В изкуството има вечни теми. Една от тях е темата за жената, темата за майчинството. Всяка епоха има свой собствен идеал за жена, цялата история на човечеството се отразява в това как хората са виждали жена, какви митове са я заобикаляли и са й помогнали да създаде. Точно едно – във всички епохи и времена Женският характер е привличал, привлича и ще привлича особеното внимание на творците.
Образите на жените, създадени в портретното изкуство, носят поетическия идеал в хармоничното единство на неговите духовни качества и външен облик. От портретите можем да преценим как външният вид на една жена, нейният психически склад се влияе от социални събития, мода, литература, изкуство и самата живопис.
Представяме ви разнообразие от изображения на жени в живописта в различни посоки
РЕАЛИЗЪМ
Същността на посоката е най-точното и обективно фиксиране на реалността. Раждането на реализма в живописта най-често се свързва с творчеството на френския художник Гюстав Курбе, който открива своята лична изложба „Павилион на реализма“ през 1855 г. в Париж. Противопоставя се на романтизма и академизма. През 1870-те години реализмът се разделя на две основни направления - натурализъм и импресионизъм. Натуралистите се наричаха художници, които се стремяха да уловят реалността възможно най-точно, фотографски.
Иван Крамской "Неизвестен"
Серов "Момиче с праскови"
АКАДЕМИЗЪМ
Академизмът израства след външните форми на класическото изкуство. Академизмът въплъщава традициите на античното изкуство, в което образът на природата е идеализиран. Руският академизъм от първата половина на 19 век се характеризира с възвишени теми, висок метафоричен стил, гъвкавост, многофигурност и помпозност. Библейски сцени, салонни пейзажи и церемониални портрети бяха популярни. Въпреки ограничената тематика на картините, творбите на академиците се отличаваха с високо техническо майсторство.
Бугро "Плеяди"
Бугро "Настроение"
Кабанел "Раждането на Венера"
ИМПРЕСИОНИЗЪМ
Представителите на стила се стремяха да уловят реалния свят в неговата мобилност и променливост по най-естествения и безпристрастен начин, за да предадат своите мимолетни впечатления. Френският импресионизъм не повдига философски въпроси. Вместо това импресионизмът се фокусира върху повърхностността, плавността на момента, настроението, осветлението или зрителния ъгъл. Техните картини представят само положителните аспекти на живота, не нарушават социалните проблеми и заобикалят проблеми като глад, болести, смърт. Бяха изхвърлени библейски, литературни, митологични, исторически сюжети, присъщи на официалния академизъм. Те взеха теми като флирт, танци, престой в кафенета и театри, разходки с лодка, по плажовете и в градините. Съдейки по картините на импресионистите, животът е поредица от малки празници, партита, приятни забавления извън града или в приятелска среда.
Болдини "Мулен Руж"
Реноар "Портрет на Жана Самари"
Мане "Закуска на тревата"
Майо "РозаБрава"
Лотрек "Жена с чадър"
СИМВОЛИКА
Символистите коренно промениха не само различните видове изкуство, но и самото отношение към него. Техният експериментален характер, желанието за иновации, космополитизмът са се превърнали в модел за повечето съвременни течения в изкуството. Те използваха символи, подценяване, алюзии, мистерия, мистерия. Основното настроение често е песимизъм, стигащ до отчаяние.За разлика от други течения в изкуството, символизмът предполага изразяването на "непостижими", понякога мистични идеи, образи на Вечността и Красотата.
Редон "Офелия"
Франц фон Щук "Саломе"
Уотс "Надежда"
Росети "Персефона"
МОДЕРЕН
Арт Нуво се стреми да съчетае художествените и утилитарните функции на създадените произведения, да въвлече всички сфери на човешката дейност в сферата на красотата. В резултат на това има интерес към приложните изкуства: интериорен дизайн, керамика, книжна графика. Арт нуво художниците черпят вдъхновение от изкуството на древен Египет и древните цивилизации. Най-забележителната характеристика на Арт Нуво беше отхвърлянето на прави ъгли и линии в полза на по-гладки, извити линии. Често съвременните художници са вземали орнаменти от растителния свят като основа на своите рисунки.
Климт "Портрет на Адел Блох-Бауер I"
Климт "Даная"
Климт "Три епохи на жената"
Муха "Плод"
ЕКСПРЕСИОНИЗЪМ
Експресионизмът е едно от най-влиятелните движения в изкуството на 20 век. Експресионизмът възниква като реакция на най-острата криза от първата четвърт на 20 век, Първата световна война и последвалите революционни движения, грозотата на буржоазната цивилизация, която води до желание за ирационалност. Използват се мотивите на болката, крясъка, изразният принцип започва да надделява над изображението.
Модилиани. С помощта на телата и лицата на жените той се опитва да проникне в душите на героите си. „Интересувам се от човешкото същество. Лицето е най-великото творение на природата. Използвам го неуморно“, повтори той.
Модилиани "Спящо голо"
Шиле "Жена в черни чорапи"
КУБИЗЪМ
Кубизмът е модернистично течение във визуалните изкуства (главно в живописта) от 1-вата четвърт на 20-ти век, което подчертава формалната задача за изграждане на триизмерна форма в равнина, минимизирайки фигуративните и познавателните функции на изкуството. Възникването на кубизма традиционно се отнася към 1906-1907 г. и се свързва с творчеството на Пабло Пикасо и Жорж Брак. Като цяло, кубизмът е скъсване с традицията на реалистичното изкуство, развило се през Ренесанса, включително създаването на визуална илюзия на света в равнина. Работата на кубистите беше предизвикателство към стандартната красота на салонното изкуство, към неясните алегории на символизма и крехкостта на импресионистичната живопис. Влизайки в кръга на бунтарските, анархистични, индивидуалистични течения, кубизмът се откроява сред тях с гравитацията си към аскетизма на цвета, към прости, тежки, осезаеми форми и елементарни мотиви.
Пикасо "Плачеща жена"
Пикасо "Свири на мандолина"
Пикасо "Момичетата от Авиньон"
СЮРЕАЛИЗЪМ
Основната концепция на сюрреализма, сюрреалност- комбинация от мечта и реалност. За да направят това, сюрреалистите предлагат абсурдна, противоречива комбинация от натуралистични образи чрез колаж и преместване на обекта от нехудожествено пространство в артистично пространство, поради което обектът се отваря от неочаквана страна, свойства, които не са забелязани извън художествения контекст. се появяват в него. Сюрреалистите бяха вдъхновени от радикалната лява идеология, но предложиха да започнат революцията от собственото си съзнание. Изкуството е замислено от тях като основен инструмент за освобождение. Това направление се формира под голямото влияние на теорията на Фройд за психоанализата. Сюрреализмът се корени в символизма и първоначално е повлиян от художници символисти като Гюстав Моро и Одилон Редон. Много от популярните художници са били сюрреалисти, включително Рене Магрит, Макс Ернст, Салвадор Дали, Алберто Джакомети.
.
Този художник, завършил Тверския художествен колеж през 1994 г. със специалност графичен дизайн, поразява въображението с изключителния си стил и красиви композиции.
Създател е на наистина уникални илюстрации с ретро привкус. Валдемар Казак е художник с чувство за хумор, той има специално виждане за ежедневието, умее да се смее на ежедневието, често се подиграва на смисъла на детските приказки, политиците и съвременната младеж.
Съвременният илюстратор работи в жанра на ежедневието с акцент върху карикатурата. Трудно е да не забележите и да не запомните героите от произведенията на казака. Всички те са много цветни, изразителни и ярки.
Неговите спиращи дъха композиции са изпълнени със стила на следвоенната естетика, наложил се през 50-те години на ХХ век, ретро блясъкът е очевиден буквално във всичко: от избора на темата на картината и завършвайки с избора от цветове.
Ето какво казва самият Валдемар Казак за своя стил:
Като всеки човек (или творец) имам собствен почерк. Но не го подхранвам, защото се страхувам да изпадна в маниери. В допълнение, ярка индивидуална буква е търсена от пазара. Да, точно това е, което всеки знае.
Зашеметяващо ярки, вълнуващи, привличащи вниманието арт рисунки в ретро стила на Валдемар Казак няма да оставят никого безразличен!
Китайският художник и фотограф Dong Hong-Oai е роден през 1929 г. и почина през 2004 г. на 75-годишна възраст. Той остави след себе си невероятни произведения, създадени в стил пикториализъм - невероятни фотографии, които приличат на произведения на традиционната китайска живопис.
Dong Hong-Oai е роден през 1929 г. в град Гуанджоу, провинция Гуангдонг, Китай. Напуска страната на седемгодишна възраст след неочакваната смърт на родителите му.
Като най-малкото от 24 деца, Донг отива да живее в китайска общност в Сайгон, Виетнам. По-късно посещава няколко пъти Китай, но никога повече не живее в тази страна.
След пристигането си в Сайгон Донг става чирак във фотографско студио на китайски имигранти. Там той научава основите на фотографията. Той също така развива страст към фотографията на природата, която често прави с един от фотоапаратите на студиото. През 1950 г., на 21-годишна възраст, той постъпва във Виетнамския национален университет по изкуствата.
През 1979 г. се отваря кървава граница между социалистическа република Виетнам и Китайската народна република. Виетнамското правителство започна репресивна политика срещу етническите китайци, живеещи в страната. В резултат на това Донг стана един от милионите „лодкари“, избягали от Виетнам в края на 70-те и началото на 80-те години.
На 50-годишна възраст, без да говори английски и няма семейство или приятели в САЩ, Донг пристига в Сан Франциско. Той дори успя да закупи малка стая, за да прояви снимките си.
Продавайки снимките си на местни улични панаири, Донг успява да спечели достатъчно пари, за да се връща периодично в Китай, за да прави снимки.
Нещо повече, той имаше възможност да учи известно време при Lung Ching-San в Тайван.
Lung Ching-San, който почина през 1995 г. на 104-годишна възраст, разработи стил на фотография, базиран на традиционното китайско изобразяване на природата.
От векове китайските художници са създавали величествени едноцветни пейзажи, използвайки прости четки и мастило.
Тези картини не трябваше да изобразяват точно природата, те трябваше да предадат емоционалната атмосфера на природата. През последните години на империята Song и началото на империята Yuan, художниците започнаха да комбинират три различни форми на изкуство върху едно платно… поезия, калиграфия и живопис.
Смята се, че този синтез на форми позволява на художника да се изрази напълно.
Лунг Чин-Сан, роден през 1891 г., изучава именно тази класическа традиция в живописта. В някакъв момент от дългата си кариера Лун започва да експериментира с пренасянето на импресионистичния стил на изкуство във фотографията.
Докато поддържаше многослоен подход към мащаба, той разработи метод за наслагване на негативи, който съответства на три нива на разстояние. Дълго научи този метод на Донг.
Опитвайки се да имитира още по-близо традиционния китайски стил, Донг добави калиграфия към снимките.
Новата творба на Донг, базирана на древна китайска живопис, започва да привлича критично внимание през 90-те години.
Вече нямаше нужда да продава снимките си на улични панаири; сега той беше представляван от агент и работата му започна да се продава в галерии в Съединените щати, Европа и Азия.
Вече не трябваше да зависи от отделни клиенти; сега работата му беше търсена не само от частни колекционери на изкуство, но и от корпоративни купувачи и музеи. Той беше на около 60 години, когато постигна някакво ниво на финансов успех за първи път в живота си.
Пикториализмът е движение във фотографията, което се появява около 1885 г. след широкото представяне на процеса на фотографиране върху ненавлажнена печатна форма. Движението достига своя връх в самото начало на 20 век, а периодът на упадък настъпва през 1914 г., след появата и разпространението на модернизма.
Термините "пикториализъм" и "пикториалист" влизат в обща употреба след 1900 г.
Пикториализмът влиза в контакт с идеята, че художествената фотография трябва да имитира живописта и гравюрата от онзи век.
Повечето от тези снимки бяха черно-бели или в тонове сепия. Сред използваните методи бяха: нестабилен фокус, специални филтри и покритие на лещите, както и екзотични процеси на печат.
Целта на такива техники е да се постигне "лично изразяване на автора".
Въпреки тази цел за себеизразяване, най-добрите от тези снимки вървят успоредно с импресионистичния стил, а не в крак със съвременната живопис.
Поглеждайки назад, може да се види и близък паралел между композицията и изобразителния обект на жанровата живопис и пикториалистичната фотография.
Появиха се жанрове на живописта, придобиха популярност, изчезнаха, възникнаха нови, започнаха да се разграничават подвидове в рамките на съществуващите. Този процес няма да спре, докато човек съществува и се опитва да улови света около себе си, независимо дали е природа, сгради или други хора.
Преди (преди 19-ти век) е имало разделение на жанровете на живописта на така наречените "високи" жанрове (фр. grand genre) и "ниски" жанрове (фр. petit genre). Такова разделение възниква през 17 век. и се основаваше на това какъв предмет и сюжет са изобразени. В това отношение високите жанрове включват: битка, алегоричен, религиозен и митологичен, а ниските жанрове включват портрет, пейзаж, натюрморт, анимализъм.
Разделението на жанрове е доста произволно, т.к. в картината могат да присъстват елементи от два или повече жанра едновременно.
Анимализъм или анималистичен жанр
Анимализъм или анималистичен жанр (от лат. animal - животно) - жанр, в който основният мотив е образът на животно. Можем да кажем, че това е един от най-древните жанрове, т.к. рисунки и фигури на птици и животни вече са присъствали в живота на първобитните хора. Например в известната картина на I.I. Шишкин "Сутрин в борова гора", природата е изобразена от самия художник, а мечките са съвсем различни, просто са специализирани в изобразяването на животни.
И.И. Шишкин "Сутрин в борова гора" Как може да се разграничи подвид Ипийски жанр(от гръцки hippos - кон) - жанр, в който образът на кон действа като център на картината.
НЕ. Сверчков "Кон в конюшнята" Портрет
Портрет (от френската дума portrait) е картина, в която централно място заема образът на човек или група хора. Портретът предава не само външна прилика, но и отразява вътрешния свят и предава чувствата на художника към човека, чийто портрет рисува.
Т.Е. Репин Портрет на Николай II Портретният жанр се подразделя на индивидуален(снимка на един човек) група(изображение на няколко души), по естеството на изображението - към предната часткогато човек е изобразен в цял ръст на изявен архитектурен или пейзажен фон и камеракогато човек е изобразен до гърдите или до кръста на неутрален фон. Група портрети, обединени по някакъв признак, образуват ансамбъл или портретна галерия. Пример са портрети на членове на кралското семейство.
Отделно разпределени Автопортретна който художникът изобразява себе си.
К. Брюллов Автопортрет Портретът е един от най-старите жанрове - първите портрети (скулптурни) съществуват още в древен Египет. Такъв портрет действаше като част от култ към задгробния живот и беше „двойник“ на човек.
Пейзаж
Пейзажът (от френски paysage – страна, местност) е жанр, в който централно място заема изображението на природата – реки, гори, поля, море, планини. В пейзажа основната точка е, разбира се, сюжетът, но също толкова важно е да се предаде движението, животът на заобикалящата природа. От една страна, природата е красива, възхитена, а от друга страна е доста трудно да се отрази това в картината.
К. Моне "Поле с макове в Аржантьой" Подвидът на пейзажа е морски пейзаж или яхтено пристанище(от френски marine, италиански marina, от латински marinus - море) - изображение на морска битка, морето или други събития, развиващи се в морето. Виден представител на маринистите - К.А. Айвазовски. Трябва да се отбележи, че художникът е написал много подробности от тази картина по памет.
И.И. Айвазовски "Деветата вълна" Често обаче художниците също се стремят да нарисуват морето от природата, например У. Търнър да нарисува картината „Снежна буря. Параходът на входа на пристанището дава сигнал за помощ, удряйки се в плитката вода, „прекарва 4 часа вързан на капитанския мостик на кораб, плаващ в буря.
У. Търнър „Снежна буря. Параходът на входа на пристанището дава сигнал за помощ, удряйки се в плитката вода.Водната стихия е изобразена и в речния пейзаж.
Отделно разпределете градски пейзаж, в който градските улици и сгради са основен обект на изображението. Градският пейзаж е Ведута- изображението на градския пейзаж под формата на панорама, където мащабът и пропорциите със сигурност се поддържат.
А. Каналето "Пиаца Сан Марко"Има и други видове пейзаж - селски, промишлени и архитектурни. В архитектурната живопис основната тема е изображението на архитектурния пейзаж, т.е. сгради, конструкции; включва изображения на интериори (вътрешна декорация). Понякога Интериор(от френски intérieur - вътрешен) се обособява като отделен жанр. В архитектурната живопис се отличава друг жанр — Капричио(от италиански capriccio, каприз, каприз) - архитектурен фантастичен пейзаж.
Натюрморт
Натюрмортът (от френски nature morte – мъртва природа) е жанр, посветен на изобразяването на неодушевени предмети, които са поставени в обща среда и образуват група. Натюрмортът се появява през 15-16 век, но като отделен жанр се оформя през 17 век.
Въпреки факта, че думата "натюрморт" се превежда като мъртва природа, на снимките има букети от цветя, плодове, риба, дивеч, ястия - всичко изглежда "като живо", т.е. като истински. От създаването си до наши дни натюрмортът е важен жанр в живописта.
К. Моне "Ваза с цветя" Как може да се разграничи отделен подвид Ванитас(от латински Vanitas - суета, суета) - жанр на живописта, в който централното място в картината е заето от човешки череп, чието изображение има за цел да напомня за суетата и крехкостта на човешкия живот.
Картината на Ф. дьо Шампан представя три символа на крехкостта на битието - Живот, Смърт, Време чрез образите на лале, череп, пясъчен часовник.
исторически жанр
Исторически жанр - жанр, в който картините изобразяват важни събития и обществено значими явления от миналото или настоящето. Трябва да се отбележи, че картината може да бъде посветена не само на реални събития, но и на събития от митологията или, например, описани в Библията. Този жанр е много важен за историята, както за историята на отделните народи и държави, така и за човечеството като цяло. В картините историческият жанр е неотделим от другите видове жанрове – портрет, пейзаж, батален жанр.
Т.Е. Репин "Казаците пишат писмо до турския султан" 
К. Брюлов "Последният ден на Помпей" Боен жанр
Баталният жанр (от френски bataille - битка) е жанр, в който картините изобразяват кулминацията на битката, военните действия, момента на победата, сцени от военния живот. Бойната живопис се характеризира с изображението в картината на голям брой хора.
А.А. Дейнека "Отбраната на Севастопол" Религиозен жанр
Религиозният жанр е жанр, в който основната сюжетна линия в картините е библейска (сцена от Библията и Евангелието). Според тематиката иконографията също принадлежи към религиозните, тяхната разлика се състои в това, че картини с религиозно съдържание не участват в богослуженията, а за иконата това е основната цел. иконописпреведено от гръцки. означава "молитвен образ". Този жанр беше ограничен от строги граници и закони на живописта, т.к. предназначен не да отразява реалността, а да предаде идеята за Божието начало, в което художниците търсят идеал. В Русия иконописът достига своя връх през 12-16 век. Най-известните имена на иконописци са Теофан Гръцки (фрески), Андрей Рубльов, Дионисий.
А. Рубльов "Троица" Как се откроява преходният етап от иконопис към портрет Парсуна(изкривено от лат. persona - личност, лице).
Парсуна на Иван Грозни. автор неизвестен битов жанр
Картините изобразяват сцени от ежедневието. Често художникът пише за онези моменти от живота, на които той е съвременник. Отличителни черти на този жанр са реализмът на картините и простотата на сюжета. Картината може да отразява обичаите, традициите, структурата на ежедневието на даден народ.
Битовата живопис включва такива известни картини като „Шлепани на Волга“ от И. Репин, „Тройка“ от В. Перов, „Неравен брак“ от В. Пукирев.
И. Репин "Шлепове на Волга" Епично-митологичен жанр
Епично-митологичен жанр. Думата мит идва от гръцки. "mythos", което означава традиция. Картините изобразяват събития от легенди, епоси, легенди, древногръцки митове, древни легенди, сюжети от фолклора.
П. Веронезе "Аполон и Марсий" алегоричен жанр
Алегоричен жанр (от гръцки allegoria - иносказание). Картините са написани по такъв начин, че имат скрит смисъл. Нематериалните идеи и понятия, невидими за окото (сила, добро, зло, любов), се предават чрез образите на животни, хора, други живи същества с такива присъщи характеристики, които имат символика, вече фиксирана в съзнанието на хората, и спомагат за разбират общия смисъл на произведението.
Л. Джордано "Любовта и пороците обезоръжават справедливостта" Пасторал (от френски pastorale - овчар, селски)
Жанр в живописта, който прославя и поетизира простия и спокоен селски живот.
Ф. Баучер "Есенен пасторал" Карикатура (от италиански caricare - преувеличавам)
Жанр, в който при създаване на изображение съзнателно се използва комичен ефект чрез преувеличаване и изостряне на черти, поведение, облекло и т.н. Целта на карикатурата е да обиди, за разлика например от карикатурата (от френски такса), чиято цел е просто да се пошегуват. Тясно свързани с термина "карикатура" са такива понятия като шина, гротеска.
Гол (от френски nu - гол, съблечен)
Жанр, в картините на който се изобразява голо човешко тяло, най-често женско.
Тициан Вечелио "Венера от Урбино" Измама или тромплей (от фр. trompe-l'œil -оптична илюзия)
Жанр, чиито характерни черти са специални техники, които създават оптична илюзия и ви позволяват да размиете границата между реалността и изображението, т.е. измамното впечатление, че обектът е триизмерен, докато той е двуизмерен. Понякога снагът се отличава като подвид на натюрморта, но понякога в този жанр се изобразяват и хора.
Пер Борел дел Касо "Бягство от критиката" За пълнотата на възприемането на трикове е желателно да ги разгледате в оригинала, т.к. репродукцията не е в състояние да предаде напълно ефекта, който художникът изобразява.
Якопо де Барбери "Яребица и железните ръкавици" Сюжетно-тематична картина
Смес от традиционни жанрове на живописта (всекидневна, историческа, битка, пейзаж и др.). По друг начин този жанр се нарича фигуративен състав, неговите характерни черти са: главната роля се играе от човек, наличието на действие и социално значима идея, взаимоотношения (конфликт на интереси / герои) и психологически акценти са задължително показано.
В. Суриков "Бояр Морозова" Ако си мислите, че всички велики артисти са в миналото, тогава нямате представа колко грешите. В тази статия ще научите за най-известните и талантливи художници на нашето време. И, повярвайте ми, техните произведения ще седят в паметта ви не по-малко дълбоко от произведенията на маестрото от минали епохи.
Войчех Бабски
Войчех Бабски е съвременен полски художник. Завършва Силезийския политехнически институт, но се свързва с. Напоследък рисува предимно жени. Фокусира се върху проявлението на емоциите, стреми се да постигне възможно най-голям ефект с прости средства.
Обича цветовете, но често използва нюанси на черно и сиво, за да постигне най-добро впечатление. Не се страхува да експериментира с нови техники. Напоследък набира все по-голяма популярност в чужбина, предимно във Великобритания, където успешно продава свои творби, които вече се намират в много частни колекции. Освен от изкуство се интересува от космология и философия. Слуша джаз. В момента живее и работи в Катовице.
Уорън Чанг
Уорън Чанг е съвременен американски художник. Роден през 1957 г. и израснал в Монтерей, Калифорния, той завършва с отличие Art Center College of Design в Пасадена през 1981 г. със степен бакалавър по изящни изкуства по изящни изкуства. През следващите две десетилетия той работи като илюстратор за различни компании в Калифорния и Ню Йорк, преди да започне кариерата си на професионален художник през 2009 г.
Неговите реалистични картини могат да бъдат разделени на две основни категории: биографични интериорни картини и картини, изобразяващи трудови хора. Интересът му към този стил на рисуване се корени в работата на художника от 16-ти век Ян Вермеер и се простира до предмети, автопортрети, портрети на членове на семейството, приятели, ученици, ателие, класна стая и домашен интериор. Целта му е да създаде настроение и емоция в своите реалистични картини чрез манипулиране на светлината и използване на приглушени цветове.
Чанг стана известен след прехода към традиционните визуални изкуства. През последните 12 години той спечели множество награди и отличия, като най-престижната е наградата Master Signature от Асоциацията на художниците с маслени бои в Америка, най-голямата общност за рисуване с маслени бои в Съединените щати. Само един човек от 50 е удостоен с възможността да получи тази награда. В момента Уорън живее в Монтерей и работи в студиото си, също така преподава (известен като талантлив учител) в Академията по изкуствата в Сан Франциско.
Аурелио Бруни
Аурелио Бруни е италиански художник. Роден в Блеър на 15 октомври 1955 г. Завършва специалност сценография в Art Institute в Сполето. Като художник той е самоук, тъй като самостоятелно „строи къщата на знанието” върху основата, поставена още в училище. Започва да рисува с маслени бои на 19 години. В момента живее и работи в Умбрия.
Ранната живопис на Бруни се корени в сюрреализма, но с течение на времето той започва да се фокусира върху близостта на лиричния романтизъм и символизма, подсилвайки тази комбинация с изящната изтънченост и чистота на своите герои. Одушевените и неодушевените предмети придобиват еднакво достойнство и изглеждат почти хиперреалистични, но в същото време не се крият зад завеса, а ви позволяват да видите същността на душата си. Многостранност и изтънченост, чувственост и самота, замисленост и плодотворност са духът на Аурелио Бруни, подхранван от великолепието на изкуството и хармонията на музиката.
Александър Балос
Алкасандр Балос е съвременен полски художник, специализиран в маслената живопис. Роден през 1970 г. в Гливице, Полша, но от 1989 г. живее и работи в САЩ, в град Шаста, Калифорния.
Като дете учи изкуство под ръководството на баща си Ян, самоук художник и скулптор, така че от ранна възраст артистичната дейност получава пълна подкрепа и от двамата родители. През 1989 г., на осемнадесет години, Балос напуска Полша за Съединените щати, където неговата учителка и художник на непълно работно време Кати Гаглиарди насърчава Алкасандър да се запише в училище по изкуства. След това Балос получава пълна стипендия за университета в Милуоки, Уисконсин, където учи живопис при професора по философия Хари Росин.
След като завършва обучението си през 1995 г. с бакалавърска степен, Балос се премества в Чикаго, за да учи в Училището за изящни изкуства, чиито методи се основават на работата на Жак-Луи Давид. Фигуративният реализъм и портретът съставляват по-голямата част от творчеството на Балос през 90-те и началото на 2000-те. Днес Балос използва човешката фигура, за да подчертае характеристиките и недостатъците на човешкото съществуване, без да предлага никакви решения.
Сюжетните композиции на неговите картини са предназначени да бъдат самостоятелно интерпретирани от зрителя, само тогава платната ще придобият своето истинско времево и субективно значение. През 2005 г. художникът се премества в Северна Калифорния, оттогава обхватът на работата му се разширява значително и сега включва по-свободни методи на рисуване, включително абстракция и различни мултимедийни стилове, които помагат да се изразят идеите и идеалите на битието чрез рисуване.
Алиса Монкс
Алиса Монкс е съвременна американска художничка. Тя е родена през 1977 г. в Риджууд, Ню Джърси. Още като дете се увлича по рисуването. Тя посещава The New School в Ню Йорк и Montclair State University и завършва Бостънския колеж през 1999 г. с бакалавърска степен. В същото време тя учи живопис в Академията Лоренцо Медичи във Флоренция.
След това продължава обучението си по програмата за магистърска степен в Нюйоркската академия по изкуства, в Департамента по фигуративно изкуство, която завършва през 2001 г. Завършила е колежа Фулъртън през 2006 г. За кратко е изнесла лекции в университети и образователни институции в цялата страна и е преподавала живопис в Нюйоркската академия по изкуствата, както и в Държавния университет Монтклер и Колежа по изкуства Лаймска академия.
„Използвайки филтри като стъкло, винил, вода и пара, изкривявам човешкото тяло. Тези филтри ви позволяват да създавате големи области с абстрактен дизайн, с цветни острови, надничащи през тях - части от човешкото тяло.
Картините ми променят съвременния поглед към вече утвърдените, традиционни пози и жестове на къпещите се жени. Те биха могли да разкажат много на внимателния зрител за такива на пръв поглед очевидни неща като ползите от плуването, танците и т.н. Моите герои са притиснати до стъклото на прозореца на душ кабината, изкривяват собственото си тяло, осъзнавайки, че по този начин влияят на прословутия мъжки поглед към гола жена. Дебели слоеве боя се смесват, за да имитират стъкло, пара, вода и плът отдалеч. Отблизо обаче стават очевидни удивителните физически свойства на блажната боя. Експериментирайки със слоеве боя и цвят, намирам момента, в който абстрактните щрихи се превръщат в нещо друго.
Когато за първи път започнах да рисувам човешкото тяло, веднага бях очарован и дори обсебен от него и почувствах, че трябва да направя картините си възможно най-реалистични. „Изповядвах“ реализма, докато не започна да се разплита и деконструира. Сега проучвам възможностите и потенциала на стил на рисуване, в който изобразителната живопис и абстракцията се срещат – ако и двата стила могат да съществуват едновременно в един и същи момент във времето, ще го направя.“
Антонио Финели
италиански художник - наблюдател на времето” – Антонио Финели е роден на 23 февруари 1985 г. В момента живее и работи в Италия между Рим и Кампобасо. Негови творби са излагани в няколко галерии в Италия и чужбина: Рим, Флоренция, Новара, Генуа, Палермо, Истанбул, Анкара, Ню Йорк, а също така могат да бъдат намерени в частни и обществени колекции.
Рисунки с молив" Наблюдател на времето” Антонио Финели ни изпраща на вечно пътешествие през вътрешния свят на човешката временност и строгия анализ на този свят, свързан с него, чийто основен елемент е преминаването през времето и следите, които то оставя върху кожата.
Финели рисува портрети на хора от всякаква възраст, пол и националност, чиито изражения на лица показват преминаването през времето, а художникът също се надява да намери доказателства за безмилостността на времето върху телата на своите герои. Антонио определя творбите си с едно общо заглавие: „Автопортрет“, тъй като в своите рисунки с молив той не само изобразява човек, но позволява на зрителя да съзерцава реалните резултати от изтичането на времето вътре в човека.
Фламиния Карлони
Фламиния Карлони е 37-годишна италианска художничка, дъщеря на дипломат. Тя има три деца. Дванадесет години тя живее в Рим, три години в Англия и Франция. Получава диплома по история на изкуството от BD School of Art. Тогава тя получава диплома по специалността реставратор на произведения на изкуството. Преди да открие призванието си и да се отдаде изцяло на рисуването, тя работи като журналист, колорист, дизайнер и актриса.
Страстта на Фламиния към рисуването се заражда още като дете. Нейната основна среда е маслото, защото тя обича „coiffer la pate“ и също така си играе с материала. Тя научи подобна техника в творбите на художника Паскал Торуа. Flaminia е вдъхновена от великите майстори на живописта като Balthus, Hopper и François Legrand, както и от различни направления в изкуството: улично изкуство, китайски реализъм, сюрреализъм и ренесансов реализъм. Любимият й художник е Караваджо. Нейната мечта е да открие терапевтичната сила на изкуството.
Денис Чернов
Денис Чернов е талантлив украински художник, роден през 1978 г. в Самбир, Лвовска област, Украйна. След като завършва колежа по изкуства в Харков през 1998 г., той остава в Харков, където живее и работи в момента. Учи и в Харковската държавна академия за дизайн и изкуства, катедра Графика, завършва през 2004 г.
Той редовно участва в художествени изложби, в момента има повече от шестдесет от тях, както в Украйна, така и в чужбина. Повечето от творбите на Денис Чернов се съхраняват в частни колекции в Украйна, Русия, Италия, Англия, Испания, Гърция, Франция, САЩ, Канада и Япония. Част от произведенията бяха продадени в Christie's.
Денис работи в широк спектър от графични и живописни техники. Рисунките с молив са един от любимите му методи за рисуване, списъкът от теми на неговите рисунки с молив също е много разнообразен, той рисува пейзажи, портрети, голи тела, жанрови композиции, илюстрации на книги, литературни и исторически реконструкции и фантазии.
