih slika koje su inspirisane legendom o svetom Antunu. Ovaj monah je otišao da živi u pustinji da bi bio bliže Bogu. Međutim, ni tamo nije mogao izbjeći svakakva iskušenja i mahinacije đavola. Salvator Rosa je to vidio na svoj način.
Francisco Goya "Ratne katastrofe"
Opet Goya, čije slike, naravno, treba dozirati, jer postoji opasnost da poludite. "Ratne katastrofe" samo je jedna od 82 ilustracije na ovu temu. Ako pogledate ovu noćnu moru, možete vidjeti da su to leševi kastriranih muškaraca, od kojih glava jednog visi na drvetu. Goja je pokušao da pokaže da je rat nešto najnehumanije što se čoveku može dogoditi.
Theodore Gericault "Odsječene glave"
Gericault je jednostavno volio crtati mrtve ljude. Čak je sarađivao s bolnicama i mrtvačnicama kako bi mogao proučavati procese koji se događaju ljudima nakon smrti. U svom ateljeu je posmatrao raspadanje raznih delova tela i sve to skicirao da bismo sada gledali i bili užasnuti.
Hans Rudi Giger "Necron IV"
Umjetnik Giger je dugi niz godina patio od noćnih mora, a njegovo slikarstvo je bio jedini način da se to nekako preispita i preživi. Scenarista Dan O'Brannon, nakon što je vidio Gigerove slike, bio je inspiriran za stvaranje filma "Alien" i čak je unajmio umjetnika da napravi skice.
Salvador Dali "Lice rata"
Još jedna varijacija na temu ratnih užasa, uz pomoć koje umjetnici pokušavaju uvjeriti čovječanstvo da nema ništa gore. I gledajući ovu sliku, shvatamo da je to zaista tako. Salvador Dali je naslikao ovu sliku nakon završetka Španskog građanskog rata.