Akademizam u ruskoj umetnosti 19. veka:
Umjetnost nastala u skladu sa Akademijom umjetnosti iu kontaktu sa njom. Akademizam počinje 1830-ih godina. ova umjetnost je odjelna, izgrađena na principima na kojima je počivao klasicizam. Ovo je eklekticizam, na njega se nadograđuju trendovi drugih trendova (ruski kritički realizam, simbolizam...)
Akademija: razvija standarde za slikarstvo, trudi se da u osnovu stavi najsavršenije principe.
Protoakademizam - 1830-n.1850
Akademizam - 1850-60
Zreli akademizam - 1870-80
1890-1900 - akademizam (u djelu Vrubel) s dodatkom različitih stilova
Faza 1: Bryullov, Bruni, Basin
Percepcija tokova romantičarske ere
Akademizam je postao univerzalan
Bazen: 1. Sokrat brani Alkibijada u bici kod Potideje
Markov: 1. Fortuna i prosjak
Zavjalov, Nef, Raev: Nef je zainteresovao za akt
Tiranov, Moler, Orlov (učenici Venecijanova)
Od 1850-ih - upotreba istorijskih zapleta dolazi do prekretnice u akademizmu
Evanđeoske priče, ruska istorija
Kamerni antički žanr zamjenjuje ist u akademskom slikarstvu
Bronnikov, Vereščagin, Flavicki (hrišćanski mučenici u Koloseumu)
Slikarstvo je postalo odskočna daska za promjene vlasti (želeli su da vrate interesovanje za drevne jezike, istoriju itd.)
Semiradsky, Postnikov, Tomashevsky
U to vrijeme, lutalicama je bilo vrlo teško da se probiju, ali su uvjerili Aleksandra III i on je izvršio reforme na Akademiji umjetnosti
Neki od principa akademizma su još uvijek koristili umjetnici drugih pokreta.
Akademizam(fr. academisme) - trend u evropskom slikarstvu 17.-19. veka. Akademsko slikarstvo nastalo je tokom razvoja umjetničkih akademija u Evropi. Stilska osnova akademskog slikarstva početkom 19. stoljeća bio je klasicizam, u drugoj polovini 19. stoljeća - eklekticizam.
Akademizam je izrastao prateći vanjske oblike klasične umjetnosti. Sljedbenici su ovaj stil okarakterizirali kao refleksiju umjetničke forme antičke antike i renesanse. Akademizam je pomogao u rasporedu predmeta u umjetničkom obrazovanju, nadopunio je tradiciju drevne umjetnosti, u kojoj je slika prirode bila idealizirana, dok je nadoknađivala normu ljepote. Predstavnici akademizma su Jean Ingres, Alexandre Cabanel, William Bouguereau u Francuskoj i Fedor Bruni,Aleksandra Ivanova, Karla Bryullova u Rusiji. Ruski akademizam prve polovine 19. stoljeća karakteriziraju uzvišene teme, visoki metaforički stil, svestranost, višefigura i pompoznost. Popularne su bile biblijske scene, salonski pejzaži i svečani portreti. Uprkos ograničenom sadržaju slika, radovi akademika odlikovali su se visokom tehničkom veštinom. Karl Bryullov, promatrajući akademske kanone u kompoziciji i slikarskoj tehnici, proširio je varijacije radnje svog djela izvan granica kanonskog akademizma. Rusko akademsko slikarstvo je tokom svog razvoja u drugoj polovini 19. veka uključivalo elemente romantičarske i realističke tradicije. Akademizam kao metoda prisutan je u radu većine članova udruženja "lutalica". U budućnosti, rusko akademsko slikarstvo postalo je obilježeno historizmom, tradicionalizmom i elementima realizam.
Žanrovsko slikarstvo sredine veka (kraj 1850-ih-str. 1860-ih)
Slike su sve manje
Slikarstvo je postalo pogodnije za muzeje i građane, a ne za palače
U vrijeme reformi, nakon poraza u Krimskom ratu, zaoštrilo se pitanje oslobođenja kmetova.
Svakodnevni žanr se manifestovao u slikarstvu, grafici + novinskoj grafiki
Narativ je bio posebno važan u žanrovskom slikarstvu.
M.P. Klodt
Akademski žanrovski pisac
1. Bolesni muzičar, 1859
2. Prošlog proljeća, 1863
Žanr saosećanja, sentimentalne crte
A.F. Chernyshev
Pisao ulične scene
Rastanak (odlazak iz sela)
N.G. Schilder
Uzeo sam dosta od Fedotova (sepija 40-ih)
Iskušenje, 1856
Slika je postavila temelje za Tretjakovsku galeriju
A.M. Volkov
1. Prekinuto učenje
Poučnog karaktera
Sennaya Square
Glutton Row u St. Petersburgu
IN AND. Jacobi
1. Zaustavljanje zatvorenika, 1861
Slika se smatrala prvom na zapletu teškog rada, ali Ševčenkove sepije su bile ranije
Beznađe u svemu: u figurama, bojama
Šutovi na dvoru
ledena kuća
Oboje veoma akademski u stilu rada (kasno)
K.A. Trutovsky
1. Okrugli ples u Kurskoj guberniji
N.V. Nevrev
1. Cenkanje (scena iz kmetskog života iz nedavne prošlosti), 1866
Slike na zidu - za to vrijeme popularan hobi
2. Učenik
NJIH. Pryanishnikov
1. Jokers, Gostiny Dvor u Moskvi
Scena javnog poniženja
V.V. Pikerev
1. Neujednačen brak, 1862
A.L. Yushanov
1. Ispraćaj poglavice, 1864
Samo jedna slika je nastala od ovog umjetnika
Kontinuitet kompozicije iz Fedotova
kritički realizam
Doveo je do analitičkog pogleda na svijet, interesovanja za ekonomiju
Žanrovsko slikarstvo u prvom planu
Mali format slike
Širenje ideja rike demokrata (pitanje emancipacije seljaštva)
Događaji iz 1881
Životni žanr u satiričnoj grafici, ilustracija knjiga
Do 19. stoljeća - n 20. stoljeća - period akumulacije snaga i formiranja nove umjetnosti
narativ
M.P. Klodt
1. bolestan muzičar
2. prošlog proljeća
"žanrovsko saosećanje"
A.F. Chernyshev
ulične scene
Brusilica za orgulje
Rastanak
N.G. Schilder
1. Iskušenje
Vraća se na P.A. Fedotov, sepija „Lepota jadne devojke je smrtna pletenica »
Početak Tretjakovske galerije
A.M. Volkov
1. Trg Sennaya.
2. Prekinuto učenje
Priča Gleba Uspenskog
IN AND. Jacobi
1. Zaustavljanje zatvorenika (T.G. Ševčenko je prvi stvorio na ovu temu: sepija "Ciganka" i "Život izgubljenog sina")
2. Šake na dvoru
K.A. Trutovsky
1. Provincije
N.V. Nevrev
1. Pregovaranje, 1866
2. Učenik
NJIH. Pryanishnikov
1. Jokers. Gostiny Dvor u Moskvi
V.V. Kukerev
1. Neravnopravni brak, 1862
A.L. Yushanov
1. Ispraćaj poglavice, 1864
Fedotovska ironija, jasnoća, kompozicija
Umetnici žanra: razvoj realističke umetnosti
Likovna kritika
A.G. Vereščagin u zbirci "Problemi razvoja ruske umetnosti", 1971
Criticism Divided
Pozitivno: Stasov
Entuzijazam za žanrovsko slikarstvo i povezanost razvoja umjetnosti i nje
Negativci, oni koji su budućnost umetnosti povezivali sa istorijskom analizom: Černiševski, Dobroljubov, Mihajlov
“Napomene o prethodnom članku” - časopis Sovremennik 1858. Članak Černiševskog posvećen je A. Ivanovu
"Sovremennik" je kritikovao Hercenovo "Zvono" zbog optužbi
"Zvono", "Polarna zvezda"
Nakon 1862-63 - promjena. Kritični kamp "nestao"
U osnovi Stasov "Vitez optužujuće slike"
Prvi način: optužujuće svakodnevno slikanje
Ali niko nije nadmašio Fedotova
Drugi način: stvarnost, prošlost, sadašnjost i klice budućnosti, umjetnost velikih generalizacija (bilo je to 70-80-ih: Perov, Kramskoy, Surikov, Repin)
Od 1940-ih, zahvaljujući zaslugama Gogoljeve "prirodne škole", ruska književnost je postala platforma sa koje se proglašavaju, raspravljaju i istražuju "bolesna pitanja sadašnjosti". Turgenjev, Tolstoj, Dostojevski - u književnosti, rusko pozorište - preko Ostrovskog, ruska muzika - zalaganjem "Moćne šačice", estetika - zahvaljujući revolucionarnim demokratama, posebno Černiševskom, doprinela je uspostavljanju realističkog metoda kao glavnog jedan u umetničkoj kulturi sredine i druge polovine veka.
U drugoj polovini 19. veka za slikarstvo postaju karakteristični kritički odnos prema stvarnosti, izraženi građanski i moralni stavovi, akutna socijalna orijentacija, u kojoj se formira novi umetnički sistem vizije, izražen u kritičkom tzv. realizam. Umjetnička propovijed, likovno razmišljanje o moralnim problemima u duhu Dostojevskog i Tolstoja - tako su svoje zadatke shvatili gotovo svi istaknuti ruski slikari tog vremena, ljudi, po pravilu, izvanredne duhovne plemenitosti, iskreno brinući za sudbinu otadžbine. Ali ovaj blizak odnos s književnošću imao je i svoju lošu stranu. Najčešće, uzimajući direktno iz nje sve one akutne društvene probleme kojima je rusko društvo tada živjelo, umjetnici su djelovali, zapravo, ne toliko kao glasnogovornici ovih ideja, već kao njihovi direktni ilustratori, direktni tumači. Društvena strana ih je zaklanjala od čisto slikovnih, plastičnih zadataka, a formalna kultura je neminovno padala. Kao što je ispravno napomenuto, "ilustrativnost je uništila njihovo slikarstvo".
Ruska umetnost sredine 19. veka.
Nastao je akademizam (nije imao izvor za osmišljavanje ideja, ostario)
30-60s - od jačanja Nikolajevske monarhije (trijada autokratije, pravoslavlja, nacionalnosti) do revolucionarne situacije.
1864. - Akademija umjetnosti htjela je proslaviti stogodišnjicu, ali 1863. - studentska pobuna
Ser. 19. vijek - plemstvo se mijenja, postaje buržoasko. Buržoazija želi plemstvo. Proces segmentacije plemstva i buržoazije
Majorov brak. Fedotov P.A. 1848. Prenosi suštinu procesa
A.S. Puškin "Putovanje od Sankt Peterburga do Moskve"
Baratynsky
Interes se prebacuje na analizu psihologije koja okružuje život.
Osiromašenje kreativnih principa klasicizma
Drugi talas romantizma oslanja se na efekte i dobitke realizma
Razvio se kritički realizam
Egzotična, lažna romansa...
Vrijeme akademskih efekata
Polarizacija tankog fenomena (Ivanov "Mesija", Brjulov, Fedor Bruni, Basin - slika, I.P. Vitali, P.K. Klodt - vajar, P.A. Fedotov - osnivač kritičkog realizma, Ševčenko, Agni takođe) Salamatkin
Moskovska škola slikarstva, skulpture, arhitekture
1857 - početak Tretjakovskih galerija
Počelo je obrazovanje iz istorije umetnosti - formiranje Odseka za umetnost Moskovskog državnog univerziteta (1857.)
Katedre za umjetnost na svim univerzitetima (prema statutu)
1874 - Prahov je održao predavanje o istoriji umetnosti u Sankt Peterburgu
1864. - Muzej Stroganov
1865 - Černiševski je odbranio disertaciju na temu "Estetički odnosi umetnosti i stvarnosti".
Položaj umjetnika je ponižavajući
AH je monopol
Penzionisanje 2/3 19. v.
Pariz zabranjen do 60-ih (sumnje)
Postepeno gubi smisao
Osnova tanke politike je vodstvo Nikole I
Astoliere de Custine, 1839
1860- na Akademiji umjetnosti ženski akt model
Artel umjetnika Sankt Peterburga (1863-1870)
Prva umjetnička udruga koju su stvorili umjetnici
Pripremio stvaranje Lutalica
9. novembra 1863. - 14 takmičara za veliku medalju odbilo je i napustilo Akademiju umjetnosti, uoči njene stogodišnjice. Htjeli su pisati prema vlastitom odabranom programu.
"Pobuna 14" (13 slikara, jedan vajar - V. Creighton)
I.N. Punin "Peterburški artel" - pisano o njima
Organizovao je prvu izložbu u Niž Novgorodu 1865
Uzimali su naređenje za bilo šta, učili
- "Četvrtak arteli"
Primljeni gosti (Repin, Antokolsky, Myasoedov, Chistyakov, itd.)
1871 - prva izložba Lutalica
"Četvrtak" je postao neformalna škola
O.S. Oštra "Dela, koja su odražavala vek" - Petrov
O Kiprenskom i Geteu - "Ruska umetnost..." - Turčinov članak "Kiprenski u Fra i Nemačkoj"
Godine 1869. Mjasoedov se vratio iz inostranstva, gde je proučavao organizaciju izložbi.
K. 1869-1870 - nacrt povelje udruženja lutalica
Zadnja trećina je "peredvizhneskaya" (ali nije)
Simbolizam
objektivnog realizma do slikovnog realizma
kasnog akademizma
"Akademizam je vječan"
neoromantizam
Vrubel, Levitan, Vasnetsov
Od 1861. - najšira demokratizacija
Aleksandar II je oslabio cenzuru
Vojska, zemstvo, reforma pravosuđa
Prije 1863. godine - postojale su tjelesne kazne
Eliminisana treća grana (tajna policija)
Lutalice: Mjasoedov, Perov, Kramskoj
Urednici prve povelje umjetnika
Ge "Petar I ispituje carevića Al Petra u Monplaiziru u Peterhofu"
U Moskvi + „I. Grozni" Antokolsky
Tretjakov je kupio 11 od 47 slika
2 izložba 1873 - Kramskoj "Hrist u pustinji", Perov "Dostojevski"
1874. - Akademija umjetnosti je ponovo pokušala
Akademsko društvo je postojalo do 1883
Akademija umjetnosti pokušala je organizirati vlastite putujuće izložbe, ali nije uspjela
Polenov, Repin, Surikov, Savitsky, Yaroshenko + su došli u Wanderers
1880 (8. izložba) - Vasnjecov "Nakon bitke s Polovcima"
1881 (9. izložba) - Surikov "Jutro streljačkog pogubljenja"
1883. (11. izložba) - Repin "Povorka"
1884 - "Nisu očekivali" Repin
1885 - "Ivan Grozni"
1887 (15. izložba) - Surikov "Bojar Morozova"
1890 - Ge "Šta je istina"
1910 - Ruska avangarda (progovorio za 6 godina)
Problemi:
Dopuna u društvu
Odbor (čuvao hijerarhiju)
1894 - reforma Akademije umjetnosti
Lutalice dolaze na vlast (iniciran Al III)
Reforma Akademije umjetnosti 1894:
Reforma se sastojala u radikalnoj reviziji statuta Akademije i potpunoj obnovi sastava profesora. Glavni udar bio je usmjeren na sistem akademskih programa, protiv kojeg je 1863. godine izbila poznata pobuna trinaest takmičara. U početku se namjeravalo potpuno napustiti programe za putovanja u inostranstvo, ali su na kraju zadržani, dajući samo slobodu izbora tema. Akademija se pretvorila u najvišu umjetničku instituciju, zaduženu za svu državnu politiku u oblasti likovne umjetnosti. Njegova uloga u umjetnosti trebala je biti slična onoj Akademije nauka u naučnom polju. U okviru ove Akademije osnovana je Viša umjetnička škola. Zadržano je zvanje akademika, ukinuto je zvanje profesora u nekadašnjem značenju zvanja zasluga i zadržano je samo za nastavnike škole. Sastavljen je spisak novih akademika, koji je uključivao sve istaknute lutalice koji još nisu imali ovu titulu. Stari profesori podlijegali su otpuštanju "sa penzijom i uniformom", osim P. P. Čistjakova, a trebalo je pozvati nove osobe, također iz reda lutalica. Na rasporedu su bili: Rjepin, Surikov, V. Vasnjecov, Polenov, Prjanišnjikov, Vladimir Makovski, Kuindži, Šiškin, Kiseljev, konjanik i bojni slikar Kovalevski; pored toga, vajari Beklemišev i Zaleman, graver Mate. Surikov, Vasnjecov, Polenov i Prjanišnjikov kategorički su odbili da se presele iz Moskve u Sankt Peterburg, zbog čega su njihove kandidature odbačene, dok su ostali imenovani za profesore i dobili državne stanove i lične radionice na Akademiji. Nastava se dijelila na nižu i višu. Prva je svedena na dvije akademske klase - glavnu i punu, druga - na posebne radionice, čiji je uspješan završetak završavao pisanjem programske slike na vlastitu temu i, ako je uspješno, trogodišnjim putovanjem u inostranstvo. . Uništeni su gipsani razredi - glava i figura; crtao i pisao samo od živih sedišta. Ceo dan sam pisala, a uveče slikala. Sistem medalja je ukinut; date su samo kategorije za crteže i skice; oni koji su dobili najbolje od njih prebačeni su iz čelnika u punu, iz pune u radionice profesora-rukovoditelja. Ovi prelasci nisu bili vezani nikakvim rokovima, a akademiju je bilo moguće završiti za šest ili sedam godina i za dvije godine. Pored radova iz prirode, pristigli su i skici na vlastitu temu, za koje su također određene kategorije. Uspješne skice bile su od velike važnosti u prijevodima. Uz ove časove iz prakse crtanja i slikanja, program je uključivao i kurseve istorije umetnosti, perspektive, anatomije itd. P.
Konačno, 1894. godine izvršena je reforma. Njegovi aktivni pristalice i vodiči - Repin, Kuindzhi, Shishkin, V. Makovski su došli na Akademiju kao nastavnici. Reforma se zasnivala na progresivnoj ideji da Akademija postane ne samo škola izvrsnosti, već i škola kreativnosti. Novi profesori - voditelji radionica, kako se pretpostavljalo, prije svega treba da doprinesu razvoju kreativne individualnosti učenika. Odlučeno je da se studentima pruži veća sloboda kreativnog traženja, da im se da više vremena za samostalan rad. Da bi se to postiglo, skraćeno je trajanje akademske godine, koja se od sada završavala ne u oktobru, kao ranije, već u aprilu. Nešto je promijenjeno u samom sistemu obuke. Kako bi se aktivnije razvijala kreativna individualnost učenika, na primjer, ukinut je razred gipsanih figura za slikare, ostavljen je samo za arhitekte. Ukinut je i sistem takmičarskih ispita za zlatnu medalju sa zajedničkom, obaveznom temom za sve. Umjesto toga, studenti su dobili pravo da napišu sliku za ispit na bilo koju slobodnu temu. Vođenje kreativnih studija prešlo je na vijeće profesora. Uključivao je umjetnike I. E. Repin, V. E. Makovski i A. I. Kuindzhi, vajara V. A. Beklemisheva i gravera V. V. Mate. Izabrano je šezdesetak redovnih članova Akademije umjetnosti. Među njima su bili umjetnici V.M. Vasnetsov, V.I. Surikov, V.D. Polenov, vajar M.M. art N.P.Kondakov, osnivač umjetničke galerije P.M.Tretyakov. Redovni članovi Akademije imali su pravo da prisustvuju sastancima Akademije i da učestvuju u raspravi o pitanjima koja se na njoj postavljaju. Titulu počasnog člana Akademije umjetnosti davali su uglavnom kolekcionari. Tako je, na primjer, naučnik P. P. Semenov-Tyan-Shansky, geograf, kolekcionar, senator, član Državnog vijeća, bio počasni član Akademije.
Žanr tokom perioda putovanja:
Od 1870-ih, posebnost žanra je da umjetnici teže detaljnom prikazu: razmjer slika se povećava
Učesnici: Kramskoy, Ge, Perov, Maksimov, Savitsky, Myasoedov, Yaroshenko, Makovski, Repin, Surikov, Savrasov, Shishkin, Kuindzhi i tako dalje.
Sedamdesetih godina progresivno demokratsko slikarstvo stiče javno priznanje. Ona ima svoje kritičare - I.N. Kramskoj i V.V. Stasov i njegov kolekcionar - P.M. Tretjakov. Došlo je vrijeme za procvat ruskog demokratskog realizma u drugoj polovini 19. vijeka. U to vrijeme, u središtu zvanične škole - Peterburške akademije umjetnosti - kuhala se i borba za pravo umjetnosti da se okrene stvarnom, stvarnom životu, što je rezultiralo takozvanom "pobunom 14". 1863. godine. Jedan broj diplomaca Akademije odbio je da napiše programsku sliku na jednu temu skandinavskog epa, kada je okolo toliko uzbudljivih modernih problema, i, ne dobivši dozvolu da slobodno biraju temu, napustili su Akademiju, osnivajući " Petersburg Artel umjetnika" (F. Žuravljev, A. Korzukhin, K Makovski, A. Morozov, A. Litovčenko i drugi). U Kramskoyjevom stanu na 17. redu Vasiljevskog ostrva, stvorili su nešto poput komune, slično onoj opisanoj u romanu Černiševskog, pod čijim je uticajem tada bila gotovo sva raznočinska inteligencija. "Artel" nije dugo trajao. I ubrzo su Moskva i Sankt Peterburg napredne umjetničke snage ujedinjene u Udruženje putujućih umjetničkih izložbi (1870). Ove izložbe su nazvane mobilnim jer su bile priređivane ne samo u Sankt Peterburgu i Moskvi, već i u provinciji (ponekad u 20 gradova tokom godine). Bilo je to kao "odlazak u narod" umjetnika. Partnerstvo je postojalo više od 50 godina (do 1923. godine). Svaka izložba bila je veliki događaj u životu provincijskog grada. Za razliku od Artela, Wanderersi su imali jasan ideološki program - da odražavaju život sa svim njegovim akutnim društvenim problemima, u svoj njegovoj aktuelnosti. Umetnost lutalica bila je izraz revolucionarnih demokratskih ideja u domaćoj umetničkoj kulturi druge polovine 19. veka. Svakodnevni žanr u najboljim djelima Lutalica je lišen svake anegdote. Društvena orijentacija i visoka građanska ideja izdvaja je u evropskom žanrovskom slikarstvu 19. stoljeća. Partnerstvo je stvoreno na inicijativu Mjasoedova, uz podršku Perova, Ge, Kramskoj, Savrasova, Šiškina, braće Makovski i niza drugih „članova osnivača“ koji su potpisali prvu povelju Partnerstva. Sedamdesetih i osamdesetih godina prošlog veka pridružuju im se mlađi umetnici, među kojima su Repin, Surikov, Vasnjecov, Jarošenko, Savicki, Kasatkin i dr. Od sredine 1980-ih na izložbama učestvuju Serov, Levitan i Polenov. Generacija "senior" Wanderera bila je uglavnom raznolika po društvenom statusu. Njegov pogled na svijet formiran je u atmosferi 60-ih godina. Ivan Nikolajevič Kramskoj (1837–1887), koji je 1863. takođe predvodio „pobunu 14, bio je vođa i teoretičar Lutalica, izuzetan organizator i izuzetan likovni kritičar. Za njega, kao i za njegovu braću u organizaciji, bila je karakteristična nepokolebljiva vjera, prije svega u vaspitnu moć umjetnosti, osmišljene da oblikuje građanske ideale pojedinca i moralno ih unaprijedi.
Čovek se vekovima divi savršenstvu i harmoniji sveta oko sebe. Trudio se da na platnu sagleda i uhvati svu ljepotu i posebnost životnih trenutaka. Mnogi umjetnici, pokušavajući da na platnu prenesu skladne kombinacije boja vidljivog svijeta, došli su do zaključka o postojanju određenih slikovnih principa i zakonitosti u prikazivanju forme, prostora, svjetlosnog materijala, harmonije boja koja se uočava u prirodi na ravni platna.
Istražujući slikarsko iskustvo velikih majstora prošlosti i sadašnjosti, ruski umjetnik i učitelj Nikolaj Petrovič Krimov je u svojoj teoriji najjednostavnije i najpristupačnije iznio osnovne zakone i principe realističkog slikarstva. Na primjer: „Trava sivog dana je zelena kao trava na sjenovitom mjestu po sunčanom danu. Senka na krovu sa dimnjaka po sunčanom danu je isti krov, samo što nije obasjan suncem, kao što se dešava po oblačnom danu. I ovaj zakon je, naravno, bio poznat svim velikim majstorima.
Realističko slikarstvo Krimov naziva umjetnošću "prenošenja stvarnog života na platno". O originalnosti umjetničkog jezika u slikarstvu, Krimov kaže: "Prava originalnost je rezultat iskrene želje da se kaže istina."
„U umjetnosti slikarstva, priroda ili izražajnost prirode moraju se prenijeti u istinitim odnosima u smislu svjetlosti i boje. Da biste to učinili, morate proučavati prirodu, pogledati izražajnost svega što nas okružuje. ..Vrubel je realista. Uzimao je sve boje i tonove za svoje fantastične prizore iz života, vjerno posmatrajući prirodu. Ali je prenosio tonove sa neživih predmeta (panj, kamen) na žive objekte - Demon, Pan. Dakle, možete raditi samo kada ste dobro savladali umjetnost slikanja.
Osnovni slikovni principi u realističkoj umjetnosti su zakoni boje i tona. Na njihovoj neodvojivoj interakciji, Krimov gradi čitavu svoju slikovnu teoriju. „U realističkom slikarstvu postoje dva glavna koncepta: boja i ton. Nemojte ih brkati Pojam boje uključuje koncept toplog i hladnog. U konceptu tona - koncept svjetla i tame. … U prostornom materijalnom štafelajnom slikarstvu, boja i ton su neodvojivi. Ne postoji izolirana boja. Boja koja je pogrešno uzeta u tonu više nije boja, već jednostavno boja i ne može prenijeti volumen materijala u prostoru. Boja se pojavljuje u kombinacijama, u slikovnim odnosima. Boja je duša slikarstva, njena lepota i ekspresivnost... Volumen i prostor se prenose tonom. U slikarstvu, kao i u muzici: sve mora biti usklađeno i harmonično, kao u dobrom orkestru.
Dominantni i temeljni zakon u slikarstvu je teorija tona. Krimov, proučavajući višestoljetno iskustvo najboljih majstora realističkog prikazivanja stvarnosti, zaključuje da „u realističkom slikarstvu ton igra glavnu, određujuću ulogu. Svi veliki realisti prošlosti pisali su tonom. Od najboljih ruskih umetnika navešću Repina, Levitana, Serova, Vrubela, Korovina, Arhipova. Ovdje još uvijek možete slomiti mnoga imena - titane renesanse, Rubensa, Rembrandta, Velasqueza, Barbizona i najbolje predstavnike impresionističkog trenda Monea, Degasa, Sisleya, Renoira.
„Pravi ton oslobađa umjetnika od obrade detalja, daje dubinu slici, postavlja objekte u prostor. Samo se takvo djelo može nazvati slikovitim, u kojem se pronalazi opći ton i ispravni odnosi između tonova pojedinih predmeta i dijelova slike.
Govorimo o razlici u tonu, kada se nijanse iste boje razlikuju jedna od druge po svom intenzitetu ili sjajnosti, ako su boje različite, ali im je sjaj jednak, onda su im tonovi isti. Ako je slika obojena različitim bojama,
Ali u jednom otvoru. Može se reći da je slika napisana u jednom tonu... Greška u tonu daje pogrešnu boju. Bez pravog tona nemoguće je istinito prenijeti opšte stanje prirode, prostora, materijala. Neke promjene u boji možda neće utjecati na ova tri osnovna elementa realistične slike... Boju je lakše vidjeti. Samo oko osobe nadarene za slikanje može suptilno uočiti razliku u tonovima, što znači da takva osoba ima više podataka da postane umjetnik. Dakle, muzičar, nadaren finim sluhom, čuje razliku manju od pola tona.
Zakoni jedinstvenosti boje, harmonije boja na slici zasnivaju se na opštem tonu slike. „U slici, kao iu muzici, uvek postoji određeni ton. Ovo je zakon." “Jedan umjetnik piše plavije sve što vidi, drugi – crveno, treći – sivo, ali vjernošću opšteg tona, svi su slikari.”
“Opšti ton je taj stepen tame, ta blistavost boja, kojoj je podređena cijela slika. Opšti ton sivog dana je jedan, a opšti ton sunčanog dana je drugi. U prostoriji je opšti ton opet drugačiji, a menja se i u zavisnosti od spoljašnjeg osvetljenja. Otuda raznolikost tonova, raznolikost skala na slikama velikih umjetnika. Uzmite Repinovu sliku "Povorka". Kakvo je sunce u njemu, kako je jako i zvučno. Uzmite malu sliku "Hapšenje propagande". Kako je tamna. Ima pocepanih listova papira. Koje pobele na podu, ispisane su ne krečom, već „mastilom“, ali ispalo je belo.
Kako slikati sliku tako da ispadne slikovita? Potrebno je pisati, uzimajući odnos, jedan predmet na drugi.
Nekako su mi dali jednog Holanđanina na restauraciju. Nebo je bilo plavo-plavo. Nekada se govorilo da je Rafael slikao nekim posebnim bojama, svetlijim, da su uopšte Talijani farbali plavo nebo tako divnim plavim bojama koje sada ne rade. I što pokušam da zatvorim rupu plavom bojom - nikako, ne ide. Ispada vrlo svijetlo i plavo. Onda sam počeo da tamnim i došao do umbera pomešanog sa zelenom bojom. Sve ostalo kod Holanđanina je bilo crvenkasto, crvenkasto, a oblaci su bili crvenkasti, a na ovoj pozadini je sumbrasto nebo izgledalo užasno plavo. Dakle, stari majstori nisu imali neke posebne boje.”
U prenošenju materijalnosti vidljivog svijeta, realističko slikarstvo se opet zasniva na kolortonskim odnosima. Za razliku od naturalističkog slikarstva.
„Slikarstvo je prenos u tonu (plus boja) vidljivog materijala.
Pravi slikar uopšte ne pokušava da napravi gvožđe na slici, ali zahvaljujući harmoniji tonova, i pronalaženju zajedničkog tona, zahvaljujući činjenici da svaki ton pada tačno na svoje mesto, rezultat je ispravna slika materijala.
Umjetnik uzima ton, namaže lice, haljinu, ali ispada da je haljina svilena, a lice tjelesno. Zato što je pravilno pogodio i ukupni ton, i boju, i ukupnu harmoniju boja. Zatim izlazi prema Delacroixu: "Daj mi prljavštinu, i ja ću napisati sunce"
„Prirodnjaci ne vide ton, ne bave se tonalnim zadacima. Ideal naturalizma je sledeći: uzmite mrtvu prirodu, uramite je i okačite kao sliku."
“Svi umjetnici su primijetili da što bliže nijanse objekata približe prirodi, to se materijal od kojeg je predmet napravljen bolje prenosi. I obrnuto, ako se te nijanse ne promatraju, materijal prenesenih objekata nestaje. Snijeg se pravi, ako pišeš zima, od kreča, svila od vune, tijelo od gume, čizme od gvožđa itd.
Ne dorada sitnih detalja, već pravi ton odlučuje o materijalu predmeta.
Vjernost opšteg tona i vjernost odnosa između pojedinačnih objekata na slici omogućava umjetniku da precizno prenese opće stanje prirode bez pretjeranih detalja, pravilno rasporedi predmete u prostoru, uvjerljivo prenese njihov materijal, odnosno prenese pravi život na platnu.
književnost:
Nikolaj Petrovič Krimov je umetnik i učitelj. Članci, uspomene. M.: Slika. Umjetnost, 1989
Slične informacije.
Akademizam- pravac u slikarstvu koji se pojavio u 17. veku. Akademizam je nastao kao rezultat razvoja klasične umjetnosti, klasicizma. Akademizam je slika zasnovana na tradiciji antičke umjetnosti i umjetnosti, ali naprednija, sistematizirana, s dobro razvijenom tehnikom izvođenja, posebnim pravilima za građenje kompozicije. Akademizam karakterizira idealizirana priroda, pompoznost i visoka tehnička vještina. U javnom shvaćanju akademizam je realistična slika visoke kvalitete i besprijekorne izvedbe, s nekim obilježjima klasicizma, koja izaziva osjećaj visokog estetskog užitka. Slike akademika su često vrlo tačne i pomno razrađene. Akademizam je usko povezan sa salonskom umjetnošću, koju karakterizira pažljivo proučavanje, besprijekorna usklađenost sa svim kanonima akademizma i klasicizma, virtuozna izvedba, ali se odlikuje površnim dizajnom.
Zahvaljujući posebnim tehnikama, tajnama kompozicije, kombinaciji boja, simboličkim elementima i tako dalje, radovi akademika najjasnije i najpotpunije izražavaju ovu ili onu scenu. U 19. veku akademizam je počeo da uključuje elemente romantizma i realizma. Najpoznatiji akademski umjetnici bili su: Karl Brjulov, Aleksandar Ivanov, mnogi umjetnici Udruženja putujućih umjetničkih izložbi, Jean Ingres, Alexander Cabanel, William Bouguereau, Paul Delaroche, Jean Gerome, Konstantin Makovski, Henryk Semiradsky i mnogi drugi. Danas se akademizam razvija, ali više nije tako čest. Ako je raniji akademizam tvrdio da je jedan od vodećih i dominantnih pravaca u likovnoj umjetnosti iz razloga što je najrazumljiviji masovnoj publici, onda moderni akademizam više ne zauzima ulogu koju je imala akademska umjetnost najvećih umjetnika prošlosti. . Savremeni akademski umetnici su: Ilja Glazunov, Aleksandar Šilov, Nikolaj Anohin, Sergej Smirnov, Ilja Kaverznjev, Nikolaj Tretjakov i drugi.
Jahačica - Karl Brjulov
Kleopatra - Aleksandar Kabanel
Bakarna zmija - Fedor Bruni
Palac dole - Jean Gerome
Polukrug - Paul Delaroche
Rođenje Venere - William Bouguereau
Detaljnije Kategorija: Različiti stilovi i trendovi u umetnosti i njihove karakteristike Objavljeno 27.06.2014 16:37 Pregleda: 4009Akademizam... Sama ova riječ izaziva duboko poštovanje i upućuje na ozbiljan razgovor.
I to je tačno: akademizam karakteriše uzvišenost tema, metafora, različitost i, donekle, čak i pompoznost.
Ovaj trend u evropskom slikarstvu XVII-XIX vijeka. nastala je na praćenju spoljašnjih oblika klasične umetnosti. Drugim riječima, ovo je ponovno promišljanje umjetničkih oblika antičkog antičkog svijeta i renesanse.
Paul Delaroche "Portret Petra I" (1838.)
U Francuskoj se kao predstavnici akademizma pominju Jean Ingres, Alexander Cabanel, William Bouguereau i dr. Ruski akademizam se posebno jasno manifestovao u prvoj polovini 19. veka. Karakterizirali su ga biblijski prizori, salonski pejzaži i svečani portreti. Radovi ruskih akademika (Fjodor Bruni, Aleksandar Ivanov, Karl Brjulov i drugi) odlikovali su se visokom tehničkom vještinom. Kao umjetnička metoda, akademizam je prisutan u radu većine članova Udruženja lutalica. Postupno, rusko akademsko slikarstvo počelo je da dobija karakteristike istorizma (princip posmatranja sveta u dinamici, u prirodno-istorijskom razvoju), tradicionalizma (svetonazor ili socio-filozofski pravac koji praktičnu mudrost izraženu u tradiciji stavlja iznad razuma) i realizma. .
I. Kaverznjev "Svetla nedelja"
Postoji i modernije tumačenje pojma "akademizam": ovo je naziv za rad umjetnika koji imaju sistematsko umjetničko obrazovanje i klasične vještine u stvaranju djela visokog tehničkog nivoa. Termin "akademizam" sada se više odnosi na karakteristike kompozicije i tehnike izvođenja, ali ne i na fabulu umjetničkog djela.
N. Anokhin "Cveće na klaviru"
U savremenom svijetu, interesovanje za akademsko slikarstvo je značajno poraslo. Što se tiče savremenih umjetnika, crte akademizma prisutne su u radu mnogih od njih: Aleksandra Šilova, Nikolaja Anohina, Sergeja Smirnova, Ilje Kaverznjeva, Nikolaja Tretjakova i, naravno, Ilje Glazunova.
A sada hajde da pričamo o nekim predstavnicima akademizma.
Paul Delaroche (1797-1856)
Poznati francuski istorijski slikar. Rođen u Parizu i razvio se u umjetničkoj atmosferi među ljudima bliskim umjetnosti. Kao umjetnik, u početku se pokazao u pejzažnom slikarstvu, a potom se zainteresirao za istorijske teme. Tada se pridružio novim idejama šefa romantične škole Eugenea Delacroixa. Bistrog uma i suptilnog estetskog smisla, Delaroche nikada nije preuveličavao dramatičnost prikazanih scena, nije volio pretjerane efekte, duboko je razmišljao o svojim kompozicijama i pametno koristio tehnička sredstva. Njegove slike povijesnih tema bile su jednoglasno hvaljene od strane kritičara, a ubrzo su postale popularne zahvaljujući objavljivanju u gravurama i litografijama.
P. Delaroche "Pogubljenje Jane Grey" (1833.)
P. Delaroche "Pogubljenje Jane Grey" (1833). Ulje na platnu, 246x297 cm London National Gallery
Istorijska slika Paula Delarochea, prvi put izložena na Pariskom salonu 1834. Slika, koja se smatrala izgubljenom skoro pola vijeka, vraćena je javnosti 1975. godine.
Parcela: 12. februara 1554. godine engleska kraljica Marija Tjudor pogubila je pretendenticu zatočenu u Toweru, „kraljicu devet dana“ Džejn Grej i njenog muža Gilforda Dadlija. Ujutro je Guildford Dudley javno odrubljen, a zatim u dvorištu u blizini zidova crkve sv. Peteru je odrubila glavu Jane Grey.
Postoji legenda da je Jane prije pogubljenja bilo dozvoljeno da se obrati uskom krugu prisutnih i podijeli stvari koje su joj ostale svojim pratiocima. Zavezanih očiju izgubila je orijentaciju i nije mogla sama da pronađe put do bloka za sečenje: „Šta da radim sada? Gdje je ona [skela]? Niko od pratilaca nije prišao Džejn, a nasumična osoba iz gomile ju je odvela do bloka za sečenje.
Ovaj trenutak slabosti bliske smrti uhvaćen je na Delarocheovoj slici. Ali on je namjerno odstupio od dobro poznatih povijesnih okolnosti pogubljenja, prikazujući ne dvorište, već sumornu tamnicu Kule. Jane je obučena u bijelo, iako je u stvarnosti nosila jednostavnu crnu odjeću.
Paul Delaroche "Portret Henriette Sontag" (1831), Ermitaž
Delaroche je slikao prekrasne portrete i svojim kistom ovjekovječio mnoge istaknute ljude svoje epohe: Papu Grgura XVI, Guizoa, Thiersa, Changarniera, Remusa, Pourtalesa, pjevačicu Sontag i dr. Najbolji od njegovih savremenih gravera smatrali su laskavim reprodukciju njegovih slika i portreti.
Aleksandar Andrejevič Ivanov (1806-1858)
S. Postnikov "Portret A. A. Ivanova"
Ruski umjetnik, tvorac djela na biblijske i antičke mitološke teme, predstavnik akademizma, autor grandioznog platna „Pojavljivanje Hrista narodu“.
Rođen u porodici umjetnika. Studirao je na Carskoj akademiji umjetnosti uz podršku Društva za podsticanje umjetnika pod vodstvom svog oca, profesora slikarstva Andreja Ivanoviča Ivanova. Za uspjeh u crtanju dobio je dvije srebrne medalje, 1824. godine dobio je malu zlatnu medalju za sliku “Prijam traži od Ahila Hektorovo tijelo”, napisanu po programu, a 1827. godine dobio je veliku zlatnu medalju i zvanje umjetnika XIV klase za još jednu sliku o biblijskoj priči. Usavršavao se u Italiji.
Najvažnije djelo svog života - sliku "Pojava Hrista ljudima" - umjetnik je pisao 20 godina.
A. Ivanov "Pojavljivanje Hrista narodu" (1836-1857)
A. Ivanov "Pojavljivanje Hrista narodu" (1836-1857). Ulje na platnu, 540x750 cm Državna Tretjakovska galerija
Umjetnik je radio na slici u Italiji. Za nju je izveo preko 600 studija iz prirode. Poznati ljubitelj umjetnosti i filantrop Pavel Mihajlovič Tretjakov nabavio je skice, jer. samu sliku bilo je nemoguće nabaviti - naslikana je po narudžbi Akademije umjetnosti i već je, takoreći, kupljena od nje.
Parcela: na osnovu trećeg poglavlja Jevanđelja po Mateju. Na prvom planu, najbliže gledaocu, prikazana je gomila Jevreja koja je došla na Jordan nakon proroka Jovana Krstitelja da operu grehe prošlog života u vodama reke. Prorok je odjeven u požutjelu kamilju kožu i svijetli ogrtač od grube tkanine. Bujna duga kosa i gusta brada uokviruju njegovo blijedo, mršavo lice sa blago upalim očima. Visoko čisto čelo, čvrst i inteligentan pogled, hrabra, snažna figura, mišićave ruke i noge - sve u njemu otkriva izuzetnu intelektualnu i fizičku snagu, inspirisanu asketskim životom pustinjaka. U jednoj ruci drži krst, a drugom pokazuje ljudima na usamljeni Hristov lik, koji se već pojavio u daljini na kamenom putu. John objašnjava publici da im hodajuća osoba donosi novu istinu, novu dogmu.
Jedna od centralnih slika ovog djela je Jovan Krstitelj. Krista gledatelj i dalje percipira u općim konturama njegove figure, mirno i veličanstveno. Kristovo lice se može vidjeti samo uz malo truda. Ivanov lik je u prvom planu slike i dominira. Njegov nadahnuti izgled, pun stroge ljepote, herojski karakter stoje u suprotnosti sa ženstvenim i gracioznim Jovanom Bogoslovom koji stoji pored njega, daju ideju o proroku - glasniku istine.
Jovan je okružen gomilom ljudi, šarolikih po svom društvenom karakteru i koji različito reaguju na reči proroka. Iza Jovana Krstitelja stoje apostoli, budući učenici i sledbenici Hristovi: mladi, crvenokosi, temperamentni Jovan Bogoslov u žutoj tunici i crvenom ogrtaču, i sedobradi Andrija Prvozvani, umotan u maslinasti ogrtač. . Pored njih je “sumnjivac”, nepovjerljiv u ono što prorok kaže. Prije Jovana Krstitelja - grupa ljudi. Neki željno slušaju njegove riječi, drugi gledaju u Krista. Ovdje je lutalica, i slab starac, i neki ljudi, uplašeni Ivanovim riječima, možda predstavnici jevrejske administracije.
Kod nogu Jovana Krstitelja - sedi na zemlji, na prekrivačima, bogati starac i njegov rob, čuče pored njega - žut, mršav, sa konopcem oko vrata. Ideja umjetnika o moralnom preporodu čovjeka je u ovoj slici ponižene osobe koja je prvi put čula riječi nade i utjehe.
U desnom dijelu prednjeg plana slike, vitak, zgodan polugoli mladić, vjerovatno iz imućne porodice, odbacuje svoje veličanstvene uvojke sa lica, gleda u Hrista. Pored zgodnog polugolog mladića je dječak i njegov otac, "drhte". Upravo su se okupali i sada uzbuđeno slušaju Džona. Njihova pohlepna pažnja simbolizira spremnost da prihvate novu istinu, novo učenje. Iza grupe crvenokose omladine i "drhtećih" ističu se jevrejski prvosveštenici i pisari, neprijateljski raspoloženi prema Jovanovim rečima, pristalice zvanične religije. Na njihovim licima su različita osjećanja: nepovjerenje i neprijateljstvo, ravnodušnost, jasno izražena mržnja prema crvenom starcu debelog nosa, prikazanom u profilu. Dalje u gomili su pokajnik u tamnocrvenom ogrtaču, nekoliko žena i rimskih vojnika koje je uprava poslala da održavaju red. Okolo je vidljiva stjenovita obalna ravnica. U dubini - grad, na horizontu - masa plavih planina i iznad njih vedro plavo nebo.
Ilja Sergejevič Glazunov (r. 1930.)
Sovjetski i ruski slikar, učitelj. Osnivač i rektor Ruske akademije za slikarstvo, vajarstvo i arhitekturu I. S. Glazunova. akademik.
Rođen u Lenjingradu u porodici istoričara. Preživio je blokadu Lenjingrada, a umrli su mu otac, majka, baka i druga rodbina. U dobi od 12 godina izveden je iz opkoljenog grada preko Ladoge "putem života". Nakon što je blokada ukinuta 1944. godine, vratio se u Lenjingrad. Studirao je u Lenjingradskoj srednjoj umjetničkoj školi, na LIZhSA nazvanoj I. E. Repin kod narodnog umjetnika SSSR-a, profesora B. V. Iogansona.
Godine 1957. održana je prva izložba Glazunovljevih radova u Centralnom domu umetnika u Moskvi, koja je doživela veliki uspeh.
I. Glazunov "Nina" (1955)
Od 1978. predaje na Moskovskom umjetničkom institutu. Godine 1981. organizirao je i postao direktor Svesaveznog muzeja dekorativne, primijenjene i narodne umjetnosti u Moskvi. Od 1987. - rektor Sveruske akademije za slikarstvo, skulpturu i arhitekturu.
Njegove rane slike iz sredine 1950-ih - ranih 1960-ih. izvode se na akademski način i odlikuju se psihologizmom i emocionalnošću. Ponekad je primetan uticaj francuskih i ruskih impresionista i zapadnoevropskog ekspresionizma: Lenjingradsko proleće, Ada, Nina, Poslednji autobus, 1937, Dva, Samoća, Metro, Pijanista Dranišnjikov, „Đordano Bruno“.
Autor niza grafičkih radova posvećenih životu modernog grada: "Dva", "Split", "Ljubav".
Autor slike "Misterija 20. veka" (1978). Slika predstavlja najistaknutije događaje i heroje prošlog veka sa njegovom borbom ideja, ratovima i katastrofama.
Autor platna "Vječna Rusija", koji prikazuje istoriju i kulturu Rusije dugu 1000 godina (1988).
I. Glazunov "Vječna Rusija" (1988)
I. Glazunov "Vječna Rusija" (1988.). Ulje na platnu, 300x600
Na jednoj slici - cela istorija Rusije. Svjetska umjetnost ne poznaje takav primjer. Slika "Vječna Rusija" može se nazvati udžbenikom ruske istorije u njenoj pravoj veličini, pjesmom u slavu Rusije.
Glazunov je bio autor grafičkih stilizovanih dela posvećenih ruskoj antici: ciklusa "Rus" (1956), "Kulikovo polje" (1980) itd.
Autor serije ilustracija glavnih dela F. M. Dostojevskog.
Autor panela "Doprinos naroda Sovjetskog Saveza svjetskoj kulturi i civilizaciji" (1980), zgrada UNESCO-a, Pariz.
Napravio je seriju portreta sovjetskih i stranih političkih i javnih ličnosti, pisaca, umjetnika: Salvadora Aljendea, Indire Gandhi, Urha Kekkonena, Federika Felinija, Davida Alfara Siqueirosa, Gine Lollobrigide, Maria del Monaka, Domenico Modugnoa, Innokentyja Sekmoutanovskoga, , Leonid Brežnjev, Nikolaj Ščelokov i drugi.
I. Glazunov "Portret pisca Valentina Rasputina" (1987)
Autor serije radova "Vijetnam", "Čile" i "Nikaragva".
Pozorišni umjetnik: dizajnirao je nacrt za predstave opera Priča o nevidljivom gradu Kitežu i Devojka Fevronija N. Rimskog-Korsakova u Boljšoj teatru, Knez Igor A. Borodina i Pikova dama P. Čajkovskog u Berlinskoj operi, za balet Maskarada » A. Hačaturjan u Odesskoj operi itd.
Kreirao unutrašnjost sovjetske ambasade u Madridu.
Učestvovao je u restauraciji i rekonstrukciji zgrada Moskovskog Kremlja, uključujući Veliku kremaljsku palatu.
Autor novih platna „Razvlašćenje“, „Izgon trgovaca iz hrama“, „Poslednji ratnik“, novih pejzažnih skica iz života u ulju, rađenih u slobodnoj tehnici; lirski autoportret umjetnika "I opet proljeće".
I. Glazunov "Povratak izgubljenog sina" (1977)
Sergej Ivanovič Smirnov (r. 1954.)
Rođen u Lenjingradu. Diplomirao je na Moskovskom državnom akademskom umjetničkom institutu po V. I. Surikovu i trenutno predaje slikarstvo i kompoziciju na ovom institutu. Glavne teme radova su urbani pejzaži Moskve, ruski praznici i život s početka 20. veka, pejzaži Moskovske oblasti i ruskog severa.
S. Smirnov "Vode i zvona" (1986). Papir, akvarel
Član je Udruženja umjetnika ruskog svijeta, koje objedinjuje savremene predstavnike klasičnog pravca ruskog slikarstva, koji nastavljaju i razvijaju tradiciju akademizma.
S. Smirnov "Bogojavljenski mrazevi"
Koji zadatak postavljaju savremeni akademski umjetnici? Jedan od njih, Nikolaj Anokhin, odgovorio je na ovo pitanje: „Glavni zadatak je shvatiti najviši božanski sklad, pratiti ruku Stvoritelja svemira. To je ono što je lijepo: dubina, ljepota, možda ne blista uvijek vanjskim efektom, ali ono što je, zapravo, prava estetika. Nastojimo da razvijemo i shvatimo zanatsko umeće i majstorstvo oblika koje su imali naši prethodnici.”
N. Anokhin "U staroj kući Rakitina" (1998)
U slikarstvu Italije na prijelazu XVI-XVII vijeka. postoje dva glavna umjetnička pravca: jedan je povezan s radom braće Carracci i dobio je naziv "bolonjski akademizam", drugi - s umjetnošću jednog od najvećih umjetnika Italije u 17. stoljeću. Caravaggio.
Bolonjski akademizam- pravac koji je nastao krajem 16. veka. i uzeo u XVII veku. značajno mesto u italijanskom slikarstvu. Stavovi prema njenim predstavnicima su se vremenom mijenjali. Savremenici su akademike smatrali izuzetnim majstorima, ali su vek kasnije potpuno zaboravljeni, a u 19. veku. optužen za oponašanje slabosti renesansnog slikarstva.
“Akademija onih koji su stupili na pravi put” naziv je male privatne radionice koju su u Bolonji 1585. godine stvorili rođaci umjetnika Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) i Annibale (1560-1609). ) Carracci. Otuda i naziv - "bolonjski akademizam". Željeli su da obrazuju majstore koji će imati pravu predstavu o ljepoti i biti sposobni da ožive umjetnost slikarstva, koja je, po njihovom mišljenju, propala.
Ovo gledište je bilo dobro utemeljeno. U drugoj polovini XVI veka. Slikari su bili pod velikim utjecajem teoretičara manirizma, trenda koji se pojavio u umjetnosti Italije još 1920-ih i 1930-ih godina. Tvrdili su da ne postoje umjetnički ideali koji su zajednički za sve. Umjetnik stvara svoja djela na osnovu božanskog nadahnuća, po svojoj prirodi spontan, nepredvidiv i neograničen zanatskim pravilima. Boje ne mogu prenijeti punoću i suptilnost plana koji je Bog stavio u dušu umjetnika, pa je stoga nemoguće suditi o vrijednosti slike po njenom tehničkom izvođenju. Obuka majstorstva nije se smatrala tako velikom stvari.
Akademija se usprotivila ovim stavovima. Postoji vječni ideal ljepote, rekla su braća Carracci, on je oličen u umjetnosti antike, renesanse, a prije svega u Rafaelovom djelu. Na akademiji je fokus bio na stalnom vježbanju tehničke vještine. Prema braći Carracci, njegov nivo nije zavisio samo od spretnosti kista, već i od obrazovanja i oštrine intelekta, pa su se u njihovom programu pojavili teorijski predmeti: istorija, mitologija i anatomija.
Principi Bolonjske akademije, koja je bila prototip svih evropskih akademija budućnosti, mogu se pratiti u radu najtalentovanije braće - Annibalea Carraccia (1560-1609). Carracci je pažljivo proučavao i proučavao prirodu. Smatrao je da je priroda nesavršena i da je treba preobraziti, oplemeniti kako bi postala dostojan predmet prikazivanja u skladu s klasičnim normama. Otuda neizbežna apstrakcija, retorika Karačijevih slika, patos umesto istinskog herojstva i lepote. Carraccijeva umjetnost se pokazala vrlo pravovremenom, u skladu sa duhom zvanične ideologije, te je brzo prepoznata i raširena.
Braća Carracci su majstori monumentalnog i dekorativnog slikarstva. Jedno od prvih radova bolonjskih akademika i njihovo najpoznatije djelo izradili su Annibale i Agostino Carracci i nekoliko studenata 1597-1604. - slika galerije Palazzo Farnese u Rimu na teme Ovidijevih "Metamorfoza" u Palazzo Farnese u Rimu. U njihovom dizajnu osjeća se snažan utjecaj Mikelanđelovog monumentalnog slikarstva. Međutim, za razliku od njega, braća Carracci su na prvom mjestu apstraktna ljepota slikarstva - ispravnost crteža, balans kolornih mrlja, jasna kompozicija. Savršenstvo forme ih je zaokupljalo mnogo više od sadržaja. Annibale Carracci je također tvorac takozvanog herojskog pejzaža, odnosno idealiziranog, izmišljenog pejzaža, jer je priroda, kao i čovjek (po Bolonjezu), nesavršena, gruba i zahtijeva prefinjenost da bi bila predstavljena u umjetnosti. Ovo je pejzaž raspoređen uz pomoć zavjesa u dubinu, s uravnoteženim masama drveća i gotovo obaveznom ruševinom, s malim figurama ljudi koji služe samo kao osoblje da se naglasi veličina prirode. Boja Bolonjeza je isto tako uslovna: tamne sjene, lokalne boje jasno raspoređene prema shemi, svjetlost koja klizi kroz volumene.
Na prijelazu XVI-XVII stoljeća, bolonjski slikar Annibale Carracci (1560. - 1609.), kao i Karavađo, postao je reformator italijanskog slikarstva. Za razliku od lombardskog buntovnika, bio je revni čuvar starih kulturnih tradicija antike i renesanse, bio je dvorski slikar kardinala Odoarda Farnesea, bio je briljantan dekorater koji je stvarao freske uz štafelajne radove. Na različite načine, i jedni i drugi imali su veliki uticaj na slikarstvo, ne samo italijanske, već i druge umetničke škole koje su se formirale u 17. veku.
Radovi Annibalea Carraccia prenose novi odnos prema nacionalnoj tradiciji, koji je umjetniku postao neophodan, kada se na kraju renesansnog stila rađa drugačiji osjećaj za prirodu i povijest. Zadatak nove inkarnacije stvarnosti bio je akutan za Carraccia, kao i za Caravaggia. Ali njegov uzdignut, a ne slobodan i duhovno opušten, poput langobardskog, odnos prema prošlosti, prema tradiciji poprima karakter ideala, koji umjetnik nastoji oponašati. Prirodnost i idealizacija, stvarnost i mit isprepleteni su u Annibaleovoj umjetnosti. I ovaj princip korelacije prirode s idealom, intelektualno prilagođavanje stvarne slike činit će osnovu aktivnosti majstora stila klasicizma, u čijem je ishodištu bila umjetnost Annibale Carracci.
Annibale je bio najdarovitiji slikar među trojicom braće Carracci. Slikarstvo je učio kod svog rođaka Lodovika (1555 - 1619), graviranje - kod brata Agostina (1557 - 1602). Putovao je po gradovima Italije, posjećujući Veneciju, Parmu, možda i Firencu, a od 1582. godine radio je u Bolonji. Iste godine braća Carracci ovdje osnivaju "Akademiju onih koji su stupili na pravi put" - jednu od slikarskih akademija koja je postojala u Italiji od kraja 16. vijeka. Sa njegovih zidova izašli su poznati majstori bolonjske škole kao što su Guercino, Domenichino, G. Reni, J. Lanfranco. Principi obrazovanja, kao i na svim akademijama, zasnivali su se na kopiranju starih italijanskih majstora, proučavanju prirode, na podređivanju posljednje ideje selekcije, odnosno korelacije s nekim idealnim uzorcima koji su oličavali najviša dostignuća majstora 16. veka. Međutim, ova metoda utjelovljenja prirode nije značila eklektičnu kombinaciju pojedinačnih elemenata posuđenih od različitih umjetnika, nije umanjila poetske zasluge slike svakog od braće, a posebno Annibalea. Tragičnu ulogu u kasnijoj ocjeni aktivnosti braće Carracci odigrao je lažni biograf Malvasije, koji je sonet koji je on sastavio pripisao Agostinu i pisma Annibali, u kojima je metoda braće predstavljena kao eklektična, na osnovu teorije selekcije. To je dugo otežavalo otkrivanje prave vrijednosti postizanja sinteze stvarnosti i ideala Annibalea.
U bolonjskom periodu (1582-1594) nastale su oltarne slike, slike mitološkog sadržaja, pejzaži, portreti i nekoliko slika prizora stvarnosti. Ljepota idiličnog svijeta s mitološkim likovima uronjenim u okolinu obavijenu nježnom izmaglicom svjetlosti i zraka dočarana je slikama iz 1590-ih “Adonis pronalazi Veneru” (1595., Beč, Muzej istorije umjetnosti) i “Bakhanta s Kupidonom i dvojicom Satiri” (Firenca, Galerija Ufici). Slike božanstava, u korelaciji sa antičkom plastikom i renesansnim slikarstvom kao svojevrsnom kulturnom tradicijom prošlosti, utjelovljuju elementarnu senzualnu punoću života. To je olakšano energijom boja platna, jarkim hladnim blistavim bojama Annibaleove bolonjeske palete.
Drugačiji, ne oplemenjeni i hedonistički, ali grubi svijet stvarnosti Annibale prikazuje na slici "Mesanica" (početke 1580-ih, Oksford, Christ Church). Mesni leševi ispisani intenzivno crvenom bojom, uobičajeni tip ljudi koji rade u mesnici, međutim, ne izazivaju osjećaj zastrašujućeg brutalnog naturalizma. Pisanje takvih "pijačnih scena" bilo je uobičajeno među majstorima sjeverne Italije.
Groteskna strana Annibaleovog talenta razotkrivena je u njegovim portretnim tipovima "Žedac graha" (početke 1580-ih, Rim, galerija Colonna), "Mladić s majmunom" (kraj 1580-ih, Firenca, galerija Uffizi). Annibale bilježi sve što ne odgovara idealu, naglašavajući grubost, inferiornost, karakterističnu prirodu, prenoseći to istinito, bez korelacije s umjetničkim idealima. Bogatstvo neočekivanih veza sa konkretnim životnim situacijama ispoljilo se u Annibaleovim autoportretima: „Autoportret sa Antonijevim nećakom“ (Milano, Brera Pinakoteka), „Autoportret na paleti“ (1590-te, Sankt Peterburg, Državni muzej Ermitaž ; ponavljanje - 1595 ?, Firenca, galerija Uffizi), otkrivajući svoje veliko zanimanje za prirodu.
Ideal i priroda pojavljuju se u pomirenoj visokoj harmoniji u delima Pejzaž sa bekstvom u Egipat (oko 1603, Rim, Galerija Doria Pamphilj) i Ostatak Svete porodice u bekstvu u Egipat (oko 1600, Sankt Peterburg, Državni muzej Ermitaž ). ). Panorame koje reproduciraju ogromnu univerzalnu sliku svijeta s idealnom prirodom - brda, klisure, dvorci, vidljivi u daljini uz rijeku i more - uključuju pojedinačne, komorno zvučne figure svetaca, pastira, lađara, krda životinja . Ovaj idealni kosmički svijet i konkretni svijet su spojeni plastično i emocionalno, stvarajući osjećaj tihog idiličnog toka života. Annibale Carracci postao je tvorac klasične, takozvane herojske, slike prirode.
A istovremeno, na platnima je opipljiv osjećaj akademske hladnoće u percepciji klasičnog naslijeđa („Kamo dolaziš?”, oko 1600, London, Nacionalna galerija) i „Herkules na raskršću” (Napulj , Galerija Capodimonte) s velikim, skulpturalnim figurama biblijskih i mitoloških likova.
Murali u galeriji kardinala Farnesea bili su najznačajnije djelo rimskog perioda (1595-1609). Program murala za svod, završne zidove i lunete izradio je kardinal Agukči i inspirisan Ovidijevim Metamorfozama. Pred publikom se otvara prostor u kojem se pomiču granice između iluzije i stvarnosti. Prijelazi od uokvirenih slika u iluzornu arhitektonsku dekoraciju zida su kontinuirani, mijenjajući omjer "stvarnog" i "iluzornog", mijenjajući uloge stvarnosti i dekoracije. Dinamičan pokret prožima dekorativni ritam slika. A princip spontanog, kao nekontrolisanog toka ovog pokreta, koji dosledno sprovodi Annibale, anticipira principe monumentalnog baroknog slikarstva. Svijet ljepote i ljubavi, rekreiran umjetnikovom maštom, diše hedonističkom senzualnošću - od prikazanih prodora na otvoreno nebo u uglovima hodnika, kao da je raspršen zrakom i obasjan suncem, dajući blistavu tupost. do jarkih zasićenih boja. "Idealno" i "stvarno" u svojoj neodvojivoj sintezi ponovo dobijaju inspirativni zvuk u ovoj slici.
Tragične teme sahrane i oplakivanja Krista, potopa, pogubljenja svetaca uzbuđuju umjetnika u njegovom kasnijem stvaralaštvu. Pieta Farnese (1599-1600, Napulj, Galerija Capodimonte) napisana je za kardinalovu porodicu. Apel na tradicionalnu ikonografsku shemu nije spriječio Annibalea da ispuni scenu duboko istinitim osjećajima; dajući prizoru patetiku, iskreno prenesu tugu Marijinu, podržavajući telo Hristovo.
Među prvom generacijom diplomaca akademije posebno su bili popularni Guido Reni (1575-1642), Domenichino (pravo ime Domenico Zampieri, 1581 - 1641) i Guercino (pravo ime Francesco Barbieri, 1591 - 1666). Radove ovih slikara odlikuje visok nivo tehnologije, ali istovremeno i emocionalna hladnoća, površno čitanje radnji. Ipak, svaki od njih ima zanimljive karakteristike.
Tako na Domenichinovoj slici Posljednja pričest svetog Jeronima (1614.) vrlo ekspresivan pejzaž privlači gledatelja mnogo više od glavne radnje, pompezan i preopterećen detaljima.
"Aurora" (1621 - 1623), Guercinov plafon u rimskoj vili Ludovisi, zadivljuje gledaoca energijom koja oduzima dah kojom se boginja zore kreće na kolima i drugim likovima. Guercinovi crteži su zanimljivi, po pravilu su rađeni olovkom sa laganim pranjem četkom. U ovim kompozicijama virtuoznost tehnike više nije postala zanat, već visoka umjetnost.
Posebno mjesto među akademicima zauzima Salvator Rosa (1615-1673). Njegovi pejzaži nemaju nikakve veze sa prelepom antikom. Obično su to slike gustih šumskih šikara, usamljenih stijena, pustinjskih ravnica sa napuštenim ruševinama. Ovde su svakako prisutni ljudi: vojnici, skitnice, posebno razbojnici (u Italiji u 17. veku razbojničke bande su ponekad držale gradove i čitave pokrajine u strahu). Pljačkaš u Rosinim djelima simbolizira prisustvo u prirodi neke vrste mračne, elementarne sile. Uticaj akademskih tradicija se manifestuje u jasnoj, uređenoj kompoziciji, u nastojanju da se „oplemeni“ i „ispravi“ priroda.
Uz svu svoju nedosljednost, bolonjski akademici odigrali su vrlo važnu ulogu u razvoju slikarstva. Principi umjetničkog obrazovanja koje su razvila braća Carracci činili su osnovu akademskog sistema obrazovanja koji postoji i danas.