Jedan od glavnih trendova u avangardnoj umjetnosti. Glavni princip apstraktne umjetnosti je odbijanje oponašanja vidljive stvarnosti i rada sa njenim elementima u procesu stvaranja djela. Predmet umjetnosti umjesto stvarnosti okolnog svijeta postaje oruđe umjetničkog stvaralaštva - boja, linija, forma. Zaplet je zamijenjen plastičnom idejom. Uloga asocijativnog principa u umjetničkom procesu se višestruko povećava, a također postaje moguće izraziti osjećaje i raspoloženja stvaraoca u apstraktnim slikama, očišćenim od vanjske ljuske, koje su u stanju koncentrirati duhovno načelo pojava i biti njegovi nosioci (teorijski radovi V.V. Kandinskog).
Slučajni elementi apstrakcije mogu se prepoznati u svjetskoj umjetnosti kroz njen razvoj, počevši od kamenih slika. Ali porijeklo ovog stila treba tražiti u slikarstvu impresionista, koji su pokušali da razlože boju na zasebne elemente. Fovizam je svjesno razvio ovaj trend, "otkrivajući" boju, naglašavajući njenu neovisnost i čineći je objektom slike. Od fovista, Franz Marc i Henri Matisse su bili najbliži apstrakciji (njegove riječi su simptomatične: "sva umjetnost je apstraktna"), francuski kubisti (posebno Albert Gleizes i Jean Metzinger) i talijanski futuristi (Giacomo Balla i Gino Severini) su također krenuli dalje. ovaj put.. Ali niko od njih nije mogao ili nije hteo da prevaziđe granicu figurativnosti. “Priznajemo, međutim, da neki podsjetnici na postojeće forme ne bi trebali biti potpuno odbačeni, barem u ovom trenutku” (A. Glaze, J. Metzinger. O kubizmu. St. Petersburg, 1913, str. 14).
Prvi apstraktni radovi pojavili su se krajem 1900-ih - početkom 1910-ih u djelu Kandinskog dok je radio na tekstu "O duhovnom u umjetnosti", a njegova "Slika sa krugom" (1911. NMG) smatra se prvom apstraktnom slikom. U ovom trenutku on kaže:<...>samo taj oblik je ispravan, koji<...>materijalizira sadržaj u skladu s tim. Sve vrste sekundarnih razmatranja, a među njima i korespondencija oblika sa takozvanom "prirodom", tj. vanjske prirode, beznačajni su i štetni, jer odvlače pažnju od jedinog zadatka forme – oličenja sadržaja. Forma je materijalni izraz apstraktnog sadržaja” (Sadržaj i forma. 1910. // Kandinsky 2001. Vol. 1. P. 84).
U ranoj fazi, apstraktna umjetnost u ličnosti Kandinskog apsolutizirala je boju. U proučavanju boje, praktičnom i teoretskom, Kandinski je razvio doktrinu boje Johanna Wolfganga Goethea i postavio temelje za teoriju boje u slikarstvu (od ruskih umjetnika bojom su se bavili M.V. Matjušin, G.G. Klutsis, I.V. Klyun i drugi teorija).
U Rusiji su 1912-1915 stvoreni apstraktni slikarski sistemi luchizma (M.F. Larionov, 1912) i suprematizma (K.S. Malevich, 1915), koji su u velikoj mjeri odredili dalju evoluciju apstraktne umjetnosti. Približavanje apstraktnoj umjetnosti nalazi se u kubofuturizmu i alogizmu. Proboj u apstrakciju bila je slika N.S. Gončarove "Praznina" (1914. Državna Tretjakovska galerija), ali ova tema nije našla daljnji razvoj u umjetnikovom radu. Još jedan neostvareni aspekt ruske apstrakcije je slikarstvo u boji O.V. Rozanove (vidi: Neobjektivna umjetnost).
Čeh František Kupka, Francuzi Robert Delaunay i Jacques Villon, Holanđanin Piet Mondrian, Amerikanci Stanton McDonald-Wright i Morgan Russell išli su svojim vlastitim putevima do slikovne apstrakcije u istim godinama. Kontrareljefi V. E. Tatlina (1914) bili su prve apstraktne prostorne konstrukcije.
Odbacivanje izomorfizma i pozivanje na duhovni princip dali su razlog da se apstraktna umjetnost poveže s teozofijom, antropozofijom, pa čak i okultizmom. Ali sami umjetnici nisu izrazili takve ideje u prvim fazama razvoja apstraktne umjetnosti.
Nakon Prvog svjetskog rata apstraktno slikarstvo postepeno zauzima dominantnu poziciju u Evropi i postaje univerzalna umjetnička ideologija. Ovo je snažan umjetnički pokret, koji u svojim težnjama nadilazi granice slikovnih i plastičnih zadataka i pokazuje sposobnost stvaranja estetskih i filozofskih sistema i rješavanja društvenih problema (na primjer, Malevičev „Suprematistički grad“, zasnovan na principima izgradnja života). Dvadesetih godina prošlog stoljeća, na temelju njegove ideologije, nastali su istraživački instituti kao što su Bauhaus ili Ginhuk. Konstruktivizam je takođe izrastao iz apstrakcije.
Ruska verzija apstrakcije nazvana je neobjektivna umjetnost.
Mnogi principi i tehnike apstraktne umetnosti koji su postali klasici u 20. veku široko se koriste u dizajnu, pozorišnoj i dekorativnoj umetnosti, filmu, televiziji i kompjuterskoj grafici.
Koncept apstraktne umjetnosti mijenjao se tokom vremena. Sve do 1910-ih, ovaj termin se koristio u odnosu na slikarstvo, gdje su se forme prikazivale na uopšten i pojednostavljen način, tj. "apstraktni", u poređenju sa detaljnijim ili naturalističkim prikazom. U tom smislu, termin se uglavnom primjenjivao na dekorativnu umjetnost ili spljoštene kompozicije.
Ali od 1910-ih, "apstraktno" se odnosi na djela u kojima je forma ili kompozicija prikazana iz takvog ugla da se originalni subjekt mijenja gotovo do neprepoznatljivosti. Najčešće se ovim pojmom označava umjetnički stil koji se temelji isključivo na rasporedu vizualnih elemenata – oblika, boja, struktura, pri čemu uopće nije nužno da imaju inicijacijsku sliku u materijalnom svijetu.
Koncept značenja u apstraktnoj umjetnosti (u oba značenja, ranije i kasnije) složeno je pitanje o kojem se stalno raspravlja. Apstraktne forme se takođe mogu odnositi na nevizuelne fenomene, kao što su ljubav, brzina ili zakoni fizike, povezujući se sa izvedenim entitetom („esencijalizam“), sa imaginarnim ili drugim načinom odvajanja od detaljnog, detaljnog i ne- bitno, nasumično. Unatoč odsustvu reprezentativnog subjekta, u apstraktnom djelu može se akumulirati ogroman izraz, a semantički ispunjeni elementi, kao što su ritam, ponavljanje i simbolika boja, ukazuju na uključenost u specifične ideje ili događaje izvan same slike.
književnost:
- M. Seuphor. L'Art abstrait, ses origins, ses premiers maîtres. Pariz, 1949;
- M.Brion. L'art abstract. Pariz, 1956; D. Vallier. L'art abstract. Pariz, 1967;
- R.Capon. Predstavljamo apstraktno slikarstvo. London, 1973;
- c) blok. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900–1960 Koln, 1975;
- M.Schapiro. Priroda apstraktne umjetnosti (1937) // M.Schapiro. Moderna umjetnost. Selected Papers. Njujork, 1978;
- Ka novoj umjetnosti: eseji o pozadini apstraktnog slikarstva 1910–1920. Ed. M.Compton. London, 1980;
- Duhovno u umjetnosti. Apstraktno slikarstvo 1890–1985. Muzej umjetnosti okruga Los Angeles. 1986/1987;
- Tekst M.Tuchman; B.Altshuler. Avangarda na izložbi. Nova umetnost u 20. veku. Njujork, 1994;
- Apstrakcija u Rusiji. XX vijek. T. 1–2. Timing [Katalog] St. Petersburg, 2001;
- Neobjektivnost i apstrakcija. Sat. članci. Rep. ed. G.F. Kovalenko. M., 2011.;
apstrakcionizam (od latinskog abstractus - udaljen, apstraktan)- veoma širok trend u umetnosti 20. veka, koji je nastao početkom 1910-ih u nekoliko evropskih zemalja. Apstrakcionizam karakteriše upotreba isključivo formalnih elemenata za prikazivanje stvarnosti, pri čemu imitacija ili tačan prikaz stvarnosti nije bio cilj sam po sebi.
Termin apstrakcionizam dolazi od latinskog abstraho - odvlačiti, odvlačiti pažnju. Općenito je prihvaćeno da je to pravac, ili čak stil; apstrakcionizam je nešto sasvim drugo, a oni koji ovaj koncept tumače na ovaj način nehotice greše. Apstrakcionizam, umjetnici i teoretičari umjetnosti shvataju kao način poimanja stvarnosti pomoću likovne umjetnosti, pod uvjetom da je sama stvarnost potpuno apstrahirana od forme vidljivih objekata. Baš kao i figurativna (objektivna) umjetnost, apstrakcionizam se raspada na mnoge stilove i trendove: geometrijsku, lirsku, gestualnu, analitičku apstrakciju i više specifičnih tokova: suprematizam, aranformel, nuageizam, tahizam itd. Zapravo, potraga za umjetnicima svih vremena uvijek je bila i bit će ograničena samo na ove dvije hipostaze: figurativnu i apstraktnu umjetnost. Treće, kako kažu, nije dato.
Osnivači apstraktne umjetnosti su ruski umjetnici Vasilij Kandinski i Kazimir Malevič, Holanđanin Piet Mondrijan, Francuz Robert Delaunay i Čeh František Kupka. Njihov način crtanja zasnivao se na želji za "harmonizacijom", stvaranjem određenih kombinacija boja i geometrijskih oblika kako bi kod kontemplatora izazvali različite asocijacije.
U apstrakcionizmu se mogu razlikovati dva jasna pravca: geometrijska apstrakcija, zasnovana uglavnom na jasno definisanim konfiguracijama (Malevič, Mondrijan), i lirska apstrakcija, u kojoj je kompozicija organizovana iz slobodno tekućih formi (Kandinski). Također u apstrakcionizmu postoji nekoliko drugih velikih nezavisnih trendova.
Početkom 50-ih, poznati impresionista A. Matisse se prvi put okrenuo apstraktnom slikarstvu. A 1950. godine u Parizu umjetnici J. Devan i E. Pilet otvaraju radionicu u kojoj su počeli podučavati mlade slikare kako da se oslobode realistične vizije, da stvaraju apstraktne slike isključivo likovnim sredstvima i koriste najviše tri tona u kompozicija, kao i u apstraktnoj umjetnosti, po njihovom mišljenju, oblik najčešće određuje boju. Devan i Pilet su vjerovali da je glavni uvjet za stvaranje dobre apstraktne slike odabir najpreciznijih boja. Dewanova apstraktna slika Maratova apoteoza (1951) bila je hvaljena sa velikim entuzijazmom. O slici su napisali da nije samo intelektualni portret slavnog revolucionarnog lika, već i „proslava čiste boje, dinamična igra krivina i pravih linija“, „ovo je dokaz da apstrakcija ne izražava samo duhovne vrednosti , ali i figurativna umjetnost, može se odnositi na istorijske i političke događaje.
U drugoj polovini 50-ih godina u Sjedinjenim Državama se rađa umjetnost instalacije, pop art, koji je nešto kasnije proslavio Andyja Warhola svojom beskonačnom replikacijom portreta Marilyn Monroe i konzervi pseće hrane - kolažni apstrakcionizam. U vizualnim umjetnostima 60-ih godina postao je popularan najmanje agresivan, statičan oblik apstrakcije, minimalizam. Istovremeno, Barnet Newman, osnivač američkog geometrijskog apstrakcionizma, zajedno sa A. Liebermanom, A. Heldom i K. Nolandom, uspješno se bavio daljim razvojem ideja holandskog neoplasticizma i ruskog suprematizma.
Drugi trend u američkom slikarstvu nazvan je "kromatski" ili "post-slikarski" apstrakcionizam. Njegovi predstavnici su donekle odbijali fovizam i postimpresionizam. Tvrdi stil, naglašeno oštri obrisi radova E. Kellyja, J. Jungermana, F. Stele postepeno su ustupili mjesto slikarstvu kontemplativnog melanholičnog skladišta. 1970-ih i 1980-ih, američko slikarstvo se vratilo figurativnosti. Štoviše, takva ekstremna manifestacija kao što je fotorealizam postala je široko rasprostranjena. Većina istoričara umjetnosti slaže se da su 70-te godine za američku umjetnost trenutak istine, jer se u tom periodu konačno oslobodila europskog utjecaja i postala čisto američka. Međutim, uprkos povratku tradicionalnih formi i žanrova, od portreta do istorijskog slikarstva, ni apstraktna umetnost nije nestala.
Slike, djela “ne-fine” umjetnosti nastajale su kao i prije, budući da je povratak realizmu u SAD prevladao ne apstrakcionizam kao takav, već njegova kanonizacija, zabrana figurativne umjetnosti, koja se poistovjećivala prvenstveno s našim socijalističkim realizmom. , pa se stoga ne bi moglo smatrati odvratnim u "slobodnom demokratskom" društvu, zabrana "niskih" žanrova, društvenih funkcija umjetnosti. Istovremeno, stil apstraktnog slikarstva dobija izvesnu mekoću koja mu je ranije nedostajala - aerodinamični volumeni, zamagljivanje kontura, bogatstvo polutonova, suptilna rešenja boja (E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A. .Byalobrod). Nije potpuno nestao, međutim, i tvrdi stil; izblijedio je u pozadini i sačuvao se u stvaralaštvu starije generacije geometrista i ekspresionističkih umjetnika (H. Buchwald, D. Ashbaug, J. Gareth i dr.).
Svi ovi trendovi postavili su temelje za razvoj modernog apstrakcionizma. U kreativnosti ne može biti ništa zamrznuto, konačno, jer bi to za njega bila smrt. Ali bez obzira kojim putevima apstrakcionizam krene, kakvim god transformacijama da prolazi, njegova suština uvijek ostaje nepromijenjena. Ona leži u činjenici da je apstrakcionizam u likovnoj umjetnosti najpristupačniji i najplemenitiji način za hvatanje ličnog bića, i to u formi koja je najadekvatnija, poput faksimila. Istovremeno, apstrakcionizam je direktno ostvarenje slobode.
Apstrakcionizam (lat. abstractio- uklanjanje, skretanje pažnje) ili nefigurativna umjetnost- pravac umjetnosti koji je napustio predstavljanje oblika približnih stvarnosti u slikarstvu i skulpturi. Jedan od ciljeva apstrakcionizma je postizanje „harmonizacije“ prikazivanjem određenih kombinacija boja i geometrijskih oblika, navodeći da gledalac osjeti potpunost i potpunost kompozicije. Istaknute ličnosti: Vasilij Kandinski, Kazimir Malevič, Natalija Gončarova i Mihail Larionov, Pit Mondrijan.
Priča
apstrakcionizam(umetnost pod znakom "nulte forme", neobjektivna umetnost) - umetnički pravac koji se formirao u umetnosti prve polovine 20. veka, potpuno odbijajući da reprodukuje forme stvarnog vidljivog sveta. Osnivačima apstrakcionizma smatra se V. Kandinski , P. Mondrian i K. Malevich.
V. Kandinski je stvorio svoj tip apstraktnog slikarstva, oslobađajući od bilo kakvih znakova objektivnosti mrlje impresionista i "divlje". Piet Mondrian je došao do svoje bespredmetnosti kroz geometrijsku stilizaciju prirode koju su započeli Sezan i kubisti. Modernistički trendovi 20. stoljeća, usmjereni na apstrakcionizam, potpuno odstupaju od tradicionalnih principa, negirajući realizam, ali istovremeno ostaju u okvirima umjetnosti. Povijest umjetnosti s pojavom apstrakcionizma doživjela je revoluciju. Ali ova revolucija nije nastala slučajno, već sasvim prirodno, a predvidio ju je Platon! U svom kasnijem djelu Philebus pisao je o ljepoti linija, površina i prostornih oblika samih po sebi, neovisno od bilo kakve imitacije vidljivih predmeta, bilo kakvog mimezisa. Ovakva geometrijska ljepota, za razliku od ljepote prirodnih "nepravilnih" oblika, prema Platonu, nije relativna, već bezuvjetna, apsolutna.
20. vijek i sadašnjost
Nakon Prvog svetskog rata 1914-18, tendencije apstraktne umetnosti često su se manifestovale u pojedinačnim delima predstavnika dadaizma i nadrealizma; istovremeno je utvrđena i želja da se neslikovne forme nađu u arhitekturi, dekorativnoj umjetnosti i dizajnu (eksperimenti grupa Stil i Bauhaus). Nekoliko grupa apstraktne umjetnosti ("Betonska umjetnost", 1930; "Krug i kvadrat", 1930; "Apstrakcija i kreativnost", 1931), koje ujedinjuju umjetnike različitih nacionalnosti i pravaca, nastalo je početkom 30-ih godina, uglavnom u Francuskoj. Međutim, apstraktna umjetnost nije bila široko rasprostranjena u to vrijeme, već sredinom 30-ih. grupe su se razišle. U godinama Drugog svjetskog rata (1939–45) u Sjedinjenim Državama nastala je škola takozvanog apstraktnog ekspresionizma (slikari J. Pollock, M. Toby itd.), koji se nakon rata razvio u mnogim zemljama (pod nazivom tahizam ili „umetnost bez oblika“) i kao svoju metodu proglasio „čisti mentalni automatizam“ i subjektivnu podsvesnu impulsivnost kreativnosti, kult neočekivanih kombinacija boja i tekstura.
U drugoj polovini 50-ih godina u Sjedinjenim Državama se rađa umjetnost instalacije, pop art, koji je nešto kasnije proslavio Andyja Warhola svojom beskonačnom replikacijom portreta Marilyn Monroe i konzervi pseće hrane - kolažni apstrakcionizam. U vizualnim umjetnostima 60-ih godina postao je popularan najmanje agresivan, statičan oblik apstrakcije, minimalizam. U isto vrijeme Barnet Newman, osnivač američkog geometrijskog apstrakcionizma zajedno sa A. Lieberman, A. Held i K.Noland uspješno se bavio daljim razvojem ideja holandskog neoplasticizma i ruskog suprematizma.
Drugi trend u američkom slikarstvu nazvan je "kromatski" ili "post-slikarski" apstrakcionizam. Njegovi predstavnici su donekle odbijali fovizam i postimpresionizam. Kruti stil, naglašeni oštri obrisi radova E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella postepeno je ustupio mjesto oslikavanju kontemplativnog melanholičnog skladišta. 1970-ih i 1980-ih, američko slikarstvo se vratilo figurativnoj umjetnosti. Štoviše, takva ekstremna manifestacija kao što je fotorealizam postala je široko rasprostranjena. Većina istoričara umjetnosti slaže se da su 70-te godine za američku umjetnost trenutak istine, jer se u tom periodu konačno oslobodila europskog utjecaja i postala čisto američka. Međutim, uprkos povratku tradicionalnih formi i žanrova, od portreta do istorijskog slikarstva, ni apstraktna umetnost nije nestala.
Slike, djela “ne-fine” umjetnosti nastajale su kao i prije, budući da je povratak realizmu u SAD prevladao ne apstrakcionizam kao takav, već njegova kanonizacija, zabrana figurativne umjetnosti, koja se poistovjećivala prvenstveno s našim socijalističkim realizmom. , pa se stoga ne bi moglo smatrati odvratnim u "slobodnom demokratskom" društvu, zabrana "niskih" žanrova, društvenih funkcija umjetnosti. Istovremeno, stil apstraktnog slikarstva dobio je određenu mekoću, koja mu je prije nedostajala - racionalizacija volumena, zamagljivanje kontura, bogatstvo polutonova, suptilna rješenja boja ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).
Svi ovi trendovi postavili su temelje za razvoj modernog apstrakcionizma. U kreativnosti ne može biti ništa zamrznuto, konačno, jer bi to za njega bila smrt. Ali bez obzira kojim putevima apstrakcionizam krene, kakvim god transformacijama da prolazi, njegova suština uvijek ostaje nepromijenjena. Ona leži u činjenici da je apstrakcionizam u likovnoj umjetnosti najpristupačniji i najplemenitiji način za hvatanje ličnog bića, i to u formi koja je najadekvatnija, poput faksimila. Istovremeno, apstrakcionizam je direktno ostvarenje slobode.
Upute
U apstrakcionizmu se mogu razlikovati dva jasna pravca: geometrijska apstrakcija, zasnovana uglavnom na jasno definisanim konfiguracijama (Malevič, Mondrijan), i lirska apstrakcija, u kojoj je kompozicija organizovana iz slobodno tekućih formi (Kandinski). Također u apstrakcionizmu postoji nekoliko drugih velikih nezavisnih trendova.
kubizam
Avangardni trend u vizuelnim umetnostima koji je nastao početkom 20. veka i karakteriše ga upotreba naglašeno uslovnih geometrijskih formi, težnja da se stvarni objekti „cepe“ na stereometričke primitive.
rajonizam (lukizam)
Smjer u apstraktnoj umjetnosti 1910-ih, zasnovan na pomaku svjetlosnih spektra i prijenosu svjetlosti. Ideja o nastanku oblika iz "ukrštanja reflektiranih zraka različitih objekata" je karakteristična, jer osoba zapravo ne percipira sam predmet, već "zbir zraka koje dolaze iz izvora svjetlosti, reflektirane od objekt."
neoplasticizam
Oznaka smjera apstraktne umjetnosti, koji je postojao 1917-1928. u Holandiji i ujedinio umjetnike grupisane oko časopisa "De Stijl" ("Stil"). Odlikuje se jasnim pravougaonim oblicima u arhitekturi i apstraktnim slikarstvom u rasporedu velikih pravougaonih ravni, obojenih primarnim bojama spektra.
Orfizam
Pravac u francuskom slikarstvu 1910-ih. Umjetnici-orfisti nastojali su da izraze dinamiku pokreta i muzikalnost ritmova uz pomoć "pravilnosti" međusobnog prožimanja primarnih boja spektra i ukrštanja krivolinijskih površina.
Suprematizam
Smjer u avangardnoj umjetnosti, osnovan 1910-ih. Malevich. Izraženo je u kombinacijama raznobojnih ravnina najjednostavnijih geometrijskih obrisa. Kombinacija raznobojnih geometrijskih figura formira uravnotežene asimetrične suprematističke kompozicije prožete unutrašnjim pokretom.
Tachisme
Trend zapadnoevropskog apstrakcionizma 1950-ih i 60-ih, koji je bio najrašireniji u SAD-u. To je slika sa mrljama koje ne rekreiraju slike stvarnosti, već izražavaju nesvjesnu aktivnost umjetnika. Potezi, linije i mrlje u tašizmu se nanose na platno brzim pokretima ruke bez unaprijed smišljenog plana.
apstraktni ekspresionizam
Pokret umjetnika koji slikaju brzo i na velikim platnima, koristeći negeometrijske poteze, velike kistove, ponekad kapajući boju na platno, kako bi do kraja iznijeli emocije. Ekspresivna metoda slikanja ovdje je često jednako važna kao i sama slika.
Apstrakcionizam u unutrašnjosti
Nedavno se apstraktna umjetnost počela kretati sa slika umjetnika u udoban interijer kuće, povoljno ga ažurirajući. Minimalistički stil uz korištenje jasnih oblika, ponekad prilično neobičnih, čini sobu neobičnom i zanimljivom. Ali lako je pretjerati sa bojom. Razmislite o kombinaciji narandže u takvom stilu interijera.
Bijela najbolje razrjeđuje bogatu narandžastu i, takoreći, hladi je. Narandžasta boja čini prostoriju toplijom, tako da ne mnogo; ne spriječiti. Naglasak bi trebao biti na namještaju ili njegovom dizajnu, na primjer, narandžasti prekrivač. U ovom slučaju, bijeli zidovi će prigušiti svjetlinu boje, ali će sobu ostaviti šarenom. U ovom slučaju, slike istog raspona poslužit će kao odličan dodatak - glavna stvar je ne pretjerivati, inače će biti problema sa spavanjem.
Kombinacija narančaste i plave boje štetna je za svaku sobu, ako se ne odnosi na dječju sobu. Ako odaberete ne svijetle nijanse, tada će se uspješno uskladiti jedni s drugima, dodati raspoloženje i neće negativno utjecati čak ni na hiperaktivnu djecu.
Narandžasta se dobro slaže sa zelenom, stvarajući efekat stabla mandarine i čokoladne nijanse. Smeđa je boja koja varira od tople do hladne, tako da savršeno normalizuje ukupnu temperaturu prostorije. Osim toga, ova kombinacija boja pogodna je za kuhinju i dnevni boravak, gdje trebate stvoriti atmosferu, ali ne preopteretiti unutrašnjost. Nakon što ste zidove ukrasili bijelim i čokoladnim bojama, možete sigurno staviti narandžastu stolicu ili objesiti svijetlu sliku bogate boje mandarine. Dok ste u takvoj prostoriji, imaćete odlično raspoloženje i želju da radite što više stvari.
Slike poznatih apstraktnih umjetnika
Kandinski je bio jedan od pionira apstraktne umjetnosti. Počeo je tragati u impresionizmu, a tek onda došao do stila apstrakcionizma. U svom radu je iskoristio odnos boje i forme kako bi stvorio estetski doživljaj koji bi obuhvatio i viziju i emocije gledatelja. Vjerovao je da potpuna apstrakcija daje prostor za duboko, transcendentno izražavanje, a kopiranje stvarnosti samo ometa ovaj proces.
Slikarstvo je za Kandinskog bilo duboko duhovno. Nastojao je prenijeti dubinu ljudskih emocija kroz univerzalni vizualni jezik apstraktnih oblika i boja koji bi nadilazili fizičke i kulturne granice. Vidio je apstrakcionizam kao idealan vizualni modus koji može izraziti umjetnikove "unutrašnje potrebe" i prenijeti ljudske ideje i emocije. Smatrao je sebe prorokom čija je misija da podijeli ove ideale sa svijetom, za dobrobit društva.
Skriveni u jarkim bojama i jasnim crnim linijama prikazuju nekoliko kozaka sa kopljima, kao i čamce, figure i zamak na vrhu brda. Kao i na mnogim slikama iz ovog perioda, predstavlja apokaliptičnu bitku koja će dovesti do vječnog mira.
Kako bi olakšao razvoj neobjektivnog stila slikanja, kako je opisano u svojoj knjizi O duhovnom u umjetnosti (1912), Kandinski svodi predmete na piktografske simbole. Uklanjanjem većine referenci na vanjski svijet, Kandinski je svoju viziju izrazio na univerzalniji način, prevodeći duhovnu suštinu subjekta kroz sve te forme na vizualni jezik. Mnoge od ovih simboličkih figura su se ponavljale i usavršavale u njegovom kasnijem radu, postajući još apstraktnije.
Kazimir Malevich
Malevičeve ideje o formi i značenju u umjetnosti nekako dovode do koncentracije na teoriju stilskog apstrakcionizma. Malevič je radio sa različitim stilovima u slikarstvu, ali je najviše od svega bio fokusiran na proučavanje čistih geometrijskih oblika (kvadrata, trokuta, kruga) i njihovog međusobnog odnosa u slikovnom prostoru. Kroz svoje kontakte na Zapadu, Malevich je mogao prenijeti svoje ideje o slikarstvu prijateljima umjetnika u Europi i Sjedinjenim Državama, te tako duboko utjecati na evoluciju suvremene umjetnosti.
"Crni kvadrat" (1915.)
Maljevič je prvi put prikazao kultnu sliku "Crni kvadrat" na izložbi u Petrogradu 1915. godine. Ovaj rad utjelovljuje teorijske principe suprematizma koje je razvio Malevich u svom eseju "Od kubizma i futurizma do suprematizma: novi realizam u slikarstvu".
Na platnu ispred posmatrača je apstraktna forma nacrtana na bijeloj pozadini u obliku crnog kvadrata - to je jedini element kompozicije. Iako slika izgleda jednostavno, postoje elementi kao što su otisci prstiju, potezi kistom koji se vide kroz crne slojeve boje.
Za Maleviča kvadrat znači osjećanja, a bijeli prazninu, ništa. Vidio je crni kvadrat kao božansku prisutnost, ikonu, kao da može postati nova sveta slika za neobjektivnu umjetnost. I na izložbi je ova slika postavljena na mjesto gdje se obično postavlja ikona u ruskoj kući.
Piet Mondrian
Piet Mondrian, jedan od osnivača holandskog pokreta De Stijl, poznat je po čistoći svojih apstrakcija i metodičke prakse. Prilično je radikalno pojednostavio elemente svojih slika kako bi prikazao ono što je vidio ne direktno, već figurativno, te stvorio jasan i univerzalan estetski jezik na svojim platnima. Na svojim najpoznatijim slikama iz 1920-ih, Mondrian forme svodi na linije i pravokutnike, a paletu na najjednostavnije. Upotreba asimetrične ravnoteže postala je fundamentalna za razvoj savremene umjetnosti, a njegova kultna apstraktna djela i dalje su utjecajna u dizajnu i poznata su popularnoj kulturi do danas.
"Sivo drvo" je primjer Mondrianovog ranog prelaska na stil apstrakcionizam. 3D stablo je svedeno na najjednostavnije linije i ravni, koristeći samo sive i crne.
Ova slika je jedan u nizu Mondrianovih radova koji su imali realističniji pristup, gdje je, na primjer, drveće predstavljeno na naturalistički način. Dok su kasniji komadi postajali sve apstraktniji, na primjer, linije stabla se smanjuju sve dok oblik stabla nije jedva vidljiv i sekundaran u odnosu na cjelokupnu kompoziciju vertikalnih i horizontalnih linija. Ovdje još uvijek možete vidjeti Mondrianov interes za napuštanje strukturirane organizacije linija. Ovaj potez je bio značajan za razvoj Mondrianove čiste apstrakcije.
Robert Delaunay
Delaunay je bio jedan od najranijih umjetnika apstraktnog stila. Njegov rad je uticao na razvoj ovog pravca, zasnovanog na kompozicionoj napetosti izazvanoj kontrastom boja. Ubrzo je pao pod neoimpresionistički uticaj boja i vrlo pomno pratio koloristički sistem radova u stilu apstrakcionizma. Smatrao je da su boja i svjetlost glavni alati pomoću kojih možete utjecati na objektivnost svijeta.
Do 1910. godine Delaunay je dao svoj doprinos kubizmu u vidu dvije serije slika koje su prikazivale katedrale i Ajfelov toranj, koje su kombinirale kubične forme, dinamiku pokreta i svijetle boje. Ovaj novi način korištenja harmonije boja pomogao je da se stil odvoji od ortodoksnog kubizma, nazvanog orfizam, i odmah je utjecao na evropske umjetnike. Delaunayova supruga, umjetnica Sonia Turk-Delaunay, nastavila je slikati u istom stilu.
Delaunayovo glavno djelo posvećeno je Ajfelovom tornju - poznatom simbolu Francuske. Ovo je jedna od najimpresivnijih u nizu od jedanaest slika posvećenih Ajfelovom tornju između 1909. i 1911. godine. Oslikan je jarko crvenom bojom, što ga odmah izdvaja od dosadnosti okolnog grada. Impresivna veličina platna dodatno povećava veličinu ove građevine. Poput duha, kula se uzdiže iznad okolnih kuća, figurativno potresajući same temelje starog poretka. Delaunayova slika prenosi taj osjećaj bezgraničnog optimizma, nevinosti i svježine vremena koje još nije svjedočilo dva svjetska rata.
Frantisek Kupka
František Kupka je čehoslovački umjetnik koji slika u ovom stilu apstrakcionizam diplomirao na Akademiji umjetnosti u Pragu. Kao student prvenstveno je slikao na patriotske teme i pisao istorijske kompozicije. Njegovi rani radovi bili su više akademski, međutim, njegov stil je evoluirao tokom godina i na kraju evoluirao u apstraktnu umjetnost. Napisana na vrlo realističan način, čak i njegova rana djela sadržavala su mistične nadrealne teme i simbole, što je sačuvano prilikom pisanja apstrakcija. Kupka je vjerovao da umjetnik i njegov rad sudjeluju u kontinuiranoj kreativnoj aktivnosti, čija priroda nije ograničena, kao apsolut.
„Amorfa. Fuga u dvije boje" (1907-1908)
Počevši od 1907-1908, Kupka počinje da slika seriju portreta devojke koja drži loptu u ruci, kao da se sprema da se igra ili igra s njom. Zatim je razvio sve shematskije prikaze nje i na kraju napravio niz potpuno apstraktnih crteža. Izrađene su u ograničenoj paleti crvene, plave, crne i bijele. Godine 1912, u Salon d'Automne, jedan od ovih apstraktnih radova prvi put je javno izložen u Parizu.
Moderni apstrakcionisti
Od početka dvadesetog stoljeća umjetnici, uključujući Pabla Picassa, Salvadora Dalija, Kazemira Maleviča, Vasilija Kandinskog, eksperimentišu sa oblicima objekata i njihovom percepcijom, a takođe dovode u pitanje kanone koji postoje u umetnosti. Pripremili smo izbor najpoznatijih modernih apstraktnih umjetnika koji su odlučili pomjeriti svoje granice znanja i kreirati vlastitu stvarnost.
njemački umjetnik David Schnel(David Schnell) voli da luta mjestima u kojima je nekada dominirala priroda, a sada su prepuna zgrada ljudi - od igrališta do fabrika i fabrika. Sjećanja na ove šetnje rađaju njegove svijetle apstraktne pejzaže. Dajući volju svojoj mašti i pamćenju, umjesto fotografijama i video zapisima, David Schnell stvara slike koje podsjećaju na kompjutersku virtuelnu stvarnost ili ilustracije za knjige naučne fantastike.
Stvarajući svoje apstraktne slike velikih razmjera, američka umjetnica Christine Baker(Kristin Baker) crpi inspiraciju iz istorije umetnosti i trka Nascar i Formule 1. U početku daje volumen svom radu, nanosi nekoliko slojeva akrilne boje i lepi siluete. Kristin ga zatim pažljivo odlijepi, što otkriva osnovne slojeve boje i čini da površina njenih slika izgleda kao višeslojni, višebojni kolaž. U poslednjoj fazi rada, ona sastruže sve neravnine, čineći da njene slike izgledaju kao na rendgenskom snimku.
U svom radu umjetnica grčkog porijekla iz Bruklina, New York, Elena Anagnos(Eleanna Anagnos) istražuje aspekte svakodnevnog života koje ljudi često zanemaruju. U toku njenog „dijaloga s platnom“, obični pojmovi dobijaju nova značenja i aspekte: negativni prostor postaje pozitivan, a male forme se povećavaju. Pokušavajući na ovaj način udahnuti život svojim slikama, Eleanna pokušava probuditi ljudski um, koji je prestao da postavlja pitanja i da je otvoren za nešto novo.
Rađajući svijetle prskanje i mrlje boje na platnu, američki umjetnik Sara Spitler(Sarah Spitler) nastoji da odrazi haos, katastrofu, neravnotežu i nered u svom radu. Privlače je ovi koncepti, jer su izvan kontrole osobe. Stoga njihova razorna moć čini apstraktna djela Sare Spitler snažnim, energičnim i uzbudljivim. Osim toga. Rezultirajuća slika na platnu od mastila, akrilnih boja, grafitnih olovaka i emajla naglašava prolaznu prirodu i relativnost onoga što se događa okolo.
Crpeći inspiraciju iz oblasti arhitekture, umjetnik iz Vancouvera, Kanada, Jeff Dapner(Jeff Depner) stvara slojevite apstraktne slike sastavljene od geometrijskih oblika. U umjetničkom "haosu" koji je stvorio, Jeff traži harmoniju u boji, formi i kompoziciji. Svaki od elemenata na njegovim slikama je međusobno povezan i dovodi do sljedećeg: "Moj rad istražuje kompozicionu strukturu [slike] kroz odnose boja u odabranoj paleti...". Prema riječima umjetnika, njegove slike su "apstraktni znakovi" koji bi gledaoce trebali odvesti na novi, nesvjesni nivo.
Tekst: Ksyusha Petrova
OVE SEDME U JEVREJSKOM MUZEJU I CENTRU TOLERANCIJE privodi se kraju izložba "Apstrakcija i slika" Gerharda Rihtera - prva lična izložba u Rusiji jednog od najuticajnijih i najskupljih savremenih umetnika. Do sada je nedavno proširena izložba Rafaela i Karavađa i gruzijske avangarde u Puškinovom muzeju im. A. S. Puškin je u redu, Richter se može vidjeti u ugodnom društvu nekoliko desetina posjetilaca. Ovaj paradoks nije samo zbog činjenice da je Jevrejski muzej mnogo inferiorniji po popularnosti u odnosu na Puškinov muzej ili Ermitaž, već i zbog činjenice da su mnogi ljudi još uvijek skeptični prema apstraktnoj umjetnosti.
Čak i oni koji su upućeni u savremeni rizik i dobro razumeju značaj Crnog kvadrata za svetsku kulturu plaše se „elitizma“ i „nedostupnosti“ apstrakcije. Podsmjehujemo se radovima modnih umjetnika, divimo se aukcijskim zapisima i strahujemo da će iza fasade likovne kritike ostati praznina - uostalom, umjetnička vrijednost radova nalik dječjim škrabotinama ponekad izaziva sumnju među profesionalcima. Zapravo, auru "nepristupačnosti" apstraktne umjetnosti je lako raspršiti - u ovom uputstvu pokušali smo objasniti zašto se apstrakcija naziva "budistička televizija" i s koje strane joj prići.
Gerhard Richter. Novembar 1/54. 2012
Ne pokušavaj da saznaš
šta je umetnik hteo da kaže
U hodnicima u kojima vise renesansne slike, čak i ne baš pripremljen gledatelj će se snaći: barem će moći lako imenovati ono što je prikazano na slici - ljudi, voće ili more, koje emocije likovi iskustva, ima li zapleta u ovom djelu, da li su mu poznati učesnici događaja. Pred platnima Rothka, Pollocka ili Malevicha ne osjećamo se toliko samopouzdano – oni nemaju predmet za koji možete uhvatiti oko i razgovarati o njemu kako biste saznali „šta je autor htio reći“, kao na škola. Ovo je glavna razlika između apstraktnog, ili neobjektivnog, slikarstva od poznatijeg figurativnog: apstraktni umjetnik uopće ne nastoji prikazati svijet oko sebe, on sebi ne postavlja takav zadatak.
Ako pažljivo pogledate posljednja dva stoljeća povijesti zapadne umjetnosti, postaje jasno da odbacivanje subjekta u slikarstvu nije hir šačice nekonformista, već prirodna faza razvoja. U 19. veku se pojavila fotografija, a umetnici su oslobođeni obaveze da prikazuju svet onakvim kakav jeste: portreti rođaka i voljenih pasa počeli su da se izrađuju u foto studiju - ispalo je brže i jeftinije od naručivanja uljane slike od majstor. Sa pronalaskom fotografije, nestala je potreba za pedantno kopiranjem onoga što vidimo kako bismo to sačuvali u sjećanju.
← Jackson Pollock.
Stenografija. 1942
Sredinom 19. stoljeća, neki su počeli sumnjati da je realistička umjetnost zamka. Umjetnici su savršeno savladali zakone perspektive i kompozicije, naučili da prikazuju ljude i životinje s izuzetnom preciznošću, nabavili su prikladne materijale, ali rezultat je izgledao sve manje i manje uvjerljivo. Svijet se počeo ubrzano mijenjati, gradovi su postajali sve veći, počela je industrijalizacija - na toj pozadini realistične slike polja, scena bitaka i golih modela djelovale su zastarjelo, odvojeno od složenih iskustava modernog čovjeka.
Impresionisti, postimpresionisti, fovisti i kubisti su umjetnici koji se nisu bojali preispitati pitanje šta je važno u umjetnosti: svaki od ovih pokreta koristio je iskustvo prethodne generacije, eksperimentirajući s bojom i formom. Kao rezultat toga, neki umjetnici su došli do zaključka da se kontakt između autora i gledatelja ne odvija kroz projekcije stvarnosti, već kroz linije, mrlje i poteze boje – tako se umjetnost oslobodila potrebe da se bilo što prikazuje, nudeći gledaocu da osjeti nepomućenu radost interakcije s bojom, oblikom, linijama i teksturom. Sve je to bilo savršeno spojeno s novim filozofskim i religijskim učenjima - posebno teozofijom, a lokomotive ruske avangarde Vasilija Kandinskog i Kazimira Maleviča razvile su vlastite filozofske sisteme u kojima je teorija umjetnosti povezana s principima ideala. društvo.
U svakoj nejasnoj situaciji koristite formalnu analizu
Evo noćne more u kojoj se može naći svaki ljubitelj savremene umetnosti: zamislite da stojite pred neverovatnom, kako piše u vodiču, slikom Agnes Martin i ne osećate apsolutno ništa. Ništa osim iritacije i lagane tuge - ne zato što se tako osećate na slici, već zato što uopšte ne razumete šta je ovde nacrtano i gde treba da gledate (niste sigurni ni da su kustosi okačili rad na desna strana). U takvoj situaciji, formalna analiza žuri da pomogne, od koje vrijedi započeti upoznavanje s bilo kojim umjetničkim djelom. Izdahnite i pokušajte odgovoriti na nekoliko dječjih pitanja: šta vidim ispred sebe - sliku ili skulpturu, grafiku ili sliku? Od kojih materijala i kada je nastala? Kako se ovi oblici i linije mogu opisati? Kako su u interakciji? Da li se kreću ili statične? Ima li ovdje dubine – koji elementi slike su u prvom planu, a koji u pozadini?
← Barnett Newman. Untitled. 1945
Sljedeća faza je također prilično jednostavna: slušajte sebe i pokušajte odrediti koje emocije vidite. Jesu li ovi crveni trouglovi smiješni ili uznemirujući? Da li se osjećam mirno ili me slika pritiska? Sigurnosno pitanje: Da li pokušavam da shvatim kako je to, ili dopuštam svom umu da slobodno komunicira sa bojom i oblikom?
Zapamtite da nije važna samo slika, već i okvir - ili njegov nedostatak. U slučaju istog Newmana, Mondriana ili "Amazonke avangarde" Olge Rozanove, odbacivanje kadra je svjestan izbor umjetnika koji vas poziva da odbacite stare ideje o umjetnosti i mentalno proširite njene granice, bukvalno ići dalje.
Da biste se osjećali sigurnije, možete se sjetiti jednostavne klasifikacije apstraktnih djela: obično se dijele na geometrijska (Piet Mondrian, Ellsworth Kelly, Theo van Doesburg) i lirska (Helen Frankenthaler, Gerhard Richter, Wassily Kandinsky).
Helen Frankenthaler. Narandžasti obruč. 1965
Helen Frankenthaler. solarijum. 1964
Ne ocjenjujte "vještine crtanja"
“Moje dijete/mačka/majmun može isto tako dobro” je fraza koja se svakodnevno izgovara u svakom muzeju moderne umjetnosti (možda su se dosjetili negdje staviti poseban pult). Jednostavan način da odgovorite na takvu tvrdnju jeste da frknete i prevrnete očima, žaleći se na duhovno siromaštvo drugih, a složeniji i produktivniji način je da ozbiljno shvatite problem i pokušate da objasnite zašto bi veštinu apstrakcionista trebalo drugačije procenjivati. Veliki semiolog Roland Barthes napisao je prodoran esej o prividnom "djetinjstvu" crteža Cy Twomblyja, a naša savremena Susie Hodge posvetila je čitavu knjigu ovoj temi.
Mnogi apstraktni umjetnici imaju klasično obrazovanje i izvrsne akademske vještine crtanja - to jest, mogu nacrtati lijepu vazu s cvijećem, zalazak sunca na moru ili portret, ali iz nekog razloga ne žele. Oni biraju vizuelno iskustvo koje nije opterećeno objektivnošću: umjetnici, takoreći, olakšavaju gledatelju, ne dopuštajući mu da ga ometaju predmeti prikazani na slici, i pomažu mu da se odmah uroni u emocionalno iskustvo. .
← Cy Twombly. Untitled. 1954
Istraživači su 2011. godine odlučili testirati da li se slike u žanru apstraktnog ekspresionizma (najviše pitanja postavljaju u vezi sa ovim smjerom apstraktne umjetnosti) ne razlikuju od crteža male djece, kao i od umjetnosti čimpanzi i slonova. Ispitanici su bili zamoljeni da pogledaju parove slika i odrede koje su od njih izradili profesionalni umjetnici - u 60-70% slučajeva ispitanici su birali "prava" umjetnička djela. Prednost je mala, ali statistički značajna - očito, u radovima apstrakcionista zaista postoji nešto što ih razlikuje od crteža inteligentne čimpanze. Još jedno novo istraživanje pokazalo je da sama djeca mogu razlikovati radove apstraktnih umjetnika od dječjih crteža. Da biste testirali svoj umjetnički njuh, možete napraviti test sa sličnim uvjetima na BuzzFeedu.
Zapamtite da je sva umjetnost apstraktna.
Ako je vaš mozak spreman za malo preopterećenje, uzmite u obzir da je sva umjetnost sama po sebi apstraktna. Figurativno slikarstvo, bilo da se radi o Picassovoj mrtvoj prirodi Dječak s lulom ili Brjulovljevom Posljednji dan Pompeja, projekcija je trodimenzionalnog svijeta na ravno platno, imitacija "stvarnosti" koju opažamo kroz viziju. Ne treba ni govoriti o objektivnosti naše percepcije – uostalom, mogućnosti ljudskog vida, sluha i drugih čula su vrlo ograničene, te ih ne možemo sami procijeniti.
Mramorni David nije živ tip, već komad kamena koji je Michelangelo oblikovao da nas podsjeti na muškarca (a mi smo iz životnog iskustva dobili ideju kako muškarci izgledaju). Ako se jako približite Giocondi, i dalje će vam se činiti da vidite njenu nježnu, gotovo živu kožu, prozirni veo i maglu u daljini - ali ovo je u suštini apstrakcija, samo Leonardo da Vinci vrlo mukotrpno i za dugo su naslagali slojevi boje jedan na drugi kako bi se stvorila vrlo suptilna iluzija. Još jasnije, trik ekspozicije radi sa fovistima i poentilistima: ako se približite Pissarrovoj slici, nećete vidjeti bulevar Montmartre i zalazak sunca u Eragnyju, već puno raznobojnih malih poteza. Iluzorna suština umjetnosti posvećena je čuvenoj slici Renea Magrittea "Izdajstvo slika": naravno, "ovo nije cijev" - to su samo potezi boje uspješno smješteni na platnu.
← Helen Frankenthaler.
Nepenthe. 1972
Impresionisti, u čiju kompetenciju danas ne sumnjamo, bili su apstrakcionisti svog vremena: Monet, Degas, Renoir i njihovi prijatelji bili su optuženi da su napustili realističnu predstavu u korist prenošenja senzacija. "Nepažljivi" potezi, vidljivi golim okom, "čudna" kompozicija i druge progresivne tehnike djelovale su ondašnjoj javnosti kao bogohuljenje. Krajem 19. vijeka impresionisti su ozbiljno optuženi za "nesposobnost crtanja", vulgarnost i cinizam.
Organizatori Pariskog salona morali su da okače Manetovu Olimpiju praktično ispod plafona - bilo je previše onih koji su hteli da pljunu na nju ili da kišobranom probuše platno. Da li se ova situacija mnogo razlikuje od incidenta iz 1987. u Muzeju Stedelijk u Amsterdamu, kada je muškarac nožem napao sliku "Ko se boji crvenog, žutog i plavog III" apstraktnog umjetnika Barnetta Newmana?
Mark Rothko. Untitled. 1944-1946
Nemojte zanemariti kontekst
Najbolji način da doživite djelo apstraktne umjetnosti je da stojite ispred njega i gledate i gledate i gledate. Neki radovi mogu uroniti gledatelja u duboka egzistencijalna iskustva ili ekstatičan trans - najčešće se to događa sa slikama Marka Rothka i predmetima Aniša Kapoora, ali sličan učinak može imati i rad nepoznatih umjetnika. Iako je emocionalni kontakt najvažniji, ne biste trebali odbiti čitanje etiketa i upoznavanje s povijesnim kontekstom: naslov vam neće pomoći da shvatite “značenje” djela, ali može dovesti do zanimljivih razmišljanja. Čak nam i suhoparni naslovi poput “Kompozicija br. 2” i “Objekat br. 7” nešto govore: dajući ovo ime svom djelu, autor nas poziva da napustimo potragu za “podtekstom” ili “simbolizmom” i fokusiramo se na duhovno iskustvo .
← Jurij Zlotnikov. Kompozicija br. 22. 1979
Istorija nastanka djela je također važna: najvjerovatnije, ako saznate kada je i pod kojim okolnostima djelo nastalo, vidjet ćete nešto novo u njemu. Nakon što pročitate biografiju umjetnika, koju su za vas pažljivo pripremili kustosi muzeja, zapitajte se kakav je značaj ovo djelo moglo imati u toj zemlji iu vrijeme kada je njegov autor djelovao: isti „Crni kvadrat“ ostavlja sasvim drugačiji utisak , ako znate nešto o filozofskim tokovima i umjetnosti početka 20. stoljeća. Drugi, manje poznat primjer je serijal Signalni sistemi pionira ruske poslijeratne apstrakcije Jurija Zlotnikova. Danas obojeni krugovi na belom platnu ne deluju revolucionarno – ali pedesetih godina prošlog veka, kada je zvanična umetnost izgledala otprilike ovako, Zlotnikove apstrakcije bile su pravi proboj.
Uspori
Uvijek je bolje obratiti pažnju na nekoliko djela koja vam se sviđaju nego galopirati kroz muzej pokušavajući dokučiti neizmjernost. Profesorka Dženifer Roberts sa Harvarda tera svoje studente da tri sata gledaju jednu sliku - naravno, niko od vas ne zahteva takvu izdržljivost, ali trideset sekundi očigledno nije dovoljno za sliku Kandinskog. U svom manifestu - izjavi ljubavi prema apstrakciji, poznati likovni kritičar Jerry Saltz naziva Rothkova hipnotička platna "budističkom televizijom" - podrazumijeva se da se u njih može beskrajno zaviriti.
Ponovite to kod kuće
Najbolji način da testirate buntovnu misao „I ja mogu da crtam jednako dobro“, koja se ponekad javlja među profesionalnim likovnim kritičarima, jeste da provedete eksperiment kod kuće. Bit će zanimljivo u suprotnoj situaciji - ako se bojite da se bojite zbog "nesposobnosti crtanja" ili "nesposobnosti". Nije bez razloga da se apstraktne tehnike najčešće koriste u umjetničkoj terapiji: one pomažu u izražavanju složenih osjećaja za koje je teško pronaći riječi. Za mnoge umjetnike koji pate od unutrašnjih kontradikcija i vlastite nekompatibilnosti sa vanjskim svijetom, apstrakcija je postala gotovo jedini način da se pomire sa stvarnošću (osim droge i alkohola, naravno).
Apstraktni radovi mogu se izraditi u bilo kojem umjetničkom mediju, od akvarela do hrastove kore, tako da ćete sigurno pronaći tehniku koja odgovara vašem ukusu i budžetu. Možda ne bi trebalo da počnete sa kaplje "- analiza Mondrianove slike" Kompozicija sa crvenom, plavom i žutom" koja je u njoj data za najmanje ne stidi se da je čitaju odrasli. Jevrejski muzej, ART4
Pojava apstrakcionizma:
Apstrakcionizam, kao trend, nastao je početkom 20. veka. istovremeno u nekoliko evropskih zemalja. Priznati osnivači i inspiratori ovog pokreta su umjetnici Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka i Robert Delaunay, koji su u svojim teorijskim radovima i političkim izjavama iznijeli glavne odredbe apstrakcionizma. Različita po ciljevima i zadacima, njihova učenja bila su ujedinjena u jednom: apstrakcionizam, kao najviši stupanj u razvoju likovne umjetnosti, stvara oblike koji su jedinstveni za umjetnost. “Oslobođen” kopiranja stvarnosti, pretvara se u sredstvo za prenošenje, kroz različite slikovne slike, neshvatljivog duhovnog principa univerzuma, vječnih “duhovnih suština”, “kosmičkih sila”.
Kao umjetnički fenomen, apstrakcionizam je imao ogroman utjecaj na formiranje i razvoj modernog arhitektonskog stila, dizajna, industrijske, primijenjene i dekorativne umjetnosti.
Karakteristike apstrakcionizma:
Apstrakcionizam (od latinskog Abstractus - apstraktan) jedan je od glavnih umjetničkih pravaca u umjetnosti 20. stoljeća, u kojem se struktura djela zasniva isključivo na formalnim elementima - linijama, mrljama u boji, apstraktnoj konfiguraciji. Djela apstrakcionizma su odvojena od oblika samog života: neobjektivne kompozicije utjelovljuju subjektivne impresije i fantazije umjetnika, tok njegove svijesti, pokreću slobodne asocijacije, kretanje misli i emocionalnu empatiju.
Od pojave apstrakcionizma, u njemu su ocrtane dvije glavne linije:
- Prvo – geometrijski, ili logička apstrakcija, koji stvara prostor kombinovanjem geometrijskih oblika, obojenih ravni, ravnih i isprekidanih linija. Oličena je u suprematizmu K.Maleviča, neoplasticizmu P.Mondriana, orfizmu R.Delaunaya, u radovima majstora postslikarske apstrakcije i op-arta;
- Druga je lirsko-emocionalna apstrakcija, u kojoj su kompozicije organizovane iz slobodno teče forme i ritmova, predstavljen je radom V. Kandinskog, radovima majstora apstraktnog ekspresionizma, tašizma i neformalne umetnosti.
Majstori apstraktne umjetnosti:
Vasilij Kandinski, Kazimir Malevič, František Kupka, Pol Kle, Pit Mondrijan, Teo Van Dosburg, Robber Delone, Mihail Larionov, Ljubov Popova, Džekson Polok, Jozef Albers i drugi.
Slike umjetnika:
