POZORIŠTE je sintetička umjetnička forma koja nam omogućava ne samo da čujemo, ne samo da zamišljamo, već i da gledamo, da vidimo. Pozorište nam daje priliku da budemo svjedok psiholoških drama i učesnik istorijskih djela i događaja. Pozorište, pozorišna predstava nastaje trudom mnogih umjetnika, počevši od reditelja i glumca do dizajnera produkcije, jer je predstava „spoj različitih umjetnosti od kojih se svaka u ovom planu transformiše i dobija novi kvalitet. ...”
Pozorišni kostim je sastavni dio scenske slike glumca, to su vanjski znaci i karakteristike lika koji se portretira, koji pomažu glumčevu reinkarnaciju; sredstva umetničkog uticaja na gledaoca. Za glumca je odelo materija, forma inspirisana značenjem uloge.
Kao što glumac rečju i gestom, pokretom i tembrom svog glasa stvara novu suštinu scenske slike, polazeći od onoga što je dato u predstavi, tako i umetnik, vođen istim podacima iz predstave, sliku otelotvoruje sredstva njegove umetnosti.
Kroz višestoljetnu povijest pozorišne umjetnosti, dizajn scenografije je dosljedno prolazio kroz evolucijsku transformaciju, uzrokovanu ne samo usavršavanjem scenske tehnologije, već i svim promjenama stilova i mode odgovarajućih vremena. To je zavisilo od prirode literarne strukture komada, od žanra dramaturgije, od društvenog sastava publike i od nivoa scenske tehnike.
Razdoblja stabilnih arhitektonskih struktura antike ustupila su mjesto primitivnim fazama srednjeg vijeka, koje su zauzvrat ustupile mjesto kraljevskim dvorskim pozorištima sa samodovoljnim luksuzom predstava. Bilo je nastupa u platnu, u složenoj konstruktivnoj scenografiji, samo u dizajnu rasvjete, bez ukrasa - na goloj pozornici, na platformi, samo na pločniku.
Uloga kostima kao "pokretne" scene oduvijek je bila dominantna. Promenio se pogled na njegov „odnos“ sa glumcem, vremenom i istorijom, i konačno, sa njegovim neposrednim „partnerom“ – umetničkim oblikovanjem scene.
U procesu progresivnog razvoja umjetnosti modernog teatra, inovacija režije, transformacije metoda umjetničkog oblikovanja, uloga umjetnosti kostima ne jenjava – naprotiv. Sa porastom svojih mlađih i fleksibilnijih parnjaka – kina i televizije – pozorište, nesumnjivo, u potrazi i mučenju poprima nove oblike spektakularnih tehnika, upravo onih koje bi branile i definisale poziciju pozorišta kao trajne vrednosti nezavisnog umjetnička forma. Kostim, kao najmobilniji element pozorišne scenografije, zauzima prvo mjesto u ovoj potrazi.
Visoka moderna kultura pozorišne umjetnosti, suptilan i dubok rediteljski rad na predstavi i predstavi, talentovana glumačka gluma zahtijevaju od umjetnika koji osmišljava predstavu posebno temeljit prodor u dramaturgiju predstave, blizak kontakt sa pravac. Moderni dizajn nije kanoniziran pravilima. To je individualno i konkretno u svakom konkretnom slučaju. „Posao režisera je neodvojiv od rada umetnika. Prvo, režiser mora pronaći vlastite odgovore na osnovne probleme scenografije. Umjetnik, zauzvrat, mora osjećati zadatke postavljanja i uporno tražiti izražajna sredstva..."
Pozorišni kostim se prvo stvara vizuelnim sredstvima, odnosno skicom.
Kazališni kostim igra važnu ulogu u oblikovanju pozitivne slike pozorišta među ciljnom publikom.
Kazališni kostim je širok pojam i uključuje sve što umjetno mijenja izgled osobe, držeći se za njegovo tijelo - to je cijeli kompleks stvari: frizura, šminka, cipele, pokrivala za glavu i sama haljina. Semantičko značenje nošnje kao tjelesne maske potvrđuje i leksičko značenje riječi kostim: „riječ je posuđena iz italijanskog „kostum“, što znači „običaj“, „običaj“, „navika“, i u množini - "mores" Kokuashvili N.B. Odjeća kao fenomen kulture // Znakovi svakodnevnog života. - Rostov-on-D., 2001. - P. 38-44..
Pozorišni kostim uvijek odražava eru u kojoj se predstava odvija. Za kreiranje kazališnog kostima, dekorateri koriste različite izvore informacija: freske, skulpture, slike, pisane izvore.
Pozorišni kostim je jedini sistem koji može umjetno promijeniti izgled osobe, naglasiti ili uništiti harmonično jedinstvo tijela ili pojedinih njegovih dijelova i stvoriti umjetničku sliku. Pretpostavimo takvu realnu situaciju: kada vidimo djevojku u haljini koja njenoj figuri daje oblik blizak idealnom, možemo uzviknuti "Kakva lijepa djevojka!", što će značiti da je ovaj kostim ispunio svoju "estetsku funkciju". , učinio je osobu lijepom. Brojni nefunkcionalni detalji, na primjer šara, šara tkanine, njena boja, tekstura, čipka, volani, ukrasna dugmad, vez, aplikacije, lažno cvijeće i sl., na prvi su pogled samo ukrasni elementi detalja nošnje. , međutim, nakon pažljive analize, ispostavilo se da pomažu u oblikovanju slike, a figurativno savršenstvo jedan je od moćnih izvora ljepote. U ovom slučaju, jedan estetski aspekt kazališnog kostima neprimjetno prelazi u drugi, što se može nazvati umjetničkom funkcijom kostima, dizajniranom za stvaranje individualne slike, stila.
Bez sastavljanja tipologije pozorišnog kostima nemoguće je proučiti njegovu ulogu u oblikovanju imidža pozorišta. Raznolikost pozorišnog kostima može se uporediti sa raznolikošću životnih situacija ili ljudskih likova koji se kroz ovaj kostim oličavaju na sceni. Glavni način da se shvati njegova suština je tipologija, podjela na klase, grupe, vrste itd. u raznim ravnima.
Ne postoje završene studije na ovu temu. Iako je vrijedno napomenuti da ga svaki autor koji počinje proučavati kazališnu nošnju i kostim općenito svrstava prema nekom kriteriju. Velik dio literature o nošnji su istorijska i etnografska istraživanja, pa je nošnja podijeljena po geografskim ili vremenskim osnovama. U literaturi posvećenoj pitanjima izgleda elemenata odjeće, njihovom razvoju, metodama formiranja slike, odijelo se obično dijeli u odnosu na tijelo, konstrukciju i funkcije.
Svaka vrsta klasifikacije otvara nova područja za istraživanje, otkriva neočekivane probleme i nove aspekte nošnje.
Već smo rekli da pod kazališnim kostimom treba shvatiti sve ono što umjetno mijenja izgled osobe, držeći se za njegovo tijelo, to uključuje odjeću, pokrivala za glavu, cipele, frizuru, nakit, dodatke, šminku. Definicija već sadrži prvu i glavnu klasifikaciju - navedeni su podsistemi odijela.
Glavne ravni tipologije:
1. Antropološki
a) u odnosu na tijelo
Osnova klasifikacije je stepen blizine telu, a kao rezultat, stepen uticaja na telo.
Nabrajamo ih od najbližeg do najudaljenijeg: bojenje tijela (tetovaža, šminka, šminka), odjeća, obuća, kape, nakit, dodaci (takođe imaju drugačiji učinak: na primjer, naočale su bliže od torbice).
Mnogi sistemi, kao što je odjeća, također imaju razlike unutar sebe (donje rublje i gornja odjeća).
Ovaj razlog se mora uzeti u obzir prilikom kreiranja i konzumiranja pozorišnog kostima, jer ljudsko tijelo može prihvatiti samo određene materijale, teksture, supstance. Cijela povijest proizvodnje kostima razvija se u pravcu stvaranja najudobnijih i najsigurnijih materijala i supstanci za zdravlje (šminka, šminka).
b) u odnosu na dijelove tijela (vrste odjeće, kape, cipele itd.)
Ovu klasifikaciju smo već upoznali u definiciji i stoga se može nazvati odlučujućom u sistematskom pristupu proučavanju nošnje. Izgradimo potpunu hijerarhiju sistema i podsistema pozorišnog kostima.
Cloth. Prema načinu pričvršćivanja na tijelu odjeća se dijeli na struk (suknje, pantalone, šorc, gaće i dr.) i na ramena (košulje, haljine, sarafani, kabanice, kaputi, bunde, jakne, majice, džemperi itd.) Konfiguracija i plastičnost tijela diktiraju razlike u elementima nošnje. Odjeća se postavlja na tri dijela tijela - torzo, ruke i noge.
Sva odjeća je također podijeljena u tri sloja: donje rublje, donje rublje i gornju odjeću.
Posteljina. Proizvođači dijele donje rublje na tri vrste: svakodnevno (praktično, od gustih prirodnih ili mješovitih materijala, glatko), svečano (pametno, sa svim vrstama ukrasa, u skladu sa odjećom za posebne prilike) intimno rublje (otvoreno, prozirno, sa svim vrstama tkanina). ukrasi, detalji iznad glave (nabori, mašne, čipka, perle), često s naznakom šale.
U XII veku pojavila se elegantna intimna kućna odeća (obično za jutarnje toalete): negliže, polonez, negliže, šmiz, koji i danas postoje. U Evropi u 19. veku, zahvaljujući putovanju u tropske krajeve, pidžama je postala poznata.
Donje rublje. Ovo je najbrojniji dio odjeće, teško je i nepraktično navesti sve njegove vrste, cijeli ovaj niz nalazi se između donjeg rublja i gornje odjeće. Ipak, treba obratiti pažnju na sljedeću karakteristiku, koja ovisi o klimi. U vrućim zemljama, donje rublje i donje rublje se često kombinuju kako bi formirali prilično otkrivajuću odjeću koja se nosi svaki dan kako bi se minimizirali materijali prisutni na tijelu. Dok je odjeća sjevernjaka višeslojna, što povećava broj vrsta odjeće.
Odjeljak sakoa: blejzer, džemper, sako, prsluk, sako, džemper, smoking, frak, odijelo ("dvojka", "trojka", sa suknjom ili pantalonama), košulja (bluza).
Obuća: pantalone, šorc, čarape, čarape, hulahopke.
Odvojeno izdvajamo haljinu (sarafan) i suknju.
Vanjska odjeća. Raznolikost vrsta vanjske odjeće nije tako velika, podjela se temelji prije svega na godišnjim dobima i, naravno, na dizajnu i materijalu. Navodimo glavne vrste vanjske odjeće: ovčiji kaput, bunda, kaput, jakna, kaput, kabanica.
Istoričari kostima razlikuju oko sedamnaest vrsta kaputa.
Posebnu pažnju treba obratiti i na pojedine elemente odjeće, koji po pravilu imaju posebnu simboličku snagu - kragne, manžete, kravate (šalovi, šalovi), čarape (čarape), kaiševi (pojasevi), rukavice (rukavice). Ovi manji detalji mogu u potpunosti promijeniti informacijsko opterećenje odijela u cjelini.
Cipele se dijele na: šivene, krojene i pričvršćene za nogu raznim zavojima, pletene.
Po dizajnu, cipele se dijele na sandale i klompe, cipele, čizme i čizme.
Šeširi. Pokrivalo se oduvijek povezivalo s glavom, tako da ima snažno simboličko značenje. U umjetničkim djelima, pokrivalo za glavu moglo bi poslužiti kao zamjena za glavu.
Čitav niz nakita prema namjeni dijeli se na: odjeću (broševi, manžete, kopče, kopče, igle), donje rublje (naušnice, ogrlice, lančići, privjesci, prstenje, narukvice) i nakit za kosu (ukosnice, tijare itd. ).
Prema načinu vezivanja, svijet nakita se sastoji od sljedećih podsistema: vrat (lančići, privjesci, ogrlice, ogrlice, trake, privjesci, perle, medaljoni); uho (naušnice, kopče, klinovi); narukvice (na rukama i nogama); prst (prstenje, prstenje); ukrasi za kosu (ukosnice, prekrivači, vijenci, tijare, temporalne prstenje, trake itd.).
Frizura - ukras glave, na mnogo načina simbolizira strukturu njenog unutrašnjeg sadržaja, svjetonazor svake osobe i doba u cjelini.
Kosa na glavi, pošto prekriva gornji dio ljudskog tijela, simbolizira duhovne sile, više sile, utjelovljuje duhovno stanje osobe. Dlake na tijelu su povezane s utjecajem iracionalnih, nižih sila, bioloških instinkta. Kosa takođe znači plodnost. U hinduističkom simbolizmu, oni znače "linije sile" Univerzuma. Gusta kosa je oličenje vitalnog impulsa, povezanog sa željom za uspjehom. Boja kose je važna. Tamna kosa ima tamnu, zemaljsku simboliku, dok svijetla (zlatna) kosa asocira na sunčeve zrake, čistoću i dobrotu, a svi pozitivni mitološki i bajkoviti junaci imali su plavu kosu (Snjeguljica, Snjegurica, Zlatokosa). Bakarnocrvena kosa ukazuje na demonski karakter i povezana je sa Venerom. Vekovima je postojala ideja da veštica treba da bude crvena i da takvi ljudi uvek imaju sreće. Mnogi vještičarski rituali povezani su s kosom, kao duhovnom energijom osobe. Kada izgubimo kosu, gubimo snagu kao biblijski Samson. Druga strana gubitka kose je voljno žrtvovanje. Svi koji odbacuju zemaljski život, da bi krenuli na put apsolutnog podvižništva, dužni su da se ošišaju (monaški postrig). Ljudi već dugo vremena posvećuju veliku pažnju frizurama. Prema Didrou, frizura čini ženu privlačnijom, a muškarac naglašava njegove karakterne osobine.
Šminka. Kroz šminku, glumac može promijeniti svoje lice, dati mu tako ekspresivan oblik koji će glumcu pomoći da najpotpunije i sveobuhvatnije otkrije suštinu slike i prenese je gledatelju u najvizuelnijem obliku. Ali šminka nije bitna samo kao vanjski crtež karaktera lika kojeg glumi portretira. Čak iu kreativnom procesu rada na ulozi, šminka je određeni poticaj i poticaj glumcu da dodatno otkrije sliku.
Prvobitni oblici pozorišne šminke nastali su na osnovu magijskog oslikavanja tijela i ritualne maske, direktno vezanih za magijske i animističko-religijske ideje primitivnog čovjeka.
2. Demografski
Očigledna je podjela na muške i ženske elemente nošnje, boje, teksture, materijale.
Muške - suzdržane nijanse, u pravilu, tamne, s prevladavanjem crne, često se nalaze strogi kontrasti, teksture su tvrde, tkanine su guste, teške, neprozirne, uzorci i teksture su geometrijski, tehnički.
Ženske - pastelne nijanse, cijela roze paleta, lagane, mekane teksture, lako se drapiraju, prozirne, sa šljokicama, vezovima, gipurom, cvjetnim, biljnim motivima, točkicama i mekim linijama u teksturama i šarama, biserima i sedefom - materijal za pribor i nakit.
Kazališni kostim se može razlikovati po spolu ili u manjim detaljima (na primjer: strana kopče), ili općenito u cijeloj formi. Dakle, u 17. veku muškarci su naširoko koristili šik čipku, ali sada je to prerogativ dama, jedan od simbola ženstvenosti. Znakovi ženstvenosti i muškosti, naravno, mijenjali su se među različitim narodima iu različitim epohama, ali su uvijek bili prisutni. Izuzetak je, možda, kraj 20. veka, sa svojom uniseks idejom.
Već duže vrijeme postoje razlike između dječjih i odraslih kostima. Unutar ovih grupa postoje gradacije: mala djeca, adolescenti, omladina, ljudi zrele dobi, stari, stari. Kostim sadrži posebne detalje za stariju generaciju i posebne detalje za mlađe. Evo nekoliko primjera: mašna ili naprtnjača su za nas uvijek simbol djetinjstva, šal vezan oko ženske glave obično se vezuje za starost, samo mladi mogu nositi kostim sa očiglednim znakovima erotike. Takvi stereotipni simboli su čvrsto ukorijenjeni u kulturi.
Kao iu slučaju spola, prihvaćena je podjela na dječje i odrasle crteže, boje, teksture i materijale.
Koncept dečije nošnje kao samostalne grupe nastao je tek u drugoj polovini 18. veka u Engleskoj. Do tada je dječja odjeća bila samo manja kopija odrasle. Ovo razdvajanje je uglavnom zbog dramatične komplikacije kostima, zbog čega je bio previše neudoban za djecu.
Glavne ekološke ravni pozorišnog kostima.
1. Istorijski (vremenski) - ere, vekovi, periodi, godine...
Ova klasifikacija, primijenjena na nošnju, najčešća je u istorijskoj nauci. Ovim pristupom proučava se istorija stvari i pojava sa stanovišta njihove pripadnosti određenom vremenu. Najopćepoznatije glavne gradacije su: primitivnost, antika, srednji vijek, renesansa, 17., 18., 19. i 20. vijek. Razvoj nošnje u ovom slučaju se smatra linearnim procesom, fokus je na znakovima koji razlikuju jedno doba od drugog. Pažnja istraživača je usmjerena na stilske karakteristike nošnje zajedničke svim arhitektonskim umjetnostima svakog perioda.
Unutar svake ere uobičajeno je izdvajati manje periode, njihova imena su poznata.
2. Prirodno.
Prostorno-geografski. Ovdje je najupečatljivija podjela na dva pola - istok-zapad. Naravno, razlike prevazilaze geografiju. Problemu "Istok-Zapad" posvećeno je mnogo radova, a svi problemi o kojima se u njima govori na ovaj ili onaj način odražavaju se u nošnji. Dalja podjela se odvija po jednostavnom obrascu: kontinenti, zemlje, regije, gradovi, sela, gradski blokovi.
Klimatski. Zbog činjenice da je jedna od prvih funkcija odijela bila zaštita tijela od prirodnih utjecaja, odijelo se, prije svega, počelo razlikovati po prilagodljivosti različitim klimatskim i prirodnim uvjetima.
Naravno, u stvarnosti, avioni se ukrštaju, formirajući širok spektar prirodnih uslova koji zahtijevaju posebno odijelo. Zimska noć u južnoj šumi i letnji dan u severnim planinama, severno i južno sunce, kiša i vetar u stepi i u šumi itd. u velikoj mjeri određuju raznolikost nošnji naroda koji naseljavaju našu planetu.
Razvojem ljudske delatnosti i industrije stalno se pojavljuju nova odela, posebno prilagođena za boravak u ekstremnim prirodnim uslovima, koja omogućavaju ljudima da se probiju u najnepristupačnije kutke Zemlje i neistražene sredine. Čovječanstvo je razvilo opremu za osvajanje planinskih vrhova, morskih dubina, neprohodnih prašuma, pustinja i polova.
3. Etnografski - etničke grupe, narodi, plemena (obredi, običaji). Ovo je jedna od najčešćih klasifikacija pozorišnog kostima. Najveći dio cjelokupne literature o nošnji su etnografski radovi koji sadrže detaljne opise nošnji različitih etničkih zajednica i običaja i obreda povezanih s njima. Prema takvim studijama, dobro je proučavati takav fenomen kao što je nacionalna nošnja.
4. Odvojene ceremonije pojedinih etničkih zajednica.
Mnoga djela posvećena pozorišnoj nošnji određenog doba zasnivaju se na podjeli na klase. Odjeća različitih klasa u početku je određena njihovim inherentnim načinom života, njen fiksni oblik djeluje kao znak koji ukazuje na jedan ili drugi sloj društva. Vođa se isticao među svojim suplemenicima, bio je poštovan kao posebna osoba. Kroj i detalji nošnje govore o statusu u društvu, plemenskim tradicijama itd. I u modernom svijetu ova funkcija odijela postoji (na primjer, u poslovnom odijelu - što je traka tanja, veći je status njegovog vlasnika). Greške su ovdje uvijek bile vrlo nepoželjne i mogle bi uvrijediti. Ljudi su bili vrlo osjetljivi na svoj položaj u društvu i uvijek su ga pokušavali nekako naglasiti u odijelu. Često različite klase imaju različite etičke, estetske, itd. normi, što se ogleda iu nošnji. U klasnom društvu jednostavno su neophodni vanjski znakovi koji utvrđuju prirodu odnosa i komunikacije.
Tokom tranzicije sa egzistencijalne ekonomije na tržišnu ekonomiju, sa svojom podjelom rada i robnom razmjenom, svaki posao je imao svoje profesionalce, a kao rezultat toga, istu vrstu odijela. Njegov oblik je u velikoj mjeri ovisio o specifičnostima djelatnosti i sadržavao je elemente koji su ljude iste profesije ujedinjavali u svojevrsnu korporaciju, naglašavajući na taj način zajedništvo zanimanja koje je ostavilo pečat na njihov karakter, svjetonazor i odnos prema drugima. Grupe ljudi čak karakterišemo imenovanjem znakova ili elemenata njihove odeće, na primer: "ljudi u belim mantilima", "ljudi u uniformi", "bele kragne" i svi odmah razumeju o kome je reč.
Sljedeća zanimanja imaju najjače definirane i lako prepoznatljive kostime: vojni, medicinski radnici, zaposleni u transportnim preduzećima, ugostiteljstvu itd.
Ispovest. Ova tipologija uključuje proučavanje nošnje predstavnika različitih religija, kao i njihovih ogranaka i jeretičkih pokreta. Svaka religija utvrđuje i uslovljava određene oblike nošnje, poseban kroj, siluetu, boje, dodatke i detalje.
U zavisnosti od stepena uticaja religije na život društva u datom periodu, ove karakteristike na ovaj ili onaj način utiču na sve oblike i vrste nošnje.
5. Estetika - stilska hijerarhija, modna promena itd.
Prilično opsežan sloj literature posvećen pozorišnom kostimu temelji se upravo na ovoj klasifikaciji. Povijest kazališnog kostima, po pravilu, izgrađena je na razmatranju različitih stilova nošnje i mode koji su se međusobno mijenjali kroz postojanje čovječanstva. Istraživači modernosti također aktivno koriste ovu hijerarhiju u svom radu, s obzirom na paletu stilova koji su prisutni u našem vremenu i koji su u osnovi znanosti o imidžu. S tim u vezi, treba napomenuti da se proučavanje stila nošnje temelji na dva pravca: povijesnim stilovima i modernim. Pojam „modernog“ obuhvata ne samo stilove koji su nastali u poslednjim decenijama ovog veka, već svu raznolikost stilova nošnje kojima raspolažu naši savremenici, kao i sam odnos prema stilu kao oruđu. To je zbog činjenice da se u sadašnjoj fazi ljudskog razvoja stil sadašnje ere može definirati kao polivarijansa, tj. ne može se jednoznačno definisati, zavisi od mnogo razloga i lako se menja u zavisnosti od situacije, raspoloženja itd. Stoga ćemo navesti glavne povijesne stilove koji su se formirali u određenom razdoblju, a zatim i glavne stilove u kojima se moderna osoba može izraziti. Naravno, mnogi moderni stilovi su zasnovani na određenim istorijskim stilovima.
Navodimo glavne istorijske stilove:
Antique. Telo je viđeno kao ogledalo, koje je trebalo da odražava savršenstvo sveta. Kostim je poštovao zakone logike i harmonije. Antički stil je slika "grčke kolone", koja teži ka visinama do svjetla i savršenstva. Korištenje tkanina određene širine u skladu sa veličinom tkalačkog stana, odjeća nije krojena, već skupljena u vertikalne nabore, odjevni predmet je dizajniran u skladu sa strukturom ljudske figure, cipele su gotovo na jednom đonu.
romanski. Nosio naslijeđe antike, ali sa određenim ekscesima. Jednostavna, nevezana haljina (sašivena iz dva dijela) bila je ukrašena širokim rubom.
Gotika. U to vrijeme pojavio se kroj, koji je postao neobično složen i virtuozan. Odjeća je krojena po mjeri. Kostim tog doba sličan je gotičkoj arhitekturi. Prevladavanje vertikalnih linija i šiljastih detalja.
Renesansa. Želja za harmonijom, izražena u simetriji i nedostatku ukrasa. U svemu - samo prirodne proporcije. Savremenici su pokušali stvoriti bogat i elegantan kostim koji bi mogao naglasiti dostojanstvo osobe. Po prvi put, ženska haljina je podijeljena na dugu suknju i torbu. Odjeća se odlikuje upotrebom skupih tkanina, složenim ukrasima, neobičnim dizajnom rukava, kombinacijom dvije boje i materijala.
Barok. Pojava novih materijala, najpopularniji su somot i metal. Potraga za luksuzom i ekscentričnosti. Formalnost, krutost teške odjeće.
Rokoko. Haljine postaju gracioznije, ogromne odjeće su svedene na ljudske veličine. Obilje nabora i spojeva uz korištenje satena, najbogatije donje rublje. Prevladavanje pastelnih boja u odjevnim kombinacijama i obilje dodataka.
Imperija. Prati tragove drevne mode (ovo se odnosilo samo na žensku nošnju). Karakteristične karakteristike: jednostavnost linija, vertikalni nabori, pomak linije struka ispod grudi, naduvani rukavi, duboki izrez. U muškoj garderobi pojavljuje se tamni frak koji se nosio uz kravatu, prsluk s uzorkom i cilindar.
Dandy. Početkom 19. vijeka nastao je tip skromno, ali savršeno odjevenog džentlmena - dandy. Glavna karakteristika je vanjska jednostavnost kostima, u kombinaciji s njegovom visokom cijenom i savršenim krojem. Povećana uloga kravate, koja postaje jedini upečatljiv ukras na snježno bijeloj košulji.
Romantizam. Ovaj stil se najjasnije očituje u ženskom odijelu, čije su karakteristične karakteristike uklopljeni steznik, široki rukavi, mnoštvo volana, volana i mašnica, svijetlih nijansi, što stvara osjećaj prozračnosti i nježnosti.
Moderna. Ego karakteriše odbacivanje svih starih normi u nošnji. Art Nouveau se odlikuje siluetom u obliku slova S ženskog odijela, labavim prozirnim haljinama, dekorativnošću i ekstravagancijom u kombinaciji sa fantastičnim izgledom.
Danas se neki stilovi razvijaju u odijelu, drugi se rađaju i umiru, jednostavno je nemoguće sve opisati. Ali ipak se može razlikovati nekoliko njih, koje imaju karakteristične osobine i stalno postoje u modernom kostimu. Razmotrimo svaki od njih i usput objasnimo koje psihološke karakteristike možemo dobiti odijelom određenog stila.
Poslovni stil. Često se uklapa u definiciju "klasika", a nosi i mnoge elemente sportskog stila. Glavne karakteristike su poslovni, čvrst, ozbiljan, samopouzdan, pristojan, uliva samopouzdanje, strogo elegantan, udoban. Ovaj stil se odlikuje strogim siluetama, uglavnom tamnim ili svijetlim suzdržanim, prigušenim bojama, jednostavnim materijalima (dozvoljene su samo nekontrastne kocke i pruge). Glavnu ulogu ima poslovno odijelo u kombinaciji sa vješto odabranom košuljom (bluzom), često bijelom. Stručne radnike s razlogom nazivaju "bijelim okovratnicima". Posebna pažnja se poklanja kvalitetu materijala i izrade. Ozbiljnost linija i prigušena plavo-sivo-braon gama prisutna je u svim dodacima i ostalim sistemima kostima (frizura, šminka). Oličava i naglašava racionalnost, logiku, volju, svrhovitost, suzdržanost.
Stil za svaki dan - za posao, poslovne posjete, službena putovanja.
Romantično. Može se nazvati potpunom suprotnošću poslovnom stilu, jer je personifikacija emotivnosti, osjetljivosti, sanjivosti, nježnosti, sentimentalnosti. Naravno, najčešći je kod žena. Možemo reći da je on personifikacija ženstvenosti, naglašavajući sve prednosti ženske figure. Linije siluete su meke, glatke, obilje draperija, razne karakteristične završne obrade ( volani, mašne, volani, volani, čipke, kalupi, volani, vez. Boje su nježne, nježne, sve nijanse roze i plave Uzorci i teksture - cvjetni, povrtni, grašak, nježna fantazija. Dodatna oprema, frizura i šminka su prefinjeni, prefinjeni, graciozni.
Stil za izlaske, slobodno vrijeme, večer, kafić, pozorište, itd.
Sport. Različiti sportovi dali su svijetu različite vrste kostima - kratke hlače, majice, bejzbol kape, helanke. Još jedan izvor sportskog stila bila je odjeća za vojne operacije (tople udobne jakne, kombinezoni, kacige, metalni okovi, našiveni džepovi, raglan rukavi). Siluete ovog stila su ravne, trapezoidne, rjeđe polususjedne i uklopljene.
Bogata paleta boja, česti kontrasti u boji i teksturi, obilje dodataka, pruga, amblema, prošivenih detalja. Glavne karakteristike stila: praktičnost, funkcionalnost, labavost, dinamičnost.
Vrste stilova - "safari", farmerke, marine.
Stil za putovanja, rekreaciju van grada, kod kuće, za aktivne, dinamične ljude koji cijene praktičnost i udobnost u odijelu.
Folklor. Formirana na bazi narodne nošnje. Glavne psihološke karakteristike su jasna povezanost sa određenim narodom, tradicionalizam, narodna mudrost, spokoj, povezanost s vječnim vrijednostima. Siluete su, po pravilu, jednostavne, sa izražajnim detaljima narodnih nošnji. Prirodni materijali i boje, najčešći uzorak je geometrijski, koji se dobro uklapa sa strukturom tkanine. Korištenje završnih obrada kao što su vez, šavovi, čipke, tkanje, aplikacije, patchwork tehnika, rese, perle, metalni detalji.
Stil je primenljiv za rekreaciju, pozorišne i koncertne događaje, uz prijateljsku komunikaciju sa strancima.
"Država". Po mnogo čemu je blizak folklornom stilu, iako ne izražava jasno znakove jedne ili druge narodne nošnje. Ovaj stil je više fantazija, varijacija na temu seoskog života, u kojoj se ponekad naslućuju karakteristike mnogih narodnih nošnji. Po psihološkom uticaju, ovaj stil je sličan pastoralnom, zrači lakoćom, prijatnom opuštenošću, bezbrižnošću, sanjivosti, nevinošću, romantičnom idejom života i prirode. Boje, crteži i materijali su prirodni: platno, slama, kambrik, cvijeće, pastelne boje, veseli cvjetni crteži, svijetle kare, uglavnom sivo-braon boje.
6. Proizvodnja.
Prije svega, treba razlikovati umjetne i prirodne materijale koji imaju različite metode obrade i potrošačke kvalitete.
U većini slučajeva, materijal radikalno utječe na cjelokupni smjer i prirodu oblikovanja. Ovdje su u osnovi fizičke osobine materijala koje predodređuju strukturno-prostorno i plastično rješenje stvari. Raznolikost oblika se dramatično povećava kada se kombinuju različiti materijali.
Po tehnologiji.
Obrada materijala također predodređuje formu. Tehnologije koje se stalno poboljšavaju omogućavaju nam da činimo izuzetna čuda u sadašnjoj fazi. Ali bilo je trenutaka kada su dizajn i dimenzije odijela određivani širinom tkalačkog stana. U historiji čovječanstva u istraživačke svrhe mogu se izdvojiti tri glavna perioda: ručne, mašinske i informatičke metode proizvodnje.
Uz date materijale i tehnologije, položaj materijala u prostoru (konstrukcija) također predodređuje raznolikost oblika.
Gore navedene klasifikacije se ukrštaju, formirajući složenu mrežu. Ali oni ne otkrivaju suštinu objekata – duboke principe njihovog stvaranja, funkcioniranja i vrednovanja.
Svaka vrsta izrade kostima podrazumeva svoje ciljeve, svoje shvatanje savršenstva i lepote stvari, oslanja se na svoju meru i sistem principa. Ako na polu praktične korisnosti u potpunosti dominira racionalni proračun i oslanjanje na objektivne zakone prirode, onda na suprotnom, umjetničkom polu, dominira iracionalni princip - intuicija, subjektivne asocijacije, podsvijest, uvjetne predstave itd.
Svaki od ovih početaka može igrati različitu ulogu, od dominacije do potpunog pokoravanja. Ovisno o položaju kostimskih formi na ovoj osi, razlikuje se šest glavnih tipova predmetnog stvaralaštva, a shodno tome i šest tipova oblikovanja kostima.
1. Racionalno-utilitaristički. Ovdje je maksimalno utjelovljena praktična funkcija odijela kao korisne stvari. Ovim pristupom se teži jednom cilju - pružanju zaštite od vanjskih utjecaja, jednostavnosti korištenja. Ovdje ubrajamo čamce, šlemove, vojničku uniformu itd.
2. Racionalno-estetski. Ovdje, uz prethodnu funkciju, postoji raspoloženje za ljepotu stvari, shvaćeno kao posljedica njenog svestranog praktičnog savršenstva. Ovdje možemo uključiti radnu odjeću, mnoge vrste casual odjeće itd.
3. Holistički. Ova vrsta kreativnosti usmjerena je na stvaranje forme koja skladno kombinira krajnosti, dajući stvarima umjetnički i praktični integritet. Većina vrsta kostima pripada ovom tipu, koji u isto vrijeme podjednako djeluje i kao savršena stvar i kao znak.
U sljedećim tipovima umjetnički princip u pozorišnom kostimu zauzima vodeću ulogu.
4. Styling. Kod ovog tipa ekspresivna forma predmeta često gubi vezu sa svojom praktičnom osnovom. Kod petog tipa, predmeti kreativnosti više nisu korisni praktično-materijalno, već duhovno. Ljepota u dekorativnom kostimu više nije direktno povezana s praktičnim početkom. Uz pomoć oblika poznatih stilova, stvarima se daju obilježja prototipa, oreol asocijacija povezanih s njim. Ova vrsta kostima uglavnom djeluje kao skup znakova koji formiraju sliku nosioca. Takvu odjeću često koristimo i u svakodnevnom životu, koristeći različite stilove kostima ovisno o situaciji i modi.
5. Dekorativni. Kostim u velikoj mjeri gubi na praktičnom značenju, a njegov oblik podliježe nekoj umjetničkoj zamisli, za čije oličenje su uključena različita slikovna sredstva. To uključuje prvenstveno karnevalske i ritualne kostime.
6. Umjetnički. Potonji tip prodire u samu srž iluzornog svijeta figurativnih modela stvarnosti. Praktični momenti se pojavljuju samo u produkciji djela kako bi se osiguralo njegovo postojanje. Ovaj tip je manifestacija "visoke umetnosti", gde lepota može ustupiti mesto drugim estetskim odnosima. Kostim djeluje kao umjetničko djelo i obavlja sve funkcije svojstvene umjetnosti, posebno u spajanju s osobom koja ga je obukla. Ova vrsta uključuje scenske kostime, kolekcije poznatih modnih majstora. Oni su koncentracije ideja i slika, a njihovi tvorci se nazivaju kostimografima.
Kako je analiza pokazala, klasifikacija pozorišnog kostima može se izvršiti u različitim planovima. Izbor ravni razmatranja svaki put zavisi od ciljeva studije.
Zasnovano na knjizi Zakharževske R. V. "Istorija kostima"
Neugodno mi je to priznati, ali ja sam tip reditelja i glumca kome scenski kostim nije bitan. Zaista mi je svejedno šta nosim na sceni, a ni najprecizniji kostim mi ne pomaže da se bolje naviknem na sliku lika, jer mi je unutrašnja prilagodba mnogo važnija. Kao reditelj, nikada se ne držim neke ere ili lokacije, radije mislim da to nije važno i da se priča koju želim ispričati mogla dogoditi bilo gdje i bilo kada. Razlog takve indiferentnosti prema vizuelnoj komponenti kod mene je vjerovatno moje potpuno nepoznavanje likovne umjetnosti i nerazvijenost vizualne percepcije. Ali i sam razumijem koliko griješim i koliko moje produkcije zbog toga gube.
Dakle, šta je scenski kostim i zašto je važan i za glumca i za produkciju u cjelini? Pozorišni kostim je sastavni dio scenske slike glumca, to su vanjski znaci i karakteristike lika koji se portretira, koji pomažu glumčevu reinkarnaciju; sredstva umetničkog uticaja na gledaoca. Pogrešno je misliti da je odijelo ograničeno samo na odjeću. To su i šminka, frizura, obuća, dodaci (kišobrani, šalovi, šalovi, aktovke, torbe, kape, nakit). Samo u takvom kompleksu stvari je koncept kostima potpun.
Za glumca je odelo materija, forma inspirisana značenjem uloge. Claude Autan Lara, poznati francuski filmski režiser, piše u članku “Kostimograf u kinu mora da oblači likove”: pejzaž, odeća prenose stanje uma: kroz njih svako od nas otkriva deo svoje ličnosti , njegove navike, njegov ukus, njegovi stavovi, njegove namere... Kostim govori da je ta osoba upravo uradila, šta će da radi, i zato kostim u bioskopu mora pre svega biti psihološka indikacija. .."
Već tokom pripremnog rada na predstavi ili filmu, umjetnik crta skice kostima, polazeći od ideje oličene u dramaturgiji, redateljske ideje, stilske odluke buduće produkcije i, naravno, od karakterizacije likova. Skica sugeriše stil nošenja kostima, hod, predviđa potrebnu deformaciju figure, položaj glave, pokrete ruku i način držanja, oštrinu crteža siluete, glumca u kostimu.
Loš kostim može "ubiti" glumca; dobro - "podići", dati ključ za razumijevanje uloge, za otkrivanje određenih kvaliteta karaktera. Ako je kostim neudoban, ako padne, trga se, drži se za rekvizite i scenografiju, otežava kretanje, tada će glumac (i publika zajedno s njim) stalno biti ometan, zaboravljajući na liniju uloge. Istovremeno, dobar kostim koji odražava karakter lika pomoći će vam da se bolje naviknete na ulogu, osjetite istinu, pa čak i stvorite potrebno emocionalno stanje.
Štaviše, gledalac je u mogućnosti da razmotri mnoge karakteristike lika samo po njegovom izgledu. Prisjetite se barem Čarlija Čaplina sa njegovom slavnom skitnjom. „Kugla, brkovi i štap govore o blagostanju, ali kakvo tužno razočaranje doživljavamo kada nam pogled klizi preko vrećastog ogrtača i „stranih“ pantalona koje padaju na čizme! Ne, život je propao! Tako talentovano odigrani dijelovi odjeće, izgrađeni u kontrastu, stvorili su nezaboravnu sliku po uvjerljivosti i snazi uticaja, koja je postala simbol “malog čovjeka”.
Kostim je u stanju da izrazi psihološke karakteristike junaka, tj. odaju svojstva njegovog karaktera (ljubaznost, škrtost, razmetljivost, skromnost, odvažnost, panaš, koketnost, itd.) ili stanje duha i raspoloženja. Karakter osobe se uvijek ogleda u njegovom izgledu. Kako se odijelo nosi, kojim detaljima je upotpunjeno, u kojim kombinacijama je sastavljeno - sve su to karakteristike koje otkrivaju karakter vlasnika. I glumac to mora zapamtiti. Elegantna dama u normalnom stanju duha ne može biti nemarna u odijelu. Odgovorni službenik ne može sebi priuštiti da ne zakopča sva dugmad na svojoj uniformi. S druge strane, upravo će takva odstupanja od norme odavati posebno emocionalno stanje junaka.
Kostim takođe može izraziti društvene karakteristike heroja. Po kostimu gledalac nepogrešivo prepoznaje bogate i siromašne, vojsku i inteligenciju, plemiće i građanke.
Osim toga, kostim na sceni može promijeniti figuru glumca, ne samo prema imidžu i godinama, već i prema modi. Deformacija, ako ne govorimo o plastičnoj promjeni figure pomoću debljina ili prekrivanja, provodi se promjenom proporcionalnih omjera glavnih linija figure i posebnog kroja odijela, pomicanjem linije struka, raznim oblici steznika. Takve promjene mogu biti od velike pomoći u stvaranju uloga likova i heroja koji žive u određenoj eri.
Nije dovoljno imati samo dobar kostim za glumca. Radite sa odijelom. To je "namestiti", "stariti", "istrošiti". Ovo je ujedno i svojevrsni psihološki rad sa kostimom, jedno od pravih sredstava "revitalizacije" i "oduhovljenja" kostima. Ne govorim o tome da se samo treba naviknuti na kostim, jer što prije glumac pronađe kostim, što prije počne da vježba u njemu, to bolje. Dakle, završetak kreiranja kostimske slike ostaje na glumcu: kako će ga pobijediti, kako će se naviknuti na njega, kako će ga moći nositi.
Kostim, naravno, odražava vrijeme i mjesto radnje. Ovo je posebno važno u svakodnevnim i realističnim predstavama. Ako su kostimi tačni za to doba, ili lijepo stilizirani za njega, publika će imati više povjerenja u ono što se dešava na sceni. Ne govorim o kiksevima u kostimima u filmovima, koje posebno nagrizajući gledaoci onda dugo i sa zadovoljstvom odugovlače (možete pročitati primjere).
Kostim, kao i scenografija, zavisi od stila izvedbe. „... Dođe trenutak kada reditelj, kao iznenada, otkrije da je našao rješenje za predstavu i od tog trenutka će već imati ključ za svaki detalj. Pronađeni stil će vam reći kako glumci treba da hodaju, kako treba da sede, da li treba da govore romantično raspoloženo ili svakodnevno prizemno. Isti stil će vam reći da li ukrasi trebaju biti jednostavni ili sofisticirani, da li namještaj treba biti autentičan ili veselo oslikan na poleđini; da li kostimi treba da budu kombinovani u oštrim kontrastima boja ili da budu istog tipa?..” Stilske karakteristike, u čijem se ključu se odlučuje izvedba, određene su prvenstveno merom njihove potrebe da identifikuju žanr dramskog dela. i otkriti njegovu suštinu. Stoga se, na primjer, kostimi u Lyubimovljevom Hamletu, Nyakroshyusu i Zeffirelliju toliko razlikuju jedni od drugih.
Ponekad kostim može postati samostalan simbol, kada ga gledalac ne doživljava više samo kao odjeću junaka, već čita režiju, metaforu ugrađenu u kostim. O tome sam već govorio, spomenuo Čarlija Čaplina, čiji je kostim postao simbol i „malog čoveka“ i samog Čaplina. Crvena haljina junakinje predstave "Kalkverk", o kojoj sam, daje joj neke demonske crte, doživljava se kao pretnju, opasnost. Štaviše, sama promjena uobičajene sive haljine u jarko crvenu ukazuje na nestvarnost onoga što se događa, da je ovo samo san koji je stvorila bolesna mašta heroja.
Hteo sam da napišem i nekoliko praktičnih saveta, ali je „list“ već ispao. Očigledno, ova tema je zanimljiva i ogromna. Tek sam na samom početku njegovog otkrivanja, tako da ću se sigurno vratiti na njega više puta.
Sažimanje:
1. Kostim je sredstvo za otkrivanje karaktera lika.
2. Kostim može promijeniti figuru glumca.
3. Kostim odražava vrijeme i mjesto radnje, stil epohe.
4. Kostim je važan dio izražajne odluke i stila predstave ili filma.
5. Odijelo može postati simbol.
Pojava pozorišnog kostima kao takvog ima svoje korijene u antici. Od davnina u pozorištu Drevnog istoka postoji pozorišni kostim. U Kini, Indiji, ali i Japanu, klasični pozorišni kostim je simboličan i konvencionalan. U pozorištu je važna i simbolika ukrasa, šara na tkaninama i boja.
Kostimi u pozorištu se najčešće kreiraju za svaku predstavu i za pojedinog glumca, ali postoje i takvi pozorišni kostimi koji su nepromenjeni i generalno isti za sve trupe.
Evropski pozorišni kostim se prvi put pojavio u staroj Grčkoj, gde je, kao što je svima poznato, nastalo i pozorište kao takvo, koje se kasnije razvijalo i, prolazeći kroz mnoge promene, pretvorilo se u moderno. Glavna stvar u grčkom pozorištu bila je nošnja, koja je ponavljala svakodnevnu odjeću Grka. Takođe, za pozorišnu predstavu bile su potrebne velike maske sa različitim izrazima lica kako bi publika izdaleka mogla da vidi emocije glumaca i cipele na visokim tribinama - coturnes. Svaki kostim u grčkom pozorištu imao je posebnu boju, na primjer, koja ukazuje na pripadnost određenom zanimanju ili položaju. Pozorišni kostim se mijenjao ovisno o koncepciji predstave.
Ovdje vrijedi otkriti suštinu koncepta "kazališnog kostima".
Velika sovjetska enciklopedija daje sljedeću definiciju: „Nošnja u pozorištu (od talijanskog Costume - običaj) jedna je od važnih komponenti dizajna predstave - odjeća, obuća, kape, nakit i drugi predmeti koje koristi glumac da okarakterizira scensku sliku koju su stvorili na osnovu namjere generalnog reditelja; Neophodan dodatak kostimu je šminka i frizura ”Kostim u pozorištu je posebno područje umjetnikovog rada, u kojem on može utjeloviti ogroman broj slika, prenijeti karakter lika. Kazališni kostim formira gledaočevu ideju o ličnosti lika, pomaže da se osjeti duh tog doba, da se razumiju karakteristične osobine koje se ogledaju u izgledu glumca.
pozorišni kostim prema definiciji Zakharževske R.V., ovo je „komponenta scenske slike glumca, to su vanjski znakovi i karakteristike prikazanog lika koji pomažu u reinkarnaciji glumca; sredstva umetničkog uticaja na gledaoca.
Vremenom su se u pozorištu razvile tri glavne vrste pozorišnih kostima: lik, igra i odeća lika. Oni postoje od samog nastanka pozorišta, iako nisu bili jasno definisani, ove vrste nošnji su preživjele do današnjeg modernog pozorišta.
„Kostim lika ovo je figurativno-plastična kompozicija, koja je dio slike glumca-izvođača. Kostim je neodvojivi dio lika kojeg pokreće i izražava glumac." Primitivni prototipovi kostima lika bili su sastavni dio obreda i rituala u mnogim zemljama svijeta. Ponekad kostim može u potpunosti sakriti lik glumca.
Odijelo za igru- sredstvo je za transformaciju izgleda glumca i važan element u izvođenju uloge. U ritualnim i folklornim predstavama igrana nošnja je najčešće imala groteskno-parodični karakter, na primjer, kada je bilo potrebno naglasiti, ismijati, paradirati ili ukazati na apsurdnost situacije. Muškarci su se obukli u žene, i obrnuto, ljudi su prikazivali različite životinje. Za izradu takvog kostima prikladni su svi materijali koji bi mogli naglasiti sliku lika. Korišteni su razni materijali i odjevni predmeti: šeširi - naušnice, ovčije mantile, omoti, razni umjetni ukrasi, perle, zvona.
Kostim kao odeća lika, je glavni u predstavi, upravo na osnovu ovog kostima nastaju kostimi lika i igre. Pozorište je oduvijek odražavalo modernu modu. Na primjer, u pozorišnoj praksi često su korišteni kostimi slični odjeći vremena u kojem se predstava prikazivala. Ova tehnika potiče iz vremena starogrčkog teatra i prisutna je u pozorištu do danas. Kreiranje ove vrste nošnje izvršeno je na osnovu kretanja od oblika odjeće bliskog izgledu (u pozorištu preporoda) ka većoj sličnosti s povijesnim, nacionalnim nošnjama, postizanju točnosti i autentičnosti. Kasnije, u teatru naturalizma, kostim počinje u potpunosti odgovarati karakteru lika, prenosi njegovo stanje duha s najvećom točnošću, izgled sve jasnije prenosi komponente slike. Kostim je oduvijek bio i ostao posebno područje kreativnosti umjetnika koji izrađuju i izmišljaju ne samo fantastične kostime, već čak, čini se, od najobičnije kućne odjeće stvaraju istinski umjetnička djela.
Pozorišni kostim je važan i sastavni dio svake pozorišne predstave. Pozorište je možda najjavniji oblik umjetnosti, pa je stoga i dizajnirano više za estradu. Uobičajeno napuštajući dvoranu, publika ovako karakteriše nastup: bio je spektakularan, odlična gluma, divna scenografija, odlična inscenacija. Iz svega ovoga vidimo da su gotovo svi aspekti pozorišne predstave zahvaćeni radom umjetnika.
U vrijeme folklornih priredbi i obreda, majstori nošnje bili su bezimeni majstori, često su luđaci sami sebi izmislili odjeću i oživjeli je improviziranim, jeftinim i pristupačnim sredstvima. Pozorište nije uvijek bilo javno, dugo se formiralo u tom pravcu. Profesionalnih glumaca je bilo malo, a predstave su izvodili uglavnom samouki glumci. Zakoni koji su štitili bogate, plemstvo i zemljoposednike, borili se protiv skitnica, uključujući glumce, da zaustave bekstvo sa posla sa niskim platama, to je ometalo rast profesionalaca u pozorištu.
U eri feudalizma, pozorišna umetnost se ogleda u predstavama putujućih umetnika. Nošnja u njihovim idejama izgledala je isto kao i nošnja njihovih suvremenika iz siromašnih, ali je bila ukrašena svijetlim vrpcama i zvončićima. U to vrijeme pojavile su se predstave zvane misterije, karakteristična karakteristika predstava bila je pompeznost, svjetlina, dekorativnost, a također se nisu dijelili na činove i moral. Predstave postaju dvorski spektakl, lijep i uzbudljiv. Prisutna je sama scenografija, koja se nije mijenjala tokom cijele predstave, za razliku od moderne pozorišne predstave. Glavni zahtjev za pozorišni kostim u misteriji bio je bogatstvo, luksuz, a nije bitno za glavne ili sporedne uloge, kostim je bio uvjetovan, izbjegnut detaljima. Kostim za moral bio je skromniji zbog svog poučnog sadržaja.
Kao i sve vrste umjetnosti, veliki skok u razvoju pozorišta dogodio se u renesansi, a istovremeno je i pozorišni kostim pretrpio značajne promjene, na šta je snažno utjecala tadašnja moda, ali i scenografija. Glumci komedije ismijavali su prestupnike, davali duhovite, dobronamjerne i ponekad zle opise junaka predstava. Kasnije, u drugoj polovini 16. vijeka, kostim u pozorištu se približio aristokratskom stilu odijevanja, ovisno o ulozi, mogao je biti klovnovski. Pozorišne kostime su već radili školovani zanatlije: krojači, umjetnici, dekorateri, za ovim zanimanjima se tražila.
Glavni žanr klasičnog pozorišta u 17. veku bila je tragedija, glumci su se oblačili u kostime, ponavljajući svakodnevnu odeću dvorjana i sluge, na dizajn predstave uticali su ukusi i interesi aristokratije. Luj XIV 1662. godine svojim nastupom na festivalu u Versaju širi u evropskom pozorištu novu vrstu kostima tragičnih junaka za stotinu godina, pojavljujući se u stilizovanoj „rimskoj“ nošnji kreiranoj na osnovu dvorske nošnje. uz dodatak kirase i kratke suknje. Ženska nošnja bila je odraz modernosti, međutim, više ukrašena i vezena nego u svakodnevnom životu.
U svim radovima o istoriji kostima izdvaja se Molijerov period, a kako se moda oduvek ogledala u pozorištu, ovaj period je postao značajan za pozorišni kostim. Počeli su se pojavljivati realistični trendovi u pozorišnoj nošnji, Molière je u svojim predstavama oblačio glumce u moderne kostime različitih slojeva stanovništva. Važno dostignuće u razvoju kazališnog kostima bilo je odbacivanje pretencioznosti i pompe od strane glumca D. Garricka, on je nastojao da smanji kostim kako bi odgovarao ulozi koju igra, otkrivajući karakter junaka, pomažući da se shvati njegova suština.
Za naš rad posebno je zanimljiv Volterov doprinos istoriji pozorišnog kostima – želja za istorijskom, nacionalnom i etnografskom tačnošću. Odbijanje perika u prahu, masivnog dragocjenog nakita, u čemu ga je podržala glumica Clairon. U procesu reforme stilizovana „rimska“ nošnja je modifikovana, napuštajući tradicionalni tunel, a nestao je preterani sjaj koji je ometao kretanje.
U 18. veku nošnja se potpuno menja, raskidajući sa starom tradicijom, nošnja postaje istorijski pouzdana i izrađuje se po skicama umetnika, velika pažnja se poklanja šminki, frizuri, ali se istorijska tačnost postiže samo u pojedinim detaljima. Tek u 19. veku, u vezi sa razvojem rediteljske umetnosti, pokušavaju da povežu kostim sa idejom predstave, uočavaju duh epohe u stvaranju predstave. Poznato je da su dramski pisci lično učestvovali u postavljanju predstave i pratili poštivanje radnje, preuzimali su odgovornost i za skice scenografije i kostima, privlačeći u pomoć poznate umjetnike. Među autorima skica kostima bili su E. Delacroix, P. Gavarni, P. Delaroche L. i C. Boulanger, A. Deveria i dr. U tom periodu posebno su brinuli o pouzdanosti i tačnosti, iako to nisu svi postigli. .
U Engleskoj je istorijskoj tačnosti pozorišnog kostima posvećena velika pažnja glumcu W.C. Macready, glumica E. Vestris. Pojedini reditelji u istorijskim predstavama trudili su se da precizno dočaraju scenu, rekreiraju kostime u tačnom skladu sa tim vremenom, a veliku pažnju su posvetili šminkanju i frizuri. Naravno, takva svrsishodna težnja ka autentičnosti, istoričnosti i tačnosti nije mogla a da ne dovede do navale poricanja. Do kraja 19. stoljeća mnogi istaknuti reditelji i umjetnici nastojali su da napuste rutinu naturalizma i bore se sa realizmom u umjetnosti, što je dovelo do povratka konvencije i stilizacije. To se dogodilo jer se smatralo da pozorište treba da oživi nešto novo, bajno, nestvarno, a ne da ponavlja svakodnevicu ljudskog života.
Kasnije, početkom 20. stoljeća, pozorišnim kostimima počinju se baviti eminentni i poznati umjetnici, unoseći odraz svoje kreativnosti u ovu vrstu umjetnosti, formirajući zakone izvođenja kostima, radeći kao pioniri. U sadašnjoj fazi razvoja pozorišne umjetnosti umjetnici nastoje ne samo da odraze ideju predstave u svojim djelima, već i da kazališne kostime učine samostalnim umjetničkim djelom, da se izraze, daju slobodu mašti. , da pokažu svoju viziju kreativnosti.
Iz istorije pozorišnog kostima vidimo koliko su se umetnici revnosno odnosili prema ovoj vrsti umetnosti, tako da značaj uloge pozorišnog kostima u umetnosti ne dovodi u pitanje. U našem istraživanju posebnu pažnju smo posvetili sljedećim umjetnicima koji su stvarali skice za pozorišne predstave: L. Bakst, A. Benois, N. Roerich, A. Exter (vidi Prilog br. 1). Kroz razvoj pozorišnog kostima vidimo kako su poznati umjetnici i bezimeni majstori radili na stvaranju umjetničke slike, čak predstavljali umjetnička djela iz običnog kostima, radili kreativno, pokušavajući da gledaocu ispričaju o posebnosti i važnosti ovog lika u svakom detalj. Kazališni kostim je spoj mnogih umjetnosti, u njegovom stvaranju sudjeluju mnogi majstori različitih smjerova, jedan stvara skicu, drugi ukrašava vezom, treći se bavi priborom i rekvizitima. Postoje određene faze rada na stvaranju pozorišnog kostima.
Pre nego što krene da kreira pozorišni kostim, umetnik se mora zapitati: šta treba da kreira, za koga i kako? Odgovori na ova pitanja od iskusnog umjetnika zahtijevaju poznavanje atmosfere i slike izvedbe, prisustvo odgovornosti prema publici i odlično poznavanje publike, kao i poznavanje svih tehnika i tehnika kojima može izraziti sve. Unatoč činjenici da je pozorišni kostim samostalno umjetničko djelo, on, kao i sve u predstavi, podliježe zajedničkoj radnji. Ideja, ideja je u središtu svega, diktira sadržaj svakog lika, njegov društveni status, moralnu stranu njegove ličnosti i, shodno tome, njegov izgled, jer je sve to međusobno povezano. U pozorišnoj praksi razlikuju tri faze rada na stvaranju kostima: rad sa literaturom, gomilanje materijala na opštu temu predstave, rad na skici i, na kraju, implementacija skice u materijalu, oličenje u teksturi. Prilikom odlučivanja o cjelokupnoj kostimografiji predstave, pri odabiru tehnike rada na skici kostima, pa čak i pri odabiru materijala i pribora, kostimograf se vodi glavnom idejom izvedbe. Ideja izražena u scenariju dominira svime: kostimima, scenografijom, karakteristikama likova.
Važan uslov u radu kostimografa je postizanje jedinstva ideje predstave i njene implementacije. U pozorišnom kostimu važno je stvaranje scenske slike. Scenska slika u pozorišnom kostimu sastoji se od rediteljske ideje, dramske osnove, dinamike i ritma. Dinamika slike i evolucija karaktera lika i svega što se dešava na sceni tjera umjetnika da nekoliko puta promijeni izgled glumca na sceni, ne samo u kostimu, već iu šminki i frizuri. Kostim bi trebao pomoći gledaocu da prenese i najmanju promjenu u slici glumca.
Kostim je najvažniji dio pozorišne predstave, jer je najuže povezan sa glumcem. Ne zaboravite da je kostim vanjski izraz karaktera lika, sastavni dio scenske slike i stvara posebnu atmosferu oko glumaca, bitnu ne samo za izvođenje uloge, već i za publiku. Često postoje karakterne crte koje ostaju u podtekstu predstave, o njima publika saznaje iz kostima i njegovih pojedinačnih detalja. Ponekad kostim treba da se stopi sa slikom koju stvara glumac, ali se dešava i da deluje kao kontradikcija liku. Na primjer, na samom početku predstave vidimo glumca koji glumi dobru osobu, ponaša se pristojno i visoko moralno, ali njegov kostim upozorava gledatelja i zaista se na kraju predstave ispostavlja da je zlikovac ili izdajnik. Također, dok radite na skicama, ne treba zaboraviti na individualnost glumca, svestranost i složenost njegovog lika.
Dakle, izražajna sredstva pozorišnog kostima su sljedeće karakteristike:
Umjetnička scenska slika sastoji se od redateljske namjere, dramske osnove, dinamike i ritma.
To je samo po sebi umjetničko djelo.
Teži istorijskoj, nacionalnoj i etnografskoj tačnosti
To je eksterni izraz karaktera lika;
Dizajniran više za performanse.
POZORIŠNA NOŠNJA, element performansi. U istoriji pozorišta poznata su tri glavna tipa pozorišnog kostima: lik, igra i odeća lika. Ova tri glavna tipa nošnje postoje u svim fazama izvedbene umjetnosti – od ritualnog rituala i folklornog predpozorišta do moderne umjetničke prakse.
Kostim lika je svojevrsna figurativno-plastična kompozicija na liku izvođača, koju on pokreće i oglašava (izgovaranjem teksta ili pjevanjem), ponekad potpuno skrivajući njegovu figuru, slično kao što je maska prekrivala njegovo lice. Primjeri kostima karaktera u ritualima i ceremonijama različitih zemalja svijeta. Zvonasta silueta indijskog kostima bila je parafraza hrama-šatora Nagar Shakhara i svete planine Menu (centar i osovina svijeta u hinduističkoj mitologiji). Kineski - svojim oblikom, dizajnom, ornamentikom i bojom izražava drevnu kosmološku simboliku prirodne izmjene svjetlosti i tame, spajanja Neba i Zemlje u činu stvaranja svijeta. Šamanski kostim naroda Sjevera utjelovljuje slike fantastične ptice povezane s "gornjim svijetom" i životinje (stanovnik "donjeg svijeta"). Južni Rus je svojevrsni model univerzuma. U tradicionalnim predstavama Pekinške opere, nošnja je bila slika strašnog zmaja, u japanskom pozorištu "Ne" - motivi prirode, au baroknoj eri 17. stoljeća. - Sajam ili svet. Ako su za obredne obredne i folklorne predstave karakterne nošnje (kao i svi drugi elementi scenografije) bile plod rada anonimnih narodnih majstora, onda su ih u 20. stoljeću, od samog početka, počeli komponovati umjetnici: I. Bilibin - u operi Zlatni petao N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - in bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - in Car Maximilian, P. Filonov - u tragediji Vladimir Majakovski, konačno, K.Malevič - u projektu pobeda nad suncem(sve tri produkcije 1913.). A onda, krajem 1910-ih - prvoj polovini 1920-ih. čitav niz karakternih kostima kreirali su talijanski futuristi E. Prampolini, F. Depero i drugi, O. Schlemmer iz njemačkog Bauhausa, au baletu - P. Picasso, koji je prikazao groteskne Menadžere u Parada E. Satie i F. Leger - crnačka božanstva u Stvaranje svijeta D. Millau. Konačno, kubistički kostim "arhitektura" A. Vesnina dobija karakterni značaj u predstavama A. Tairova - godine. Navještenje, njegove suprematističke kompozicije na likovima heroja Fedra. On ostale scene - Y. Annenkovova "školjka" u predstavi Gas G. Kaiser i A. Petritsky - in Viy, kao i fantastične kolaže kao kostime likova za nastup revizor, koje su kreirali učenici P. Filonova (N. Evgrafov, A. Landsberg i A. Sashin) na temu maraka, grbova, pečata, koverti i dr. - lik upravnika pošte, recepti, potpisi, špricevi, klisteri, termometri - lik doktora, flaše, kobasice, šunke, lubenice itd. - lik Čovjek-Kafane. U drugoj polovini 20. veka kostime kao samostalne vizuelne likove, prikazane odvojeno od glumaca, kao element scenografije, kreirali su M. Kitaev i S. Stavtseva, a kao različite vrste kompozicija na figurama glumaca - K. Shimanovskaya, D. Mataitene, Yu Kharikov.
Kostim za igru je sredstvo za transformaciju izgleda glumca i jedan od elemenata njegove igre. U ritualnim i folklornim predstavama transformacija je najčešće imala groteskno-parodični karakter, kada su se muškarci oblačili u žene, žene u muškarce, mladići u starce, ljepotice u vještice ili kada su se prikazivale različite životinje. U isto vrijeme korišteno je sve što je bilo pri ruci: župan, ovčiji kaput, futrola, ovčija koža - uvijek okrenuta naopačke, smješnija i zabavnija, kao i svaka druga, nekako smiješna, "izvrnuta" odjeća, na primjer, pretjerano skraćene pantalone, nerazumno široka košulja, čarape sa rupama, svakakve dronjke, krpe, krpe, vreće, užad; Korišćeno je i sve što je priroda dala: trava, cvijeće, slama, lišće. Konačno, za oblačenje su korišteni i razni umjetni ukrasi: papir u boji, brezova kora, folija, staklo, vrpce, ogledala, zvona, perje itd. Tehnike grotesknog maskiranja prešle su i u predstave starogrčkih komedija i u tradicionalno pozorište Istoka, gde su bile kombinovane sa raznolikom igrom glumca sa elementima njegovog kostima: dugim rukavima i fazanskim perjem - u pekinškoj operi, vozovima , ručnici i ventilatori - na japanskom “Ali”. Predstave italijanske commedia dell'arte, drame Shakespearea i Lopea de Vege izgrađene su na beskrajnim prerušavanjem i prerušavanjem. Krajem 18. vijeka Emma Hart (Lady Hamilton) izgradila je svoj čuveni ples na igri sa šalom, nakon čega su slične tehnike (manipuliranje šalovima, prekrivačima, velom i drugim sličnim elementima kostima) naširoko korišćene u baletskom pozorištu 19. veka, dostižući svoje najveća umjetnička visina u stvaralaštvu L.Baksta, čije su skice koreografskih slika uključivale dinamiku raznih letećih tkanina, kaiševa, šalova, suknji, šalova, kabanica, pelerina, privjesaka, podvezica. Na dramskoj sceni nastavljena je tradicija kostima koji se poigrava sa pokretima glumca - kubofuturističkim izražajnošću - A. Exter u predstavama Kamernog teatra Salome O. Wilde i Romeo i Juliet W. Shakespeare, a za njom njen učenik P. Chelishchev i drugi majstori ranih 1920-ih: V. Khodasevič i I. Nivinsky, I. Rabinovich i G. Yakulov, S. Eisenstein i G. Kozintsev, konačno ponovo na baletskoj sceni, u produkcijama K. Goleizovskog - B. Erdmana. Ako su u tom periodu igrani kostimi činili čitav trend u scenografiji, onda je u drugoj polovini 20. veka. koristili su ih umjetnici i reditelji također prilično široko, ali iz nužde, kao element "palete" raspoloživih izražajnih sredstava. Među autorima modernih dramskih kostima su gruzijski umetnici Sameuli, G. Aleksi-Meskhišvili i N. Ignatov, primeri slične vrste mogu se naći i u pozorištima drugih zemalja: u Poljskoj, u Češkoj, u Nemačkoj, u Italiji.
Kostim, kao odeća lika, koji je često osnova za komponovanje tipova kostima o kojima je bilo reči (lik i igra), u svim periodima istorijskog razvoja pozorišta, u većoj ili manjoj meri, postoji oličenje na sceni onoga što su ljudi nosili u datom periodu . Tako je bilo u antičkoj tragediji, a tako je ostalo i u predstavama naših dana. Istovremeno, opću evoluciju ove vrste nošnje karakterizirao je pomak od konvencionalnih oblika prave odjeće (u doba baroka i klasicizma) ka njenoj sve većoj istorijskoj, geografskoj, nacionalnoj pouzdanosti, tačnosti i autentičnosti. U teatru naturalizma i psihološkog realizma kostim postaje potpuno adekvatan karakteru lika, izražava ne samo njegov društveni status, već i stanje duha. Istovremeno, i danas i u prošlim vekovima, nošnja ostaje predmetom posebnog stvaralaštva umetnika (među kojima su najistaknutiji majstori likovne umetnosti i scenografije) i oni je komponuju (čak i naizgled svakodnevne kostime, a ne da bi spomenuti fantastično), ne samo kao zasebno djelo, već i kao bitnu komponentu izvedbe.